Weltenbau mit dem digitalen Künstler Alex McLeod
Der in Toronto lebende Digitalkünstler Alex McLeod ist das Ergebnis einer Vielzahl sich überschneidender Einflüsse: Musik, Street Art, Videospiele und die frühe Internet-Chatroom-Kultur. Der in Scarborough geborene McLeod besuchte die OCAD University und studierte Zeichnen und Malerei. Während er traditionelle Techniken erlernte, bildete er sich auch in der Entwicklung von Computergrafiken weiter. Jetzt, nach fast zwanzig Jahren in seiner Karriere, kennt McLeods Karriere keine Grenzen mehr, genau wie die digitalen Welten, die er erfindet. Seine Arbeiten bewegen sich in den Bereichen Kunst, Musik, Mode und kommerzielle Zusammenarbeit. Was ihn so einzigartig (und sympathisch) macht, ist, dass er die gleiche Leidenschaft und Kunstfertigkeit in Projekte einbringt, die von einem Musikvideo für Celine Dion über eine immersive, KI-gesteuerte Umgebung in Zusammenarbeit mit Intel bis hin zu öffentlichen Installationen in seiner Heimatstadt reichen.
McLeod hat sich mit Format zusammengesetzt, um über seine Reise in die digitale Kunst, den Zusammenbruch von Hoch- und Niedrigkultur und die Erweiterung des Selbst zu sprechen, die durch kreative Gemeinschaften entsteht.
Der Digitalkünstler Alex McLeod spricht über seine Kunst und seinen Prozess.
Lass dich von Alex McLeods Flex Block Vorlage inspirieren
Zur Feier der Veröffentlichung der neuen Flexblock-Funktion hat Format gemeinsam mit Alex eine Projektvorlage entwickelt, die von allen Format-Mitgliedern verwendet werden kann.
Für meine Vorlage habe ich eine Gif-Landschaft erstellt. Der Flexblock treibt meine Praxis voran und lässt mich erkennen, dass Websites zu lebendigen Kunstwerken werden können. Es kann Abschnitte auf meiner Website geben, die aktiviert und lebendiger sind als früher. Flexblock ist jetzt ein Werkzeug in meinem Werkzeugkasten, eine weitere Farbe in meiner Palette.
Probiere die Vorlage von Alex auf deiner eigenen Website aus, um dein eigenes digitales Kunstwerk zu erstellen.
Kannst du uns etwas über deinen Werdegang als Künstlerin erzählen?
Als ich aufgewachsen bin, habe ich entweder Kunst oder Musik gemacht. Als ich kurz vor dem Schulabschluss stand, lautete die Frage plötzlich: "Okay, was willst du jetzt machen?" Einige meiner Freunde gingen in den Handwerksbereich. Einige von ihnen gingen auf die Universität, und ich sagte: "Ich will einfach weiter Kunst und Musik machen" - ich will nicht erwachsen werden. Es hat mir geholfen, dass meine Eltern Kunst wirklich mochten und mich unterstützt haben, als ich Malerei studierte. An der Kunsthochschule habe ich tolle Leute kennengelernt und viel gelernt, aber ich habe festgestellt, dass die Malerei nicht das richtige Ventil für mich ist, aber sie war der Katalysator, um ein Medium zu finden. Mein Medium ist digital, aber das war damals keine Option für mich. Nach meinem Abschluss habe ich angefangen, mir digitale Werkzeuge beizubringen, und das war es, was bei mir hängen blieb und sich am besten anfühlte.
Kannst du die digitalen Werkzeuge beschreiben, die du benutzt?
Am Anfang waren es CorelDRAW, Photoshop und Illustrator, und ich habe versucht, mit diesen Programmen 3D-Looks zu imitieren. Ich bin mit vielen 3D-Videospielen wie Myst aufgewachsen, die zwar gerendert wurden, aber nicht so interaktiv waren; sie hatten eine Art malerische Ästhetik. Ich kam zu diesen digitalen Welten eher aus der Kunstperspektive als aus der Spielperspektive, aber es gibt trotzdem eine Verbindung zum Spiel.
