Im ersten Stück, Ein praktischer Leitfaden für den Einstieg in die öffentliche KunstIn unserem ersten Teil haben wir die Schritte von der Einreichung des Vorschlags bis zur Realisierung des Projekts besprochen. In diesem zweiten Teil geht es um die künstlerischen und konzeptionellen Herausforderungen, die mit der Kunst im öffentlichen Raum verbunden sind.
Künstlerische und kritische Punkte zu berücksichtigen
Als Künstler fragst du dich was ist das Ziel oder der Antrieb, Arbeit für die Öffentlichkeit zu machen und Wie verändert sich meine Arbeit, wenn sie in einem neuen Kontext erscheint??
Es ist auch wichtig, allgemeinere Fragen zu stellen wie: Warum braucht der öffentliche Raum Kunst? und Wie wird mein Kunstobjekt durch seine Platzierung im öffentlichen Raum der Gemeinschaft zugute kommen? Während wir uns die grundlegenden Fragen stellen, sollten wir auch den bedeutenden Übersetzungsprozess bedenken, der stattfindet, wenn wir unsere "normale" Atelierarbeit in Kunstwerke verwandeln, die im öffentlichen Raum leben und mit den Mitgliedern der Gemeinschaft in Kontakt treten und interagieren sollen. Wir werden uns mit den greifbaren Faktoren befassen, die wir berücksichtigen müssen, wie z. B. Größe und Proportionen, die Besonderheit des Standorts, langlebige Materialien und auch die Emotionen, die wir loslassen müssen, wenn aus unserer Arbeit etwas Neues entsteht.
Scale
Das ist wahrscheinlich die größte Hürde, die es zu überwinden gilt, wenn du Kunstwerke für den öffentlichen Raum produzierst. Wenn du Objekte für einen bestimmten Raum und ein öffentliches Publikum vorbereitest, stellt der Maßstab eine ästhetische und konzeptionelle Herausforderung für viele Disziplinen dar, darunter Bildhauerei, Fotografie, Malerei und sogar digitale Kunst.
Hochskalieren mag trügerisch einfach erscheinen. Es ist jedoch nicht so einfach, deine Maquette, Collage oder Tischskulptur an die größeren Maße anzupassen. Bei jedem Kunstwerk müssen räumliche Gegebenheiten berücksichtigt werden: Gibt es Sichtlinien, Decken, Wandhöhen oder Treppen, die den Blick auf das Kunstwerk behindern? Wenn sich das Kunstwerk in einem öffentlichen Flur oder einem sehr engen Treppenhaus befindet, kann der Betrachter nicht weit genug zurücktreten, um das Kunstwerk als Ganzes zu sehen, also musst du kleinere Vignetten in die längere Komposition einbauen, damit sie kohärent oder visuell sinnvoll ist. Da in einem engen öffentlichen Korridor jeweils nur drei bis vier Meter zu sehen sind, muss der Künstler berücksichtigen, wie nah der Betrachter kommt.
The Birds, Myfanwy MacLeod, 2010, Edelstahl, hartbeschichteter EPS-Schaum, Bronze, Milton Wong Plaza at Olympic Village, Vancouver, BC
Bei skulpturalen Kunstwerken geht es in der Regel um die Proportionen, also um den Kontext und die Harmonie des Kunstwerks im Verhältnis zu seiner Umgebung. Das Kunstwerk kann entweder zu groß für den Raum sein, so dass sich die Betrachter überwältigt oder klein fühlen, oder aber zu klein für den Raum, so dass das Kunstwerk verloren geht oder keine Wirkung hat.
