Navegar por el mundo de la música en directo y la fotografía de conciertos

Una guía completa para fotografiar a tus músicos favoritos en situaciones rápidas.

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No hay un tipo de fotografía como la de conciertos. Suele ser rápida, descarnada e implacable, y te coloca en situaciones en las que normalmente no te meterías, salvo por amor al juego.

No hay nada de la serenidad de la fotografía de paisaje, nada del montaje que permite la fotografía de estudio, e incluso el notoriamente acelerado mundo de la fotografía deportiva suele tener lugar en circunstancias increíblemente bien iluminadas.

En cambio, fotografiar música en directo plantea una serie de retos especiales. Es un trabajo frenético que, si tienes suerte, se realiza en un cómodo foso fotográfico, pero que a menudo te obliga a hincar los codos para conseguir un buen punto de vista entre una multitud o un mosh pit de fans que tienen tanto o más derecho que tú a estar allí; la preparación es, en el mejor de los casos, una conjetura, lo que significa que a veces te equivocas de objetivo o te quedas atrapado en un lugar donde no tienes línea de visión; y la mayoría de las veces, o no hay luz o el escenario está tan empapado de rojos y azules que tus sujetos parecerán manchas. Y normalmente sólo tienes las tres primeras canciones para hacer al menos un par de fotos que alguien publique e incluso pague.

Eso puede sonar un poco desalentador, y puede serlo. Vanessa Heins, fotógrafo independiente, tiene algunas palabras de advertencia para los aspirantes a fotógrafos que se meten en el negocio por razones equivocadas.

"Muchas veces, sobre todo en la fotografía musical, la gente dice 'no te metas en esto por dinero, porque en realidad no es ahí donde está el dinero'", dice Heins. "Sobre todo en la fotografía en directo. A veces no es un buen lugar económicamente". Pero el dinero no es la razón por la que sigues leyendo, ¿verdad? Hiciste clic en este artículo porque te gusta la emoción de capturar un momento hermoso y te encantan los retos. Y entrar gratis en todos los espectáculos y festivales a los que quieres ir tampoco está de más.

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Fotografía de Tiana Feng

¿Cómo se consigue?

Esta es una pregunta difícil. No hay una forma probada y verdadera de conseguir el acceso que necesitas para grabar música en directo. Además, los medios tradicionales -colegio y universidad, trabajo en estudio, etc.- sólo te proporcionarán algunas de las herramientas que necesitas para hacer el trabajo, pero no te ayudarán a conseguirlo.

Casi todos los fotógrafos que entrevistamos citaron historias de origen similares: trabajaron gratis para conseguir el acceso que necesitaban, hicieron amigos sólidos y se esforzaron por producir un trabajo lo bastante sobresaliente como para ascender y seguir adelante. A partir de ahí, es más fácil abrirse a las publicaciones.

Amanda FotesMoneen, que ha concedido licencias de su trabajo a grupos punk 6ix como METZ y PUP, abandonó la universidad a los 19 años, se compró una cámara con la matrícula y fotografió a Moneen en la legendaria Horseshoe Tavern.

"A partir de ahí, todo fue cuesta abajo", dice, y explica que su capacidad para entablar amistad con las bandas fue inestimable. "Elegirlos, hacer un buen trabajo para ellos -demostrarles que eres competente y puedes hacerlo- y entablar una relación con ellos".

Esto también la ha llevado a la "glamurosa", pero también poco (o nada) remunerada, vida de las giras, siguiendo a Greys y The Dirty Nil en la carretera, donde recibía propinas por hacer merchandaising y se le concedía pleno acceso a sus temas.

Heins hace todo tipo de tomas en otros tipos de fotografía-retratosmoda, editorial y documental, y trabaja con el presentador de CBC George Stromboulopoulos en la House of Strombo, documentando entrevistas y actuaciones en estudio. Empezó a los 16 años en Vancouver, cuando empezó a interesarse por la fotografía, fotografiando a los grupos de sus amigos (era y sigue siendo amiga de sus compañeros de instituto Ben y Tyler, de Said The Whale), ofreciéndoles su tiempo a cambio del de ellos y dejándoles usar las fotos si querían, lo que le ayudó a reforzar su cartera. Con el tiempo, esas amistades, unidas a su aversión al foso, la llevaron a dedicarse al trabajo documental, fotografiando entre bastidores para grupos como Alexisonfire y City & Colour.

