Skander Khlif über Reisen, Geschichtenerzählen und die Kunst des Fotojournalismus
Skander Khlif ist ein in München lebender Fotokünstler, der die Beziehung zwischen Menschen, Orten und Erinnerungen erforscht. durch seine poetische Bildsprache. Seine Langzeitgeschichten über kulturelle Identität und Resilienz im Mittelmeerraum haben ihm internationale Anerkennung eingebracht, darunter Nominierungen für den Prix Pictet und den Leica Oskar Barnack Award. Seine Arbeit wird weltweit ausgestellt und wurde von den LensCulture Awards und dem ersten Lisbon Street Photography Festival ausgezeichnet. Er überbrückt die Kluft zwischen technischer Präzision und zutiefst menschlichen, gelebten Erfahrungen.
Fotojournalist und visueller Geschichtenerzähler Skander Khlif.
Eine Leidenschaft für Straßenfotografie, die sich zum visuellen Geschichtenerzählen entwickelt hat
Bitte stelle dich vor und erzähle uns, wie du zur Fotografie gefunden hast.
Mein Name ist Skander Khlif. Ich bin ein visueller Geschichtenerzähler und ich bin Tunesier. Ich bin in Tunis aufgewachsen und lebe seit 20 Jahren in Deutschland. Als ich 12 war, gab mir mein älterer Bruder seine Kamera und bat mich, die Familie zu fotografieren. Er bat mich nur darum, den Rahmen zu setzen und zu klicken. Danach verbrachte ich den Tag damit, alle Türen in der Medina zu fotografieren, und es war ein toller Tag. Ich fühlte eine sofortige Verbindung. Ich verstand die Macht der Fotografie, so einfach sie auch war.
Später, als ich noch Student war, kaufte ich eine kleine Kamera und begann wieder zu üben. Mit meinem allerersten Gehalt als Ingenieur kaufte ich mir dann ein Vollformat-Kameragehäuse; ich steckte mein gesamtes Gehalt in eine teure Kamera. Nachdem ich einen ganzen Tag mit Maschinen und PCs verbracht hatte, musste ich raus; ich brauchte die Straße und ich brauchte Menschen. Ich ging fast täglich an einen alten Hafen in der Stadt Mannheim. Ich ging durch die Kneipen und fing an, die Straße und die Leute in der Kneipe zu fotografieren. So konnte ich den Ort erkunden und Menschen treffen. Ich glaube, das war der Moment, in dem es zu einer sehr starken Leidenschaft wurde. Ich liebte meinen Job, aber ich liebte die Fotografie noch mehr.
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Straßenfotografie heute: Vertrauen, Einverständnis und das Zeigen deiner Arbeit
Die Straßenfotografie hat sich in den letzten Jahren stark verändert, denn die Menschen sind sich immer mehr bewusst, dass sie fotografiert werden und ihre Bilder im Internet geteilt werden. Wirkt sich das auf deine Arbeit aus?
Ich glaube, es gibt zwei Arten von Menschen: Menschen, die sich gerne fotografieren lassen und Menschen, die das nicht mögen. Das ist nichts Persönliches, das ist etwas ganz Natürliches. Du hast nichts zu verlieren, wenn du fragst, richtig?
Was sehr hilft, ist, den Leuten deine Bilder zu zeigen, deine Arbeit zu zeigen und über deine Arbeit zu sprechen. Wenn du ehrlich bist, sehen die Leute das und sind eher bereit, es zuzulassen. Manchmal, wenn du dir Zeit nimmst und die Leute dich kennenlernen, ändert das ihre Gefühle völlig.
Intuition und Methode: Atmosphäre, Forschung und das Entstehenlassen von Projekten
Wenn du Menschen fotografierst, wohin wird dein Blick gezogen? Welche Art von Szene oder Aktion reizt dich, sie zu fotografieren?
Ich würde sagen, das hängt wirklich von der jeweiligen Szene ab. Für mich beginnt alles mit einer Geschichte oder mit etwas, das ich dokumentieren, erzählen oder einfangen möchte. Das kann eine persönliche Geschichte sein, ein Gefühl auf der Straße oder etwas, das bei Veranstaltungen passiert. Es gibt immer eine Atmosphäre oder eine besondere Geschichte. Alles beginnt ganz spontan.
Eine Geschichte kann auch aufgebaut werden; sie kann mit einem Porträt, einem ganz besonderen Licht, einer einzigartigen Atmosphäre oder etwas, das uns an die Vergangenheit erinnert, beginnen. Und jetzt reden wir hier über eine Szene und den Moment.