Meine Arbeitsweise war damals ein wenig rückwärts gerichtet: Ich habe versucht, die 3D-Sachen in der Software dreidimensional aussehen zu lassen, dann habe ich sie ausgedruckt und versucht, sie neu zu malen, weil ich für größere Arbeiten billiger malen als drucken konnte. Ich glaube, das ist eine Falle, in die viele junge Kreative tappen - die Vorstellung, dass meine eigene Arbeit nichts wert ist. Es dauerte eine Weile, bis ich merkte, dass ich meine Arbeiten nicht unbedingt ausdrucken musste, sondern sie auch im Internet veröffentlichen konnte. Das eröffnete mir ganz neue Welten; die Dinge, die ich machte, konnten verschiedene Formen annehmen und eine globale Reichweite haben.
Als du von der Kunstschule kamst, fiel es dir da leicht, dich auf die digitale Welt einzulassen, oder war das unangenehm für dich?
Die Arbeit in digitalen Gemeinschaften war für mich genauso wichtig wie die akademischen Einrichtungen. Mein Abschluss ist das Gleiche wie ein 12-Jähriger in den AOL-Chatrooms zu sein. Als ich in diese Welt eintauchte, unterhielt ich mich mit wer-weiß-wem, weil er diese wirklich coole Insane Clown Posse-Zeichnung entworfen hatte, die er in Chatrooms hochgeladen hatte, und ich griff zu, weil er wirklich beeindruckende digitale Maltechniken hatte.
Es war eine Gemeinschaft und ein Austausch, wie ich ihn noch nie erlebt hatte. Ich fühlte mich immer ein bisschen wie ein Außenseiter, wenn es um die traditionelle Struktur einer Kunstgemeinschaft ging. Das Gefühl von Leidenschaft, Neugier und Dringlichkeit war in diesen digitalen Gemeinschaften einfach anders. Sobald ich bereit war, die Arbeit zu teilen, war sie auf Facebook und es war toll zu sehen, wie positiv die Leute darauf reagierten - und das in Echtzeit. Dieses Gefühl der Open-Source-Gemeinschaft war etwas, das ich wohl wirklich brauchte und immer noch brauche.
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Du bist bekannt für diese großartigen virtuellen Welten, in denen das Organische und das Anorganische miteinander verschmelzen. Wie bist du auf diese Bildsprache in deiner Arbeit gekommen?
Künstlerinnen und Künstler, Dichterinnen und Dichter, kreative Menschen - wir sind am besten, wenn wir Schwämme sind und eine Vielzahl von Dingen aus der ganzen Welt aufsaugen, all unsere Erfahrungen aufnehmen und sie in der Suppe unseres Gehirns miteinander vermischen. Als Kind habe ich viel Zeit damit verbracht, Mario 64 zu spielen, und das war großartig, weil es auch eine Möglichkeit war, sich mit meiner damaligen Freundesgruppe zu verbinden. Später haben wir Spiele wie Warcraft und Diablo gespielt, Top-Down-Spiele, bei denen du als Spielfigur in einer simulierten Umgebung spielst, aber es gibt auch eine ganze Welt, die um dieses Spiel herum aufgebaut ist. Diese riesigen digitalen Welten waren seltsam und unerwartet und fühlten sich für mich wie ein Zuhause an.
Als es dann an der Zeit war, meine eigene Arbeit zu machen, mischte ich eine ganze Reihe von Einflüssen zusammen, sei es Industriedesign, Architektur, Mikro- und Makrobilder, die Natur - all diese Dinge fließen in meine Arbeit ein und machen sie zu einem reichhaltigeren und interessanteren Wandteppich, einer Art endloser Spielwiese.