Aus der Perspektive des Maximalismus und des Minimalismus betrachtet, kann der Maßstab zu deinem Vorteil sein. Zum Beispiel in Myfanwy Macleods Skulptur "Die Vögel"bringt der Künstler den winzigen und allgegenwärtigen Spatz in monumentale Dimensionen. Auf einer Stadtbank sitzend, fügt sich das Werk perfekt in die Infrastruktur ein, und die Vögel selbst wirken sowohl intim als auch riesig. Alternativ dazu, in Micah Lexier's Zwei KreiseDer Künstler spielt mit der Spannung der Proportionen, die sich langsam von überwältigend zu intim entwickeln. Zwei scheinbar einfache offene und geschlossene Kreise dominieren die weißen Wände einer weitläufigen Lobby. Bei genauerem Hinsehen erkennt der Betrachter, dass die Wand aus aufwändig handgefertigten und gerissenen Keramikfliesen besteht, die einen schwindelerregenden Rhythmus erzeugen. Für Lexier ist es das kleine Detail, der Teil des Ganzen, der sich erhaben anfühlt, während die großen, weitläufigen Ansichten etwas "Einfacheres" vermitteln. Die Poesie und Eleganz entsteht durch das Zusammentreffen von Extremen: Intimität und Erhabenheit, Tastsinn und Optik, Harmonie und das Gefühl der Zersplitterung. Manche Kunstwerke im öffentlichen Raum missverstehen die minimalistische Geste und die transformatorischen Möglichkeiten des Maßstabs grundlegend. Manchmal wird der richtige Klang unerträglich, wenn man ihn lauter macht.
Micah Lexier, Two Circles, 2016, zwei Wände - 30 x 26 Fuß und 47 x 24 Fuß, handglasierte und handgeschnittene Stäbe aus Keramikfliesen, Bay Adelaide Centre East Tower, Toronto ON, Bilder copyright CBC
Standortbezogenheit
Ich denke, ein zentraler Grundsatz bei der Gestaltung von Kunst im öffentlichen Raum ist, dass man sich mit dem spezifischen Kontext des Ortes auseinandersetzen muss: mit den umliegenden Gebäuden, den architektonischen Stilen, der allgemeinen Präsenz der Nachbarschaft, der Geschichte des Ortes und seiner Menschen.
Auch wenn dies nicht immer ein Hauptkriterium für Kunst im öffentlichen Raum in Ausschreibungen ist, so ist die Besonderheit des Ortes doch entscheidend, um den öffentlichen Raum auf positive und sinnvolle Weise zu aktivieren.
In letzter Zeit gibt es einen Trend zu leeren und langweiligen geometrischen Formen, die sich als zum Nachdenken anregende modernistische Skulpturen ausgeben; man denke an Imitationen von Mark Desuvero, Alexander Calder oder Henry Moore, die auf einem leeren Platz oder vor einer neuen Wohnsiedlung aufgestellt werden. Diese Zombie-Formalismus hat scheinbar wenig mit der umgebenden Architektur oder dem Raum zu tun. Die britische Bildhauerin Rachel Whiteread beschreibt dies als "Plop Art", ein Phänomen, bei dem das Objekt "hat nicht wirklich eine Beziehung zu irgendetwas anderem. [...] Kunst ist extrem populär geworden, was aus vielen Gründen toll ist, aber ich denke, dass viele öffentliche Skulpturen schlecht durchdacht sind und an Orten aufgestellt werden, an denen sie nicht unbedingt sein sollten. Sie werden dann zu etwas Unsichtbarem. Die Leute nehmen sie gar nicht wahr. Ich denke, Kunst ist aus einem bestimmten Grund da und sollte respektiert und betrachtet werden. [...]."
Um dieses Risiko zu vermeiden, solltest du darauf achten, in welchen Räumen dein Werk aufgestellt wird und wie die Menschen mit ihm interagieren werden. Häufige Platzierungen von Kunst im öffentlichen Raum, die du berücksichtigen solltest:
- Transitkorridore
- außerhalb von akademischen Einrichtungen oder Bibliotheken
- in der Mitte eines öffentlichen Platzes neben Bäumen, Bänken und einem Springbrunnen
- über Fußgängerbrücken oder Verkehrsinseln
Jeder Ort stellt andere Anforderungen an die Planung, die Materialien und die Logistik sowie an die anderen Faktoren. Wenn du Kunst für die Öffentlichkeit machst, sollte das Publikum eines Ortes oder einer Gemeinde im Vordergrund stehen.