Bei längeren Geschichten oder Geschichten, die sich über einen längeren Zeitraum erstrecken, hast du natürlich die Zeit, einen Schritt zurückzutreten und über die Gesamtgeschichte nachzudenken und zu sehen, was fehlt... aber der Prozess wird immer durch Spontaneität, Gedanken und etwas Recherche aufgebaut.
Kannst du mir erklären, wie du anfängst zu fotografieren, wenn du weißt, dass du etwas hast, oder wenn du merkst, dass eine Idee Gestalt annimmt, und wie du dann weiter daran arbeitest. Wie sieht das bei dir aus?
Früher habe ich mich mehr auf meine Intuition und Spontaneität verlassen. Mit der Zeit habe ich gelernt, beides zu mischen. Heutzutage recherchiere ich etwas, bevor ich einen Ort aufsuche. Ich nutze das Internet, rufe vielleicht an oder frage Leute, die schon dort waren oder die ich kenne. Ich verbringe ein paar Tage ohne Dreharbeiten, treffe einfach Leute und lerne den Ort kennen.
Nach den Dreharbeiten komme ich nach Hause und lege sie für ein paar Tage beiseite. Dann bearbeite ich es; ich habe einen völlig frischen Blick. Bei einem langfristigen Projekt ist es derselbe Prozess, mehrmals, und du hast zwischendurch Zeit, das Gesehene und Gedrehte zu überdenken.
Trotzdem glaube ich, dass Spontaneität sehr, sehr wichtig ist. Vor allem in dem Moment, in dem du drehst, wenn du die Menschen bei deiner authentischen Arbeit triffst. Du musst den Moment spüren, dich anpassen, neue Informationen aufnehmen und sehen, was passiert, die Emotionen, was zwischen den Menschen passiert. Du kannst dich natürlich nicht im Voraus vorbereiten, denn du wirst nicht alles wissen, worauf du dich vorbereiten musst.
Wo Staub und Wasser gemeinsam träumen: Rückkehr in die Heimat durch ein langfristiges Projekt
Im Moment arbeitest du an “Where Dust and Water Dream Together”. Ich würde gerne mehr über das Konzept hinter dem Projekt erfahren und wie alles begann.
Ich habe ein Serienprojekt gemacht, aber ich hatte nie die Möglichkeit, ein Langzeitprojekt zu machen. Nicht nur aus zeitlicher Sicht, sondern auch aus meiner Sicht. Ein langfristiges Projekt bedeutet, dass man sich einem Thema widmet, viel recherchiert, hinfährt und wieder zurückkommt. Ich wollte schon immer eines machen, hatte aber nie die Chance dazu.
Vor drei Jahren habe ich also dieses Projekt begonnen, das ich schon so lange machen wollte. Wenn man es gewohnt ist, kürzere Projekte zu machen, ist es eine kleine Herausforderung, aber es lohnt sich wirklich. Außerdem ist es ein Projekt, das ich in meinem Heimatland mache. Ich habe 20 Jahre lang im Ausland gelebt, also ist es eine Art spirituelle Rückkehr an den Ort und in die Zeit.
Am Anfang ging es bei diesem Projekt hauptsächlich um den Klimawandel und die menschliche Situation an einem Ort in Tunesien, der als Mikrokosmos betrachtet werden kann, weil es dort eine Wüste, Berge und das Meer gibt. Meine erste Frage war, was die Orte, an denen sich das Klima verändert, miteinander verbindet. Gibt es dort eine technische, menschliche oder spirituelle Verbindung und wie leben die Menschen mit diesen Veränderungen? Widersetzen sie sich, sind sie widerstandsfähig, leiden sie, werden sie vertrieben? Im Grunde ging es also um Fragen und Dokumentationen. Es ging auch um die technischen Aspekte. Was ist dort los? Wie stark steigt das Meer?
Aber mit der Zeit habe ich gemerkt, dass es interessanter ist, zu erzählen und zu fühlen. Zu sehen ist vor allem der menschliche Aspekt. Wie die Menschen diese Herausforderungen meistern, dank ihrer Verbundenheit mit dem Ort, mit der Arbeit, untereinander; dank ihrer Identität und den Dingen, die sie von ihren Eltern und der Dorfgemeinschaft geerbt haben. Und automatisch hatte ich das Gefühl, dass ich genau das zeigen und sagen muss.
Wie ist es, in verschiedenen Umgebungen zu drehen?