Ich sehe meine Arbeit weniger als Kommentar zur Welt um mich herum, sondern eher als Aufbau meiner eigenen digitalen Realität. Ich denke, dass meine Arbeit konzeptionell über die Welt um uns herum im Sinne der Vernetzung spricht - sie zeigt, dass wir Teil unserer Umwelt sind. Wir atmen alle dieselbe Luft. Das gleiche Wasser, das in unserem Blut ist, regnete auf die Dinosaurier herab. Es gibt all diese Bindegewebe, die unsichtbar sind.
Das Aufdecken dieser Verbindungen ermöglicht es uns, Empathie für andere Menschen, für unsere Umgebung und die Räume, die wir bewohnen, zu entwickeln. Ich schätze, ich schaffe einen schönen Weg, diese Botschaft zu vermitteln, und zwar in Form eines ästhetischen Spielplatzes mit Bonbonüberzug.
Die Unterscheidung zwischen hoher und niedriger Kunst scheint dir egal zu sein.
Ich erinnere mich daran, wie ich mit meinen Eltern ins Museum ging, um Ausstellungen zu sehen, und mich irgendwie unnahbar fühlte. Auf der anderen Seite ging ich ins Stadtzentrum von Scarborough, um die Wandmalereien hinter den Fabriken zu sehen, und dachte mir: "Das ist für mich viel relevanter". Ich habe mich schon immer dafür eingesetzt, Kunst im öffentlichen Raum für alle zugänglich zu machen, damit jeder sie genießen kann. Versteh mich nicht falsch, ich liebe viele institutionelle, kuratierte Arbeiten - dafür bin ich da - aber es gibt verschiedene Möglichkeiten, der Öffentlichkeit durch Kunst zu dienen. Für mich war es sehr wichtig, nicht zwischen hoher und niedriger Kunst zu unterscheiden, zwischen dem, was kommerziell rentabel ist, und dem, was Spaß macht und kostenlos ist. Es ist erstaunlich, dass ich jetzt, nach fast 20 Jahren in meiner Karriere. Ich bin an einem Punkt angelangt, an dem man mir genug Vertrauen entgegenbringt, um diese großen Projekte in Angriff zu nehmen und die Arbeiten tatsächlich im öffentlichen Raum zu präsentieren.
Als ich von der Kunstschule kam, tat ich das, was ich dachte, dass ich tun sollte - Kunst für Ausstellungen machen. Das war der Weg, den die Schule uns gelehrt hat. Ich wollte wahrgenommen werden und eine Ausstellung haben. Ich schickte all meine Arbeiten an all diese Blogs und schickte ihnen - bewaffnet mit meiner Website - meine Bilder. Das machte es einfach, meine Geschichte zu erzählen. Und ich fing an, Antworten zu bekommen. All diese Blogs berichteten über mich, und das war cool, denn so konnten Kuratoren auf der ganzen Welt meine Arbeit sehen. Ich hatte eine Ausstellung in Barcelona und da wurde mir klar, dass das ein gangbarer Weg für mich sein könnte.
Gleichzeitig hatte ich auch Art-Direktoren, die für Kaffee- und Autofirmen arbeiteten und sagten: "Oh, das ist auch echt cool. Wir wollen diese Ästhetik nutzen, um unsere Produkte zu verkaufen". Und plötzlich öffneten sich für mich mehrere Wege nach vorne. Ich glaube, dass sich diese Türen nur deshalb geöffnet haben, weil ich offen dafür war. Ich habe mich nicht auf die eine oder andere Weise eingeschränkt.
Hattest du das Gefühl, dass es eine große Lernkurve gibt, um herauszufinden, wie man in einem kommerzielleren Umfeld arbeitet?
Weißt du, was komisch ist? Ich denke, dass die Kunstwelt die schwierigste Welt ist, in der man sich bewegen kann. Ich weiß immer noch nicht, ob ich sie selbst ganz verstehe.
