Guía del cinematógrafo para utilizar la luz natural

Una guía práctica para directores de fotografía centrada en la creación de auténticos trabajos comerciales.

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La publicidad comercial ha ido cambiando en la última década a medida que crece la madurez mediática de los espectadores y los anunciantes se esfuerzan más por mejorar la autenticidad de sus campañas. La publicidad difundida por un formato tradicional o a una plataforma digital moderna ahora más que nunca tiene que destacar de verdad para que esa impresión sea eficaz.

El público actual está muy atento a la sinceridad de los anuncios. Aunque el trabajo de todos en un plató es hacer que una campaña sea genuina, como director de fotografía la forma más sencilla de comunicar esa sinceridad es que parezca natural. Y para ello, el uso de una iluminación coherente y naturalista es primordial.

Al igual que pasar horas haciendo que parezca que acabas de levantarte de la cama, iluminar algo para que parezca natural en la práctica es todo un arte. La iluminación naturalista es compleja, y en el pasado no se ha favorecido mucho en publicidad debido a su aspecto tradicionalmente sofisticado y de alta tecnología. Como director de fotografía, tu trabajo consiste en mantener ese delicado equilibrio y ofrecer imágenes elegantes pero auténticas.

Los programas publicitarios tienden a favorecer los looks diseñados y los entornos controlados para gestionar las altas expectativas y el riesgo, lo que deja poco margen para explorar la iluminación natural o encontrada en el día. Sin embargo, la gran variedad de formatos y la enorme cantidad de información que captan las cámaras hoy en día permiten explorar nuevas posibilidades en los montajes de iluminación. Ahora, los formatos pueden captar hasta los niveles más sutiles de ambiente. Los formatos son tan sensibles que la luz ambiental puede sentar las bases de una configuración de iluminación. A partir de ahí, a menudo se trata de modelar centrándose en las cuatro áreas siguientes: proporción, forma, suavidad y temperatura de color.

1. Ratio

Cuando vuelvas al monitor para echar un vistazo después de jugar con algunas luces, ¿cómo encaja todo? ¿Cuánto más oscuro es el fondo que el primer plano? ¿El sujeto con el ambiente? ¿Cuánto más oscuro es el lado de relleno del sujeto que el lado luminoso (clave)? Éstas son las proporciones que debes tener en cuenta. Por supuesto, estas exposiciones pueden ser muy diferentes, pero nuestros ojos tienen una capacidad natural para interpretar el rango dinámico que nos permite ver. Las cámaras no pueden hacerlo, así que para imitar lo que vemos, se trata de acercarse a una dispersión uniforme.

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Este anuncio de iSelect se rodó en un bloque de oficinas con el horizonte de Melbourne como auténtico telón de fondo. La diferencia de exposición era grande, de unos ocho pasos. Para evitar que el fondo se convirtiera en un mar de blancura, la mejor opción era utilizar una 6K como clave a través de un marco de difusión para que se ajustara al fondo. El producto final es una relación muy ajustada entre el sujeto y el fondo.

Echa un vistazo a este montaje de iluminación en un anuncio de televisión sobre seguridad vial.

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La iluminación es idéntica en ambas tomas. La de la izquierda está tomada en una calle ventilada al mediodía. La de la derecha está tomada en una calle oscura en medio del CBD a última hora del día. La luz clave en ambas tomas es un 4K a través de un marco difusor completo 216. Lo que es diferente es la proporción, lo que significa que la luz clave tiene más efecto a la derecha, ya que el ambiente exterior es más bajo. Al ser más efectiva, tiene a su vez más capacidad para ser modelada.

2. Forma

La forma es la manera más fácil de mantener una estética de alto valor, ofreciendo el brillo publicitario que esperan los espectadores. Puede ser tan sencillo como desplazar la relación de la cámara con el objeto para que reciba una fuente de luz fija en un ángulo de 1/4 de pulgada. O si la luz es maleable, desplazar la clave más cerca o más lejos de la cámara en un arco.

También puedes optar por eliminar luz en el lado de relleno para crear forma. Las cámaras tienen ISO nativos cada vez más altos, lo que significa que la iluminación consiste más en eliminar luz que en añadirla.

Crear forma en un montaje de iluminación es una de las partes más elementales del trabajo de un director de fotografía. Que algo tenga forma no significa que sea un aspecto totalmente fabricado.

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Esta toma se iluminó principalmente con luz ambiente. El lado de relleno de la cara se hizo utilizando tela negra gruesa colgada en el lado izquierdo de la cámara formando un arco.

3. Temperatura de color

Gran parte de la cinematografía moderna consiste en utilizar las fuentes de luz existentes. Al hacerlo, es importante recordar que cuando se mezclan distintos tipos de fuentes de luz, las calidades visibles son diferentes.

Si estás fotografiando bajo la luz de la calle, la luz de la luna, la primera luz o la luz de una discoteca, querrás asegurarte de que, si introduces otra fuente de luz, coincida con la sensación general. Para ello, necesitarás geles.

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Este fotograma está obviamente tomado al atardecer. La luz de relleno, que era un 6K a la izquierda de la cámara, tiene un gel de paja para imitar los tonos del sol poniente.

Del mismo modo, esta luz práctica en la toma de abajo tiene una cierta calidez. En este caso, el estudiante estaba iluminado por una luz kino que se hizo para que coincidiera con la sensación de la lámpara de banquero atenuada.

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Muchos directores de fotografía prefieren no jugar con temperaturas de color mixtas, pero esto puede ayudar a que una toma parezca más realista. Aquí, un miembro del equipo de los Servicios de Emergencia está llamando a la ventana de alguien. La luz de la calle le da en el pelo, mientras que a través de la ventana hay un resplandor. Ambos son diferentes temperaturas de color y tonos de color, pero aún así ayudan a ofrecer un escenario que se siente fiel a la vida.

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4. Suavidad

Cuando se puede elegir, es mejor una luz más suave. Es mucho más agradable a la vista y sugiere cierto grado de autenticidad. Todas las luces son intrínsecamente muy diferentes en cuanto a su suavidad, y hay muchas formas de hacer que una fuente sea más suave: por ejemplo, aplicando gel difusor, introduciendo un marco de malla o simplemente haciéndola rebotar en algo.

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Un simple kit de Redheads de 800 W puede convertirse en una hermosa fuente suave haciéndolos rebotar en una sábana clavada en la pared, o mi favorito personal: cajas de pizza de tamaño familiar colocadas en una funda de almohada.

Como director de fotografía, siempre que se está fuera de casa merece la pena dar un paso atrás y observar lo que es natural. A menudo hay que trabajar el doble para que un entorno natural tenga ese aspecto y esa sensación de naturalidad.

Miles Rowland ha rodado campañas para iSelect, Qantas Frequent Flyer, Tourism New Zealand, The University of Adelaide, Bank SA y Beyond Bank Australia y muchos otros. Sus premiados cortometrajes se han proyectado en todo el mundo. Visite su portafolio aquí.

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