Ich glaube, es geht um eine Energie. Und ich glaube auch, dass die Energie an einem belebten Ort, an dem alle in Bewegung sind, auch die Art und Weise beeinflusst, wie du fotografierst. Oder die Art, wie du bist und dich fühlst. Wenn du aber an einen Ort wie Sloan Island gehst und dort eine Woche mit Fischern verbringst, beeinflusst das deine Herangehensweise, die Art, wie du dich bewegst, wie du redest und wie du fotografierst.
Auch wenn die Vision die gleiche ist, ist die Art und Weise, wie du drehst, und das Timing anders. Auch kulturell gesehen drehst du in Deutschland, Tunesien oder Japan nicht auf dieselbe Weise. Natürlich bist du die gleiche Person mit den gleichen Visionen und Interessen. Zumindest für mich ist eine Kamera ein Werkzeug, um in etwas einzutauchen, in einen Ort, eine Atmosphäre, eine Geschichte, ein Familienleben. Und in etwas einzutauchen bedeutet auch, dass du es spürst und es dich beeinflusst, ob du es willst oder nicht.
Von der fotografischen Vision und dem Konzept bis zur Bearbeitung für Stil und Präsentation
Wie hat sich dein fotografischer Stil oder deine Vision im Vergleich zu deinen Anfängen entwickelt?
Ich glaube nicht an Stil. Ich denke, Stil ist etwas, das andere in deiner Arbeit sehen, aber du selbst nicht. Das bringt uns zurück zu den Gedanken, wie du über deine Arbeit denkst.
Du kannst über deine Arbeit nachdenken und sie bis zu einem bestimmten Punkt konzipieren, und das ist eine gute und wichtige Übung. Aber beim Drehen geht es mehr um die Vision, wie du sie fühlst, wie du sie siehst. Und hier kommt die Erfahrung, das Erleben des Moments, dein ganzer Hintergrund, dein Leben, deine Interessen, deine Gefühle in dem Moment. Und egal, welches Genre du drehst, es ist dasselbe.
Der Stil selbst: Wenn du zurücktrittst und deine Arbeit präsentierst, kommen die Gedanken über den Stil: welche Farbabstufung, welcher Schnitt, welche Stimmung. Für mich ist der Stil eher eine Frage der Präsentation der Arbeit als des Drehs selbst.
Trotzdem hatte ich die Gelegenheit, mit einem professionellen Farbsortierer zusammenzuarbeiten, der ein Spezialist für dokumentarische Arbeit mit Ethik ist. Dazu gehört, dass man die Farbe nicht verändern darf, sondern nur auf eine bestimmte Art und Weise, und diese Spezialität wird auch im Fotojournalismus eingesetzt.
Es war eine erstaunliche Erfahrung. Ich habe wirklich die Macht der Farben entdeckt, die über meine üblichen Fähigkeiten und meine Arbeit hinausgeht, besonders bei einem größeren Projekt wie einem Buch oder einer längeren Serie. Es kann natürlich spontan sein, aber wenn man die Wissenschaft der Farbe bedenkt, ist sie wirklich ein erstaunliches Werkzeug, das dir helfen kann, das Gesamtergebnis zu gestalten.
Für mich ist das völlig unabhängig vom Drehprozess. Auch wenn man in bestimmten Momenten über Farben nachdenken kann, ist das nicht die ganze Zeit der Fall. Wenn du das Werk fertig hast, kannst du einen Schritt zurücktreten und mehr über den Stil, die Farben und so weiter nachdenken.
Der Akt des Fotografierens als integraler Bestandteil des täglichen Lebens
Wie verändert sich dein Verhältnis zur Kamera, wenn du von einem anspruchsvollen Werbedreh zu deinem Leben außerhalb der Arbeit wechselst?
In meinem Fall ist die Fotografie, der Akt des Fotografierens, ein Teil meines Lebens... Ich fange an, sie zu vermissen, wenn ich sie drei Tage lang nicht mache; sie ist wirklich ein Teil von mir. Um also nicht frustriert zu sein, wenn ich zum Beispiel während eines Langzeitprojekts nicht fotografiere, mache ich es mit meiner Familie zu Hause. Ich fotografiere also meinen Sohn, meine Frau und gehe auf die Straße. Das ist zwar nicht derselbe Akt, aber trotzdem - und es hilft dir sogar dabei, kreativ zu sein. Wenn ich bei meinem Sohn zu Hause etwas Besonderes sehe, hilft mir das vielleicht bei meinem nächsten Porträt-Shooting.
