Il n'existe pas de photographie objective.
Un article récent du Wall Street Journal intitulé "Les photos modifiées numériquement représentent-elles la réalité ou la fiction ? a déclaré qu'il y a trop de "manipulation" (c'est-à-dire de photoshopage) dans de nombreuses images d'aujourd'hui, en particulier dans le photojournalisme et les concours de photos. Il existe manifestement une norme arbitraire (que personne ne semble pouvoir définir objectivement) selon laquelle seule une image sortant directement de l'appareil photo est honnête ou acceptable, en particulier si vous êtes photojournaliste ou si vous participez à un concours.
L'auteur de l'article, Ellen Gamerman, donne des exemples de photos modifiées, notamment Harry Fischqui "a gagné et perdu un premier prix dans un concours de photos du National Geographic" pour l'image "Préparation des prières au Gange parce qu'il a supprimé numériquement un sac en plastique étranger dans une zone sans importance de l'image. Il est également question de Steve McCurryqui est surtout connu pour son emblématique "La fille afghane sur la couverture du magazine National Geographic en 1985. Il a été accusé d'avoir manipulé numériquement certaines images prises en 1983 au Bangladesh et en Inde.
Dans l'ensemble, je trouve cela absurde et la logique qui sous-tend ces tentatives de définition d'une "photographie objective" est fatalement erronée. D'un point de vue purement scientifique, il n'existe absolument pas de photographie "objective", et ce pour de multiples raisons. Toutes les photographies mentent, de manière permanente et absolue. La seule différence est de savoir dans quelle mesure et dans combien de domaines.
Un exemple de combinaison de cadrage et de profondeur de champ. L'un des photographes se tient à 2,5 mètres de plus que l'autre (par rapport à mon appareil photo), mais le raccourcissement du téléobjectif de 200 mm semble représenter un duel de photographes. [©2012 Ed Elliott / Clearlight Imagery]
Le premier mensonge : le cadrage
La nature même de la photographie, depuis les premiers jours jusqu'à aujourd'hui, repose sur une caractéristique essentielle : le cadre. Seule une partie de ce qui peut être vu par le photographe peut être capturée sous forme d'image.
Chaque photographie comporte quatre bords. Que les bords finaux présentés au spectateur soient dus aux limites de l'appareil photo, de la pellicule ou du capteur d'image, ou qu'ils aient été recadrés au cours du processus d'édition, n'a pas d'importance. Le choix initial du cadre est fait par le photographe, de concert avec l'appareil photo utilisé, qui présente des limites physiques qui ne peuvent être dépassées.
Le choix du cadre est totalement subjectif : c'est l'œil/le cerveau/l'intuition du photographe qui décide sur le moment où pointer l'appareil photo, ce qu'il faut inclure dans le cadre. Faire pivoter l'appareil photo de quelques degrés vers la gauche pour éviter un poteau téléphonique disgracieux constitue-t-il une "manipulation numérique injustifiée" ?
La plupart des rédacteurs en chef et des juges de concours photo ne seraient probablement pas d'accord. Mais que se passe-t-il si le même résultat est obtenu en recadrant l'image au cours d'un processus d'édition - et nous commençons déjà à voir des désaccords dans la littérature.
Si M. Fisch s'était simplement approché et avait ramassé le sac plastique incriminé avant d'exposer l'image, il aurait sans doute mérité le premier prix décerné par le National Geographic, mais parce qu'il a retiré le sac pendant l'édition, sa photographie a été disqualifiée.
Selon cette même logique, lorsque Léonard de Vinci a peint la Mona Lisa il y a une balustrade avec deux colonnes derrière elle. Il y a une symétrie parfaite dans le placement de Lisa Gherardini (le modèle présumé) entre les colonnes, ce qui aide à encadrer le sujet. La peinture prenant du temps, il est probable qu'un oiseau se pose de temps à autre sur la balustrade. Léonard devait-il inclure l'oiseau ou non ? A-t-il "manipulé" l'image en n'incluant que les parties de l'image qui étaient importantes pour la composition ? Un éditeur ou un juge oserait-il lui demander aujourd'hui si cela est possible ?