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Fotografía de Tiana Feng

Tiana Feng tenía un enfoque diferente. Empezó robando la DSLR de su padre para fotografiar espectáculos por los que pagaba para entrar (las normas sobre cámaras eran menos estrictas entonces), o trabajaba en eventos como el NXNE como voluntaria para tener acceso. También creó un blog, Ride The Tempoque con el tiempo le ayudaría a entrar en la mayoría de los espectáculos que quería cubrir como medio de comunicación legítimo. Y Daniela TantaloPor una vía increíblemente obvia pero criminalmente infrautilizada, simplemente contactó en frío con A Music Blog, Yea? y les preguntó si podía rodar para ellos.

Pero seamos claros: este artículo no aprueba en absoluto el trabajo gratuito. El trabajo gratuito suele ser necesario para conseguir un pequeño corpus de trabajo que puedas presentar a publicaciones o clientes, pero más allá de eso, si has perfeccionado tu oficio y has trabajado lo suficiente como para creer que estás haciendo un trabajo de calidad, no dejes que se aprovechen de ti.

Si te va a costar $6,50 ir y volver de un concierto, y la publicación sólo te paga $20 por los chupitos, has perdido ¾ de tu dinero antes incluso de salir de casa. Si te tomas una copa, ya estás en el hoyo. Recuerda el mejor consejo del Joker: "Si eres bueno en algo, nunca lo hagas gratis". De hecho, Format tiene una práctica guía sobre Quién paga a los fotógrafos (y cuánto).

¿Cómo asegurarse de estar preparado?

Como ya se ha dicho, en los espectáculos en directo hay muchas variables, por lo que es más o menos imposible prepararse a fondo. Pero hay formas de estar lo más preparado posible.

"Conoce a la banda antes de entrar en el concierto", dice Tantalo. "Lo que me gusta hacer antes de grabar un concierto es investigar sobre el grupo viendo vídeos en YouTube. A veces entro en setlist.com y veo las tres primeras canciones que tocan, o entro en YouTube y veo las tres primeras canciones de una actuación reciente, y así me hago una idea de cómo les gusta estar de pie, si tienen alguna...". movimientos emblemáticosqué hacen, cuándo lo hacen. E intentaré colocarme en el espacio adecuado en el momento adecuado para conseguir esos tiros".

Feng da algunos consejos en la cabina, basados en el consejo de preparación de Tantalo, de los que muchos fotógrafos -es decir, los que acaban con miles de fotos que tienen que revisar al final de un par de canciones- podrían aprender. Al fin y al cabo, disparar en spray sólo va a llenar tus tarjetas de memoria y te dejará con un montón de imágenes que tendrás que borrar más tarde. Estar preparado para las tomas correctas te ayudará a conseguirlas.

"No tengo el ojo puesto en el visor todo el tiempo", dice Feng. "Siempre estoy mirando primero como aficionado, y creo que como aficionado te das cuenta de momentos que surgen y que no verías si estuvieras detrás de la cámara todo el tiempo. Sientes que está a punto de saltar la chispa, encuentras el momento adecuado y empiezo a hacer fotos. Estoy observando unas 75% del tiempo y fotografiando las otras 25%".

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Foto de Amanda Fotes

¿Cuáles son algunos consejos para que la tecnología se adapte a tu entorno?

Cuando llegues al lugar de rodaje, tu tecnología (sea cual sea) tiene que estar a punto y, sobre todo, tienes que saber cómo funciona. Esto puede parecer obvio, pero las innumerables peculiaridades y funciones adicionales de las cámaras DSLR pueden salvarte el pellejo, siempre y cuando sepas que están ahí. Saber qué necesitas conocer bien depende de la forma en que quieras disparar.

"Siéntete muy cómodo con tu equipo", dice Tantalo. "Si vas a disparar en manual, es muy importante que sepas cómo funciona tu cámara".

También adopta una tecnología más primitiva que resulta sorprendentemente útil.