Ich mag es, so leicht wie möglich zu sein. Deshalb fotografiere ich meistens mit einer Fuji X100, die man in die Tasche stecken kann. Für die kommerzielle Arbeit habe ich eine Vollformatkamera, genauer gesagt eine Nikon Z6, weil ich einen Output sicherstellen muss.
Wenn mich Leute nach einer Kamera fragen, sage ich: “Geh einfach in einen Laden und nimm sie in die Hand. Die beste Kamera ist die, bei der du das Gefühl hast, dass sie eine Verlängerung deiner Hand ist.”
Warum ein Portfolio wichtig ist: Online zum Profi werden
Was bedeutet es für dich, ein digitales Portfolio und eine Online-Präsenz für deine fotografische Arbeit zu haben? Was bedeutet das für dich und wie pflegst du deine Online-Präsenz?
Ich erinnere mich, dass ich vor 10 Jahren meine erste Website erstellt habe und das war ein Wendepunkt. Es war ein symbolischer Wendepunkt, weil du dich wirklich als Profi betrachtest. Du fängst an, dich als Profi zu sehen. professioneller Fotograf; und es ist geschrieben, also ist es da, es ist wirklich da und du musst es akzeptieren und entscheiden, was du zeigen willst.
Ich ermutige alle, die noch keins haben, heute damit anzufangen. Es kann mit der Zeit verbessert werden, aber es bereits zu haben, ist sehr wichtig. Ein Perfektionist zu sein ist gut, aber manchmal auch nicht, weil es dazu führt, dass man wartet, bis alles perfekt ist, was es gar nicht gibt. Selbst die perfekteste Website hält der Besitzer wahrscheinlich immer noch für nicht perfekt.
Natürlich entwickeln wir uns als Fotografen und Künstler weiter, und deine Website entwickelt sich mit dir; du änderst Dinge darin. Sie hilft dir, die Verantwortung für das, was du tust und zeigst, zu übernehmen, besonders in meinem Fall, da ich verschiedene Dinge mache. Mein Portfolio hilft mir, zwischen Kunst, Dokumentarfilm und sogar authentischer, ehrlicher Werbung zu navigieren. Ich kann den richtigen Weg finden, um die Gemeinsamkeiten zwischen ihnen auszudrücken, in meinem Fall das authentische Geschichtenerzählen.
Baue dein Portfolio jetzt auf; warte nicht auf Perfektion
Skanders Rat ist einfach: Stelle deine Arbeit noch heute online und lass sie sich entfalten. Format bietet dir eine einfache Möglichkeit, ein professionelles Portfolio zu veröffentlichen, Projekte im Laufe der Zeit zu aktualisieren und deine Arbeit selbstbewusst zu präsentieren.
- Beginne mit dem, was du hast-Verfeinern, während du wächst
- Erstelle ein sauberes, modernes Portfolio, das zu deiner Vision passt
- Aktualisiere die Galerien, die Reihenfolge und die Präsentation, wenn sich die Projekte weiterentwickeln
Schneiden als Geschichtenerzählen: Rücksichtslos schneiden, zurücktreten, wiederholen
Wie viele Fotografen verwendest du nicht alle Bilder, die du aufnimmst, sondern kuratierst und bearbeitest sie. Beschreibe deinen Bearbeitungsprozess.
Das Schneiden ist, wie das Drehen oder das Schreiben einer Geschichte, auch ein Prozess und beinhaltet auch eine Art Intuition und Gefühle. Trotzdem gibt es natürlich Regeln.
Normalerweise habe ich eine Geschichte im Kopf, und heutzutage versuche ich, etwas zu schreiben, bevor ich mit der Bearbeitung beginne, auch etwas Kurzes. Dann gehe ich die Bilder durch, behalte die, die mir gefallen, und grenze die Auswahl ein.
Ich schneide Bilder heraus, die nicht die Geschichte erzählen, die die Menschen nicht so zeigen, wie sie gesehen werden wollen. Dann mache ich erste Bearbeitungen, lasse die Arbeit eine Weile ruhen und komme zurück, um sie zu optimieren. Je nach Geschichte zeige ich sie gerne jemand anderem, sogar einem Fotografenkollegen oder manchmal meiner Frau.
Und in diesem Sinne muss ich auch sagen, dass langfristige Projekte meine Art der Bearbeitung völlig verändert haben. Früher war ich auch hier viel spontaner. Durch das Langzeitprojekt habe ich wirklich gelernt, brutaler zu sein, Bilder herauszuschneiden und meine Arbeit kritischer zu betrachten.