Prise de vue au grand angle, démontrant la netteté de la mise au point du premier plan à l'arrière-plan. L'exagération de la perspective fait également apparaître la proue du navire beaucoup plus haute que la poupe. [©2013 Ed Elliott / Clearlight Imagery]
Le deuxième mensonge : l'objectif
Il n'y a pas de photographie sans objectif. Chaque objectif possède certaines propriétés irréfutables : la longueur focale et l'ouverture maximale sont les plus importantes. Chacun de ces paramètres confère un aspect vital et subjectif à l'image capturée par la suite.
Chaque longueur focale met au point une plus ou moins grande partie du cadre et, inversement, réduit la profondeur de champ. Les objectifs grand angle ont tendance à mettre au point l'ensemble du champ de vision, tandis que les téléobjectifs estompent tout ce qui n'est pas sélectionné par le photographe comme point de mise au point principal.
En outre, chaque type d'objectif déforme sensiblement le champ de vision : les objectifs grand angle ont tendance à exagérer la distance entre le premier plan et l'arrière-plan, ce qui fait que les objets les plus proches dans le cadre semblent plus grands qu'ils ne le sont en réalité et que les objets éloignés sont encore plus petits. Les téléobjectifs ont l'effet inverse : ils raccourcissent l'image et l'aplatissent.
Par exemple, lors d'une prise de vue au téléobjectif d'un arbre sur une crête éclairée par la lune, l'arbre et la lune peuvent être très nets et la lune semble se trouver directement derrière l'arbre, même si elle se trouve à 239 000 km de distance.
En définitive, le choix de l'objectif et de l'ouverture est un élément de contrôle du photographe (ou de son portefeuille) et a un effet considérable sur l'image prise avec cet objectif et ce réglage. Aucun de ces choix ne peut être considéré comme une manipulation "analogique" ou "numérique" de l'image lors de l'édition, mais ils ont sans doute un effet plus important sur le résultat, le message, l'impact et la teneur de la photographie que tout ce qui peut être fait ultérieurement dans la chambre noire (qu'il s'agisse d'un procédé chimique ou numérique).
Vitesse d'obturation élevée pour figer le mouvement. 1/2000 sec. [©2012 Ed Elliott / Clearlight Imagery]
Le troisième mensonge : la vitesse d'obturation
Chaque exposition est le produit de deux facteurs : la lumière et le temps. La quantité de lumière qui atteint un négatif (ou un capteur numérique) est régie uniquement par l'ouverture sélectionnée (et éventuellement par des filtres supplémentaires placés devant l'objectif) ; la durée pendant laquelle la lumière est autorisée à atteindre le négatif est déterminée par la vitesse d'obturation.
Si la principale propriété du réglage de la vitesse d'obturation est de produire l'exposition correcte une fois que l'ouverture a été sélectionnée (pour éviter la sous-exposition ou la surexposition de l'image), il existe un effet secondaire important de la vitesse d'obturation sur tout mouvement de l'appareil photo ou des objets dans le cadre.
Les vitesses d'obturation rapides (plus de 1/125e de seconde avec un objectif normal) figent pratiquement tout mouvement, tandis que les vitesses d'obturation lentes provoquent des tremblements, des flous et d'autres artefacts de mouvement. Bien que certains de ces artefacts puissent être simplement gênants, entre les mains d'un photographe expérimenté, les artefacts de mouvement racontent une histoire. De même, un arrêt sur image (dû à une vitesse d'obturation très rapide) peut déformer la réalité dans l'autre sens, en donnant à l'observateur un point de vue que l'œil humain ne pourrait jamais apercevoir dans la réalité.
L'exposition pendant des heures des traînées d'étoiles ou la prise de vue en animation suspendue d'une balle sur le point de percer un ballon sont toutes deux des manipulations de la réalité, mais elles ont lieu au moment de la formation de l'image, et non dans la chambre noire. L'expérience subjective d'un ballon de football déformé par l'impact du pied du botteur, bloqué dans le temps par une vitesse d'obturation de 1/2000e de seconde, est très différente de la même prise de vue du botteur à 1/15e de seconde, où sa jambe n'est qu'un arc flou sur un arrière-plan d'herbe net. Deux histoires totalement différentes, simplement en raison du choix de la vitesse d'obturation.