"Una de las formas de combatir mi baja estatura es llevar conmigo un taburete plegable para cuando el escenario está un poco más alto", explica Tantalo. "Grabo desde los lados del escenario, pero me subo al taburete y así estoy por encima de las cabezas de todos. No estorbo a nadie -no hay nadie detrás de mí, así que nadie puede enfadarse porque esté de pie en un taburete-, pero puedo usar un objetivo más amplio para conseguir más cuerpos y menos retratos."

Tantalo también señala que no todos los locales son interiores, y que el trabajo en festivales puede requerir otra preparación. "Estuve en Hamilton para el Supercrawl", cuenta. "El único día que estuve allí llovía a cántaros, y no se me ocurrió cubrir la cámara más que con una bolsa de la compra. Mi cámara funcionaba mal, se enfadaba, no funcionaba". Una solución sencilla una bolsa impermeable hechas específicamente para tiro activo. Son baratos y desechables.

Elegir la lente que vas a necesitar dependerá de múltiples factores del lugar de celebración: ¿qué altura tiene el escenario? ¿Cómo de baja es la iluminación? ¿Tendrán un foso fotográfico o tendré que disparar desde la parte delantera del local (es decir, desde la caja de resonancia)?

En el caso de Fotes, a menudo ha tenido que tener en cuenta un monstruo ambiental totalmente distinto: el mosh pit. Pero sumergirse es la única forma de conseguir esas tomas que te hacen sentir como si estuvieras allí.

"Suelo disparar con un objetivo más amplio", dice Fotes. "Tengo una [Canon] 5D, así que es increíble con poca luz. En muchos conciertos de punk llevo un flash. Intento ser lo más parco posible porque nadie quiere que se le dispare la luz en la cara cada cinco segundos".

"Es difícil cuando estás rodando un montón de cosas punk, porque no tienes mucho tiempo para pensar", continúa. "Te mueves mucho y esperas lo mejor".

De nuevo, aunque hayas tomado todas las medidas posibles para asegurarte de que las cosas saldrían bien, la música en directo tiene tendencias volubles. Heins reitera lo que todo buen fotógrafo sabe: todo se reduce a la luz.

"Cada circunstancia es muy diferente", afirma Heins. "A menudo, los tipos de cosas que fotografiamos son realmente incontrolados y desconocidos. A menos que haga retratos -para los que me gusta utilizar escenarios con mucha luz natural-, normalmente es en espacios que no tienen mucha luz. Creo que, con el tiempo, me he acostumbrado a trabajar bien en espacios con muy poca luz."

Eso significa que tus ideales para la fotografía musical son objetivos rápidos como el rayo y un cuerpo de cámara que pueda forzar su ISO sin empapar las fotos de grano. Ambas cosas juntas te costarán una fortuna, pero la parte más importante es el cristalPor supuesto. Por bastante menos de $1.000, puedes montar un objetivo de 50 mm f/1,4 en un cuerpo de cámara de $500, y seguirás siendo capaz de hacer fotos brillantes con poca luz. El resto es saber dónde estar y cuándo.

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Foto de Vanessa Heins

Ahora que soy un profesional certificado, ¿qué esperarán de mí las publicaciones, los blogs y los grupos de música?

Bueno, eso dependerá de con quién estés haciendo negocios, ¿no? Incluso si empiezas convenciendo a un grupo para que no te cobre la entrada y puedas grabar su concierto, ellos te han dado acceso, así que envíales tus mejores fotos. Si les gustan, te darán más trabajo.

En los trabajos de mayor envergadura en los que participen medios de comunicación de empresas y similares, los resultados variarán mucho. Algunas publicaciones sólo necesitan una foto, otras piden 20 o más. Algunas exigen archivos de gran tamaño y dimensiones muy concretas, mientras que otras quieren un JPEG de 1.200 píxeles de ancho y ya está. Pero tus decisiones artísticas son tuyas y sólo tuyas, a menos que un medio exija algo muy específico. Puede ser difícil romper con la atracción de la perfección técnica, pero una vez que Heins fue capaz de hacerlo, se abrió a nuevas formas de ver las cosas (y dio lugar a grandes tomas como la de abajo).