Ich rate wirklich jedem Fotografen, ein langfristiges Projekt zu starten, in dem Sinne, dass du wirklich über Wochen, Monate oder Jahre hinweg immer wieder auf deine Bearbeitung zurückkommst, und das hilft sehr.
Vielen Fotografen fällt es schwer, von der Arbeit hinter der Linse zur Präsentation ihrer Arbeit überzugehen. Du hast erwähnt, dass du dein Langzeitprojekt in ein Buch verwandelt hast. Wie hast du diese Erfahrung gemacht?
Deshalb hat mich der Prozess nach der Bilderstellung schon immer gereizt, und das Buch ist die Vollendung dessen. Ich arbeite mit einem Buchverleger zusammen. Es war für mich auch sehr wichtig, dass es ein tunesischer Lektor ist, weil es in gewisser Weise eine Kulturgeschichte ist; wir bauen sie gemeinsam auf und entwickeln uns weiter. Und ich denke, es ist auch sehr wichtig, weil das Buchmachen eine ganz andere Kunst ist, es ist kein Portfolio. Es ist wirklich ein anderes Objekt.
Du bringst deine Geschichte mit, du bringst deine Arbeit mit, und jemand anderes zaubert daraus ein Buch. Es ist wichtig, dass man sich gegenseitig vertraut und an die Magie der anderen Person glaubt, um das Beste daraus zu machen. Es ist auch sehr interessant, weil es lange dauert, ein Buch zu erstellen, mehr als ein oder zwei Jahre. Und Zeit ist immer sehr, sehr wichtig.
Wenn du bereit bist, deine Arbeit wie eine Geschichte zu ordnen - und nicht nur wie einen Ordner - macht es dir Format leicht, Projekte zu erstellen, Bilder neu zu ordnen und dein Portfolio zu verfeinern. Kostenlose Testversion starten und behandle deine Website wie den ersten Entwurf deines Fotobuchs.
Skander Khlifs Ratschläge für angehende Fotografen
- Beginne mit einer Frage: Beginne kleine oder große Projekte, indem du Fragen zu etwas stellst, das du gerne dokumentieren möchtest; es kann sich um eine persönliche Geschichte, ein Gefühl auf der Straße oder ein Ereignis handeln.
- Veränderung ist ein Teil der Reise: Du weißt vielleicht noch nicht, welche Geschichte du erzählen willst, wenn du anfängst; beginne mit einer Frage und erkunde das Thema ohne ein vorher festgelegtes Ergebnis.
- Recherchiere und nimm dir extra Zeit: Recherchiere, bevor du einen Ort besuchst, sei neugierig und verbringe ein paar Tage damit, die Menschen und den Ort kennenzulernen, bevor du mit dem Fotografieren beginnst.
- Tritt zurück und sei kritisch: Mache kurze Pausen zwischen Aufnahme und Bearbeitung und sei bereit, Bilder zu schneiden, wenn sie die Geschichte nicht erzählen, um ein besseres Ergebnis zu erzielen.
- Starte ein langfristiges Projekt: Wenn du im Laufe der Zeit immer wieder auf deine Arbeit zurückkommst, wirst du zu einem besseren Redakteur.
- Halte deine Einrichtung einfach: Die beste Kamera ist die, die sich wie eine Verlängerung deiner Hand anfühlt.
- Stelle deine Arbeit jetzt online (warte nicht auf die Perfektion): Ein Perfektionist zu sein, kann gut sein, aber es kann dich auch davon abhalten, etwas zu teilen. Du wirst nie denken, dass es perfekt ist; erstelle die Website und erlaube ihr, sich zu entwickeln.
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Der #1 Online-Portfolio-Builder wird von Künstlern und Machern bewertet.
Mitwirkende
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Julia Martin ist eine interdisziplinäre Künstlerin und Autorin aus Montreal. Mit einem Master in Bildender Kunst und einem Bachelor in Fotografie hat sie ihre Werke schon in Kanada, China, Frankreich und Finnland gezeigt und war bei mehreren Künstlerresidenzen dabei. Sie hat an der Universität von Ottawa unterrichtet, war in Kunstjurys und hat fünfzehn Jahre Erfahrung als freiberufliche Fotografin. Julias eigene Kunst lässt sich am besten als "traurige Geschichten, unterbrochen von Witzen" beschreiben."
Manchmal ist es aber auch andersrum.
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