Umgekehrt war es bei der Arbeit mit Marken und Kollaborationen am schwierigsten herauszufinden, wie ich den Preis für meine Arbeit festsetzen sollte, denn ich verkaufe keinen einmaligen Druck, sondern ein Bild von etwas, das in bestimmten Regionen für eine bestimmte Anzahl von Malen und in bestimmten Maßstäben und Ausgaben reproduziert wird, und all diese Dinge bestimmen den Wert meines Preises. Zum Glück hatte ich damals einen wirklich guten Vertreter, der mir sehr geholfen hat, denn sonst wäre ich ausgenutzt und durch die Mühle gezogen worden und hätte wahrscheinlich eine schreckliche Erfahrung gemacht.
Aber sich in der Kunstwelt zurechtzufinden, ist schon komisch. Es ist so, als ob man sich in kleinen Mikrokosmen zurechtfindet. In der Kunstwelt von Toronto habe ich das ganz gut hinbekommen - ich weiß, wo die Institutionen sind. Ich kenne die Galerien. Ich weiß, wer all diese Dinge betreibt. Aber wenn du anfängst, dich mit internationalen Angelegenheiten zu befassen und dann verstehst, dass die teuersten Kunstwerke auf Jachten stehen und von Milliardären gekauft werden, wird die Kunst zu etwas ganz anderem. Es fühlt sich komisch an, etwas für eine Vermögensklasse zu machen. Das hat mich zum Nachdenken gebracht: Was ist der Raum dazwischen? Ich habe also Bücher gelesen, die versuchen, das zu verstehen, aber ich komme nicht aus dieser Welt. Ich liebe Kunst, aber es ist viel komplizierter, in diesem System zu arbeiten.
River Don't Care - Gord Downie (Offizielles Musikvideo)
Video von Alex McCleod
Erzähl uns von deiner Arbeit an Musikvideos. Wie sieht diese Zusammenarbeit aus?
Ich habe Musik schon immer geliebt. Wenn ich kein Künstler wäre, wäre ich Musiker. Mehr meiner Freunde arbeiten in der Musik als in der bildenden Kunst und ich arbeite gerne mit meinen Freunden zusammen. Wenn Musikerfreunde von mir Hilfe brauchen, um Videos zu drehen und so weiter, ist das für mich eine tolle Möglichkeit, aus meiner eigenen Blase herauszukommen, zu wachsen und etwas Neues auszuprobieren. Die Arbeit mit ihnen an Musikvideos war eine Möglichkeit, eine Brücke zwischen meiner und ihrer Welt zu schlagen. Es macht wirklich Spaß, mit Musikern zu arbeiten, denn sie sind es gewohnt, Kompromisse einzugehen, in Bands zu arbeiten und mit anderen Menschen zusammenzuarbeiten. Viele bildende Künstlerinnen und Künstler hingegen arbeiten in Silos, deshalb ist es sehr schwer, uns zu bewegen. Wir sind manchmal sehr dickköpfig.
Je älter ich werde, desto mehr möchte ich zusammenarbeiten und die Mauern einreißen, die wir für uns selbst errichten. Die Arbeit mit Nelly [Furtado]. Sie sagte: "Ich mag diese Farbe Rosa, lass uns dies tun, lass uns das tun" - ich war offen für diese Inspirationspunkte und wir haben uns etwas einfallen lassen.
In Zusammenarbeit mit Kelly Rolland suchte ihr Team nach Beispielen von Arbeiten, die ich vor zehn Jahren auf meinem Instagram-Account gemacht hatte. Es war wirklich interessant, dass der Nachhall von etwas, das ich vor so langer Zeit gemacht und beiläufig auf Instagram gepostet hatte, immer noch lebendig war. Ich erinnere mich, dass es damals ein Test war, eine kleine Animation, die ich mit der Welt teilen wollte, indem ich sie in die sozialen Medien stellte. Jahre später wird es auf Konzerten für Tausende von Menschen ein Teil davon sein.