Unterirdisch
Eine überraschende und charmante Meisterklasse in Sachen Ortsspezifität und Verwandlung des Alltäglichen, Bill Brand's Masstransiscope verwandelt die nach Manhattan fahrenden U-Bahn-Wagen der Linien B und Q, die an der DeKalb Avenue Station abfahren, in eine Filmmaschine. Eine eintönige Erfahrung wird zu einem magischen Erlebnis, wenn ein buntes, animiertes Zoetrop die Pendler eintauchen lässt, während der Zug durch den Tunnel fährt. Das Publikum, das normalerweise mit seinen Geräten, Büchern und Nickerchen beschäftigt ist, wird durch den Film, der um es herum läuft, plötzlich aktiviert. Bei einem gefangenen, aber gelangweilten Publikum ist die Chance groß, dass du ihm etwas Unerwartetes bieten und es begeistern kannst
Draußen
Ihr langes schwarzes Haar von Janet Cardiff führt die Teilnehmer/innen durch eine eindringliche audiovisuelle Erfahrung mit dem Künstler. Auf einem 46-minütigen Spaziergang durch den New Yorker Central Park regt Cardiff in Ton und Bild zum Nachdenken über die Beziehung zwischen Natur, Architektur, Zeit, Klang und Körperlichkeit an. Der Erzähler verwebt bewusstseinserweiternde Beobachtungen und vermischt fiktive Ereignisse mit echter lokaler Geschichte. Er fordert dich auf, die Archivfotos zu betrachten und die Geschichte des Parks im Kontrast zur aktuellen Erfahrung zu sehen, indem er den Rahmen der Vergangenheit nutzt, um den Park auf neue Weise zu genießen.
Diejenigen, die gerne spazieren gehen und die Natur lieben - die ohnehin schon ein ruhiges, nachdenkliches Publikum sind - eignen sich perfekt für dieses Kunstwerk, das Zeit und die Bereitschaft erfordert, sich umzusehen.
In der Stadt
Die Unterwanderung von Werbeflächen kann eine kraftvolle künstlerische Geste sein, wenn du dir überlegst, wie die Bilder im visuellen Lärm einer Stadt existieren. Es wird deutlich, wie sehr unsere tägliche Umgebung von Werbung durchdrungen ist, die uns ein Produkt oder eine Idee verkaufen soll. Wenn du eine öffentliche Kunstausstellung planst, die auf Werbeflächen wie Plakatwänden, Tafeln und LED-Bildschirmen stattfindet, solltest du bedenken, wie der Ersatz von Marketing durch ein Kunstwerk sowohl die Bedeutung des Raums als auch die des Kunstwerks verändert und beiden eine neue Ebene der Komplexität verleiht. Der Raum verändert die Art und Weise, wie die Betrachter mit dem Bild interagieren, vor allem im Zusammenhang mit den umliegenden Gebäuden, Strukturen und dem Straßenbild. Wenn sehr private Szenen aus dem Familien- oder Alltagsleben in der Öffentlichkeit gezeigt werden, entsteht oft eine kognitive Dissonanz zwischen öffentlich und privat.
Du kannst diese Besonderheit des Ortes zu deinem Vorteil nutzen, indem du einen Stadtplatz, eine gläserne Luxus-Eigentumswohnung oder eine gemauerte Lagerhalle in einen direkten Dialog oder Konflikt mit deinem Kunstwerk bringst.
In einer Stadt, in der sich die Menschen schnell bewegen und nur kurz hinschauen, ist dies ein Ort, an dem du die Passanten mit einem fesselnden Aufhänger verlangsamen kannst, oder du verstehst einfach, dass der Bereich auf diejenigen eingegrenzt wird, die noch schauen, lesen und ihre Umgebung wahrnehmen.
Jessica Thalmann, Schnitt zwischen den Stützen und Einsturz (Hände), 2022. Foto: Toni Hafkenscheid. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und des Scotiabank CONTACT Photography Festivals.