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"Creo que lo más importante que he aprendido en los dos últimos años es que siempre me esforzaba por que las cosas fueran técnicamente perfectas, y si una toma no estaba perfectamente enfocada, me decía: 'ugh, eso no puede ser'", dice Heins. "Ahora estoy aprendiendo a olvidarme un poco de esas cosas y a darme cuenta de que algunos de los momentos que hay en ellas son más poderosos que esa pequeña cosa con la que podría estar obsesionado".

Más allá de eso, lo más importante a la hora de trabajar será cultivar una estética que te diferencie, afirma Heins. "Creo que tienes que trabajar muy duro y demostrar a la gente que lo que haces y tu estética son algo único y diferente que merece la pena que alguien tenga y pague por ello".

También es probable que los trabajos que encuentres, aunque sean regulares, sigan siendo freelance. Y ser freelance puede ser aterrador: todo lo que tienes es lo que puedes crear, lo que significa que la calidad del trabajo y la reputación son más esenciales que nunca, o no encontrarás más trabajos. Pero el escritor Neil Gaiman, en su Discurso de apertura de 2012 de la Universidad de las Artes, me dio el consejo más reconfortante que he oído nunca para navegar por los agitados mares del trabajo autónomo.

"La gente sigue trabajando, en un mundo freelance-y cada vez más en el mundo actual son autónomos- porque su trabajo es bueno, y porque es fácil llevarse bien con ellos, y porque entregan el trabajo a tiempo. Y ni siquiera necesitas las tres cosas. Dos de cada tres está bien. La gente tolerará lo desagradable que seas si tu trabajo es bueno y lo entregas a tiempo. Perdonarán la tardanza si el trabajo es bueno y si les caes bien. Y no tienes que ser tan bueno como los demás si eres puntual y siempre es un placer saber de ti".

Es recomendable, eso sí, aspirar a las tres cosas. Pero además, un añadido del que se hicieron eco los cuatro fotógrafos: está bien ser desagradable a veces (todo el mundo tiene días malos), pero no seas un capullo. Respeta a la banda, respeta al público, respeta a los otros fotógrafos, respeta a la gente que te deja fotografiar el espectáculo. Respeta a la gente en general. En estas pequeñas comunidades se corre la voz muy rápido y te sorprendería saber cuánta gente no entiende esta verdad tan simple. Tampoco consiguen muchos conciertos.

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Foto de Amanda Fotes

¿Así que estás en situaciones estresantes, imposibles de predecir, y es difícil que te paguen? ¿Por qué iba a hacerlo?

Como ya he mencionado antes: amor al juego. Si has llegado hasta aquí, es que no te has planteado la pregunta anterior, porque amas la música en directo y la fotografía de conciertos lo suficiente como para dedicarte a ello por muy frustrado que te sientas. Y me alegro por ti, porque en la fotografía de conciertos hay muchas más victorias que derrotas. Algunas son grandes, como que te lleven en avión a cubrir festivales de música, y otras son pequeñas, como que tu grupo favorito haga doblete en Instagram de una foto que les hiciste.

Tantalo subió a las redes sociales una foto de Grace Potter y el equipo de la artista se puso en contacto con ella para ceder la licencia de la foto para merchandising. Fotes se enteró de que la superestrella australiana Courtney Barnett lucía una de sus fotos en una camiseta METZ para la que el grupo tenía licencia. Feng tuvo la suerte de fotografiar al ahora enorme Mac DeMarco en una barbacoa en una azotea con poca gente, cuando aún era conocido como Makeout Videotape.

Sin embargo, la mayor W de Heins es un poco más abstracta.

"La mitad de las personas a las que fotografío empezaron como una pequeña semilla de 'Oye, ¿puedo hacerte una foto?' y luego se convirtieron en una relación a largo plazo en la que esas personas realmente confían en ti en su espacio y quieren que estés allí", dice. "Me siento muy orgullosa de esas relaciones y muy agradecida por el acceso que tengo".

Suena como algo que merece un poco de estrés.

Matt Williams también es fotógrafo de música en directo. Echa un vistazo a su trabajo en este bonito y sencillo sitio web de Format.

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