Celine Dion - Love Again (from the Original Motion Picture Soundtrack) (Official 2024 Lyric Video)
Lyric Video von Alex McLeod
Ich hätte mir nie vorstellen können, dass diese Arbeit in dieser Arena landen würde. Wenn wir als Künstler etwas erschaffen, wissen wir nicht, wie es am Ende aussehen wird oder wie es wahrgenommen wird. Ein Beispiel dafür ist das Video mit Celine [Dion]. Ihr Team hatte ein anderes Video gesehen, das ich für Tafelmusik gemacht hatte, für das Mozart-Requiem [in dem] diese Blütenblätter fallen. Und sie wollten diese Schwerkraft in dem Video für ihren Song, der der letzte Song war, den sie nach ihrer Diagnose aufnahm. Es ist also ein schweres Lied, aber der Text wurde mit dieser Liebeskomödie in Verbindung gebracht, die einen etwas leichteren Ton hatte. Manchmal kann es eine Art kognitive Dissonanz sein, diese verschiedenen Einflüsse in einem Projekt unter einen Hut zu bringen. Wenn ich ein Projekt beginne, denke ich: "Okay, das ist es, was du willst. Lass mich diese Fäden zusammenführen, um etwas zu schaffen, das diesem Werk gerecht wird."
Im Dienst der Menschen zu stehen, die du wirklich bewunderst und liebst, kann ein Trip sein. Wie Kelly Rolland - einige dieser Destiny's Child-Songs habe ich im Studio gespielt, um mich auf die Arbeit einzustimmen - und jetzt mache ich Arbeit für dich. Und was? Das ist ein Traum!
Manchmal fühlt es sich komisch an, die Arbeit da draußen zu sehen. Es fühlt sich natürlich und normal an, aber ich versuche, mir nicht zu sehr auf die Schulter zu klopfen und habe mein eigenes internes Bewertungssystem, um meine eigenen Standards für die Arbeit hoch zu halten.
Ich glaube, der Drang, immer weiter zu wachsen, alles größer und besser zu machen, kann eine kleine Falle sein. Manchmal kommt man an einen Punkt, an dem man ausbrennt oder traurig ist - dieser Gedanke, dass ich mich so anstrenge, aber nicht das gleiche Gefühl habe. Und dann kann es in gewisser Weise eine Lösung sein, zu deiner alten Arbeit zurückzukehren, um dich wieder aufzurichten und dich daran zu erinnern, wo du gewesen bist.
Das ist erstaunlich. Ich habe mich gut geschlagen. Ich habe wirklich hart gearbeitet. Ich habe keine Zeit vergeudet. Wenn ich mir also alte Arbeiten ansehe, heitert das meine Stimmung auf und erinnert mich daran, dass man sich [als Künstler] ausruhen kann. Du kannst dir eine Auszeit nehmen, wenn du sie brauchst. Wenn ich dann auf meine Mappe zurückblicke und mir die Arbeiten von vor fünf Jahren ansehe, denke ich: "Ich habe etwas Interessantes gemacht, und der rote Faden davon ist immer noch der Kern dessen, was ich heute mache. Das war alles wichtig.
Welche Rolle spielt dein Portfolio in deiner Praxis im Berufsleben?
Mein Portfolio ist mir sehr wichtig. Visitenkarten sind ein Ding der Vergangenheit. Deine Website ist das, was du verschickst, um den Leuten zu zeigen, was du kannst. Aber für mich geht sie weit darüber hinaus. Sie ist eine Möglichkeit, meine Arbeit zu katalogisieren. Und jetzt ist sie alles. Es ist meine Visitenkarte. Es ist meine digitale Repräsentation. Sie ist international. Sie ist überall auf der Welt auf jedem Computer zu jeder Zeit verfügbar. Meine Website ist eine Sammlung von Arbeiten, aus der die Leute schöpfen können. Sie ist so wichtig für meine Praxis.
Ich kann mir nicht vorstellen, das nicht zu haben. Ich habe neulich darüber nachgedacht und festgestellt, dass meine Format-Website fast alles enthält, was ich je gemacht habe. Da ich in der digitalen Welt arbeite, sind viele meiner Arbeiten nicht immer physisch vorhanden, so dass diese Aufzeichnungen immer wichtiger werden.