Materialien
Wahrscheinlich musst du deine Ideen in und auf haltbarere, skulpturale Materialien übertragen. Zu den traditionellen Materialien, die für öffentliche Skulpturen oder Denkmäler verwendet werden, gehören Bronzeguss, Stein, Keramikfliesen, Glas, Beton und verschiedene Arten von rostfreiem Stahl oder Cortenstahl, die wetterbeständig und leicht zu pflegen sind. Wenn du ein zweidimensionales Werk wie ein Wandbild, ein Gemälde, ein Foto oder einen Druck herstellst, ist es wichtig, die richtigen Farben, Versiegelungen und UV-Beschichtungen auszuwählen, die die Lebensdauer deiner Oberfläche, Pigmente und Farben verlängern. Teste auf jeden Fall neue Marken, die für eine lange Lebensdauer sorgen, und bewahre deine Maquetten, Formen und Kopien der Arbeitsblätter für Gesundheit und Sicherheit für jedes Produkt auf, das du für dein Kunstobjekt verwendest. Um alle Probleme zu lösen und Fehler in der Produktion zu beheben, solltest du viele Tests mit den neuen Materialien durchführen, zuerst in kleineren Maßstäben und schließlich im endgültigen Maßstab, damit du keine Überraschungen erlebst.
Ein Teil dieses Prozesses ist die Zusammenarbeit mit anderen Herstellern, Schweißern, Ingenieuren, Studios und Lieferanten, die sich auf diese langlebigen Materialien oder Techniken spezialisiert haben. Dazu gehören Wasserstrahlschneiden, Schweißen, großflächige Metallarbeiten, Beleuchtungsdesign, 3D-Druck, Laserschneiden, Druck direkt auf das Trägermaterial, Grafikdesign und Montageservice. Ich empfehle dir, dich über verschiedene Methoden zu informieren, mit denen du dein gewünschtes Ergebnis erzielen kannst, und von dort aus nach Studios und Herstellern zu suchen. Entscheide dich für einen Kooperationspartner, mit dem du eine positive Arbeitsbeziehung aufbauen kannst. Du wirst lange Zeit mit diesen Herstellern, Handwerkern und Technikern zusammenarbeiten, und in einigen sehr stressigen Situationen werden eine gute Kommunikation und Vertrauen dazu beitragen, dass ihr beide auf derselben Seite steht. Ein wichtiger Aspekt ist die Nachhaltigkeit und die Frage, wie du gebrauchte Medien, Oberflächen oder Gegenstände in deine Bemühungen um etwas Neues einbeziehen kannst. Recycelte Materialien wie Gummi wurden in letzter Zeit erfolgreich in Kunstwerke und Parks integriert. Die Wasserwächter von Daniel Borins und Jennifer Marman Skulptur in Toronto. Die Wasserläufe aus recyceltem Gummi sind in grüne Hügel integriert und bieten eine hüpfende Oberfläche, auf der Kinder spielen und mit den Wasserelementen interagieren können.
Loslassen
Das ist wahrscheinlich die schwierigste Lektion, die es zu lernen gilt: Sobald das Kunstwerk in der Öffentlichkeit steht, gehört es nicht mehr dem Künstler.
Im Guten wie im Schlechten nimmt das Kunstwerk ein Eigenleben an. Die Mitglieder der Gemeinschaft interagieren mit dem Werk und es werden neue Verbindungen zwischen Betrachter und Werk, Werk und Ort hergestellt. Andere werden feststellen, dass das Kunstwerk unweigerlich auf Kritik und in manchen Fällen auf Vandalismus stößt.
Es gibt einige hart erarbeitete Lektionen, die etablierte Künstlerinnen und Künstler darüber gelernt haben, wie die öffentliche Meinung die Bedeutung und Dauerhaftigkeit von Kunst im öffentlichen Raum formen und verändern kann, und das sind alles Faktoren, die du bei der Konzeption und Umsetzung deines Projekts berücksichtigen solltest. Wenn dein Publikum gut überlegt und mit dem Werk verbunden ist, kann es zu einem Hüter der Kunst werden.
Aus den oben genannten Beispielen wird deutlich, dass Kunst im öffentlichen Raum für Künstlerinnen und Künstler in jeder Phase ihrer Karriere künstlerische und konzeptionelle Herausforderungen darstellen kann. Ich möchte dich ermutigen, dich mit den logistischen und ästhetischen Problemen auseinanderzusetzen, die mit der Schaffung von Kunstwerken einhergehen, denn so viele Probleme es gibt, so viele Möglichkeiten gibt es auch.
Du wirst Spaß haben (und gestresst sein), Ich verspreche es.