Faible ISO (50) pour obtenir un grain relativement fin et la meilleure résolution possible (il s'agissait d'une prise de vue réalisée avec un téléphone portable). [©2015 Ed Elliott / Clearlight Imagery]
Le quatrième mensonge : sensibilité du film/capteur (ISO)
Comme si le nez de Pinocchio n'avait pas déjà assez poussé, nous avons encore une autre distorsion de la réalité que chaque image contient comme élément de base : la sensibilité du film/capteur. Nous avons abordé la question de l'exposition en tant que produit de l'intensité lumineuse et du temps d'exposition, mais il reste un autre paramètre à prendre en compte.
Une exposition dite "correcte" est une exposition qui présente un équilibre des valeurs tonales et qui représente (plus ou moins) les valeurs tonales de la scène photographiée. Cela signifie essentiellement que les noirs, les ombres, les tons moyens, les hautes lumières et les blancs sont tous apparents et distincts dans la photographie obtenue, et que les valeurs de contraste sont plus ou moins conformes à celles de la scène originale.
La sensibilité du film (ou du capteur numérique) est essentielle à cet égard. Un film très sensible permettra d'obtenir une image correcte avec une exposition plus faible (soit une ouverture plus petite, soit une vitesse d'obturation plus rapide, soit les deux), tandis qu'un film "lent" (insensible) nécessitera l'inverse.
Le corollaire de la sensibilité du film est le grain (pour les films) ou le bruit (pour les capteurs numériques). Si vous souhaitez obtenir un négatif à grain fin et très net, vous devez utiliser un film lent. Si vous avez besoin d'un film rapide capable de produire une image acceptable en basse lumière sans flash, par exemple pour le photojournalisme ou la surveillance, vous devez utiliser un film rapide et accepter un grain de la taille d'un grain de riz dans certains cas. La vie est faite de compromis.
Encore une fois, le résultat final est subjectif et totalement sous le contrôle du photographe accompli, mais il existe complètement en dehors de la chambre noire (ou de Photoshop). Deux scènes identiques prises avec des films ISO (ou des réglages de capteur) très différents donneront des résultats très différents. Un ISO lent produira une image très nette et super réaliste, tandis qu'un ISO très rapide sera granuleux, quelque peu flou et pourra tendre vers le surréalisme s'il est poussé à l'extrême. [Note technique : la partie arithmétique de la classification ISO est la même que l'ancienne échelle de classification ASA, j'utilise la nomenclature actuelle.]
Il n'y a pas de vérité objective en photographie
Toute photographie est une illusion. À l'aide d'un objectif, d'une sorte d'élément photosensible et d'une boîte permettant de limiter l'image à la seule lumière traversant l'objectif, une photographie est un rendu de ce qui se trouve devant l'objectif. Rien de plus.
Déformée et limitée par le choix du photographe en matière de point de vue, d'objectif, d'ouverture, de vitesse d'obturation, de film/capteur, etc., l'image résultante, si elle est correctement exécutée, reflète tout au plus la vision intérieure de l'esprit du photographe/la perception de la scène originale.
L'un des grands défis de la photographie est qu'à première vue, de nombreuses photos semblent n'être qu'une copie de la réalité et n'ont donc aucune valeur artistique inhérente. Rien n'est plus faux. C'est simplement que l'art se cache à la vue de tous.
C'est notre opinion collective, subjective et inexacte selon laquelle les photographies sont véridiques et représentent fidèlement la réalité qui se trouvait devant l'objectif, qui est à l'origine du problème. Nous pensons naïvement que les photos sont dignes de confiance, qu'elles nous montrent la seule vision possible de la réalité. Il est temps de grandir et d'accepter que la photographie, comme toutes les autres formes d'art, est avant tout un produit de l'artiste.
Ed Elliott est un photographe basé à New York. Visitez son portfolio en ligne ici. Toutes les photos de cet article ont été prises par Ed Elliott.
Cet article a été publié à l'origine ici et republié avec l'autorisation de l'auteur.
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