Ich habe das Gefühl, dass Instagram das Amuse Bouche für meine Website ist, weil meine Website so viel mehr enthält. Aber die meisten Menschen sind zu jeder Zeit auf Instagram, weil wir alle an der gleichen Sucht leiden. Und es ist eine großartige Möglichkeit, die Leute zu verführen, sie zum Hauptgericht zu bringen und wirklich zu verdauen, denn du siehst 12 Bilder und denkst dir: Okay, ich sehe Quadrate von Kunst, aber was gibt es noch? Gibt es eine Ausstellungsgeschichte? Gibt es etwas darüber? Gibt es noch mehr?- Gib mir mehr. Was macht dieser Typ?
Kannst du uns etwas über deine Website im Format erzählen und warum die Plattform für dich funktioniert?
Ich liebe Format, weil ich die Dinge selbst verwalten kann, weil ich ständig Arbeit mache. Wenn ich mich darauf verlasse, dass ein Dritter oder ein Designer die Bilder hochlädt, die Größe ändert und so weiter - das verlangsamt den Zug nur. Ich bin ungeduldig. Ich habe diese Arbeit heute gemacht. Ich will es heute auf meiner Website sehen. Ich will, dass jeder es sieht, weil ich ungeduldig und aufgeregt bin. Und mit Format konnte ich das tun und auch Dinge anpassen. Das war perfekt, denn ich kann ein bisschen programmieren, genug, und ich möchte die Dinge ein bisschen anpassen, damit es sich anfühlt, als hätte ich meinen eigenen Stempel drauf.
Was inspiriert dich im Moment bei deiner Arbeit? Worauf freust du dich bei deiner Arbeit? Welchen Rat würdest du jungen, aufstrebenden Künstlern geben?
Ich habe das Gefühl, dass ich mit 40 eines dieser Kapitel abgeschlossen habe. Ich frage mich also: "Neues Kapitel, was will ich tun? Was sind Teile meiner Vergangenheit, die ich in der Zukunft nicht mehr sehen will?
Die Highlights meines bisherigen Lebens herauszupicken und mich auf diese zu konzentrieren, finde ich wirklich spannend. Ich interessiere mich sehr für KI. Ich denke, dass sie unheimlich beängstigend ist, aber sie ist ein erstaunliches, mächtiges Werkzeug. Wenn sie als Werkzeug eingesetzt wird. Die Technologie hat Künstlerinnen und Künstler immer wieder in neue Bereiche vorangebracht.
Ich denke, ein Ratschlag, den ich jemandem geben kann, der neu anfängt... sei so offen wie möglich, denn ich habe mir nicht vorgestellt, dass ich ein lebender Künstler sein würde. Ich hätte nie gedacht, dass das möglich ist - aber ich bin offen dafür. Da wären wir also. Offen für andere Menschen, offen dafür, anderen zu helfen, einfach ein guter Unterstützer der Gemeinschaft zu sein, denn das kommt zu dir zurück, und du wirst unterstützt.
Als ich anfing, fand ich, dass viele Leute zu cool für die Schule waren, und ich verstand nicht, warum. Ich dachte, ich will nicht so sein. Also war ich nicht so. Wenn du Hilfe brauchst, helfe ich dir, und du hilfst mir richtig. Verstehst du? Ein wundervoller, charmanter Edelstein von einem Menschen zu sein, kann dich im Leben weit bringen, egal ob du ein Künstler bist oder nicht.
Ein letzter Ratschlag, den ich jungen Leuten mit auf den Weg geben möchte, ist, sich nicht verrückt zu machen, wenn die Leute nicht sofort begeistert sind von dem, was du tust. Ich denke immer an Van Gogh - dein Publikum ist vielleicht noch nicht bereit für das, was du machst. Ich hatte schon viele Arbeiten, die jahrelang herumlagen, und dann wollten plötzlich zwei Leute sie haben. Vor zehn Jahren wolltest du sie nicht, aber jetzt ist sie gut, oder? Manchmal müssen wir auf die lange Bank schieben.
Ein Platz für uns (Videoarbeit)
von Alex McLeod
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