Vivir con autenticidad a través del arte: el viaje creativo de Ava Margueritte
Ava Margueritte Es un fotógrafo y artista multidisciplinar cuya obra explora las intersecciones entre identidad, discapacidad y renovación. Formado académicamente tanto en OCAD U y SPAO, equilibra la precisión técnica y la profundidad conceptual. Format se reunió con Margueritte para hablar sobre cómo consiguió tu primera beca importante, la celebración de dos exposiciones individuales consecutivas y el desarrollo de tu serie. Aterrizaje.
Fotógrafa y artista multidisciplinar Ava Margueritte.
Un salto hacia la autenticidad
Fotógrafo y artista multidisciplinar Ava Margueritte ha cambiado de rumbo, redefiniendo tu carrera y transformando tu práctica y tu vida.
Tras dejar tu trabajo a tiempo completo para dedicarte por completo a la fotografía, en un año y medio has desarrollado un ritmo en tu práctica, lleno de intención y cuidado. Traduciendo la experiencia vivida a un lenguaje visual, tu trabajo es tranquilo y contemplativo, ya que explora las intersecciones entre la identidad, la discapacidad y la renovación. Al darte la libertad de crear, Margueritte también te has dado permiso para vivir de forma auténtica, como artista y como tú misma.
Formado académicamente en la Universidad de Arte y Diseño de Ontario y más tarde en SPAO: Escuela de Artes Fotográficas de Ottawa, la artista Margueritte, afincada en Ottawa, demuestra en su obra un equilibrio entre la destreza técnica y la investigación conceptual. Como miembro veterano de Format, nos ha hablado de cómo está aprendiendo a vivir una vida creativa según sus propios términos.
Traducir la experiencia: narrativa personal en fotografía
Tu trabajo es profundamente personal, una mezcla de autorreflexión y observación. ¿Qué te lleva a dirigir esa mirada hacia tu interior?
Creo que siempre he sentido curiosidad por saber cómo lo interno se hace visible, cómo algo que se siente puede plasmarse en una fotografía. Mi trabajo surgió de esa necesidad de traducir cosas para las que no tenía palabras: recuerdos, inquietudes, pequeños momentos de claridad. La cámara se convirtió en una forma de comunicar lo que mi mente no siempre podía expresar directamente.
Con el tiempo, ese proceso de introspección empezó a parecerme una especie de regreso a casa. Cada proyecto me enseña algo sobre cómo vivir a tu propio ritmo, a aceptar aquellas partes de ti que antes te parecían demasiado tranquilas o excesivas.
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Neurodiversidad y creatividad
¿Cómo crees que tu neurodiversidad influye en tu forma de pensar y trabajar como creativo?
Tengo algunas dificultades de aprendizaje —dislexia, TDAH, CAP-D (trastorno del procesamiento auditivo central)— y muchas de ellas son más fluidas que un trabajo de 9 a 5. Me costaba mucho estar confinado a estructuras que no encajaban con mi ser interior.
Soy más bien una persona que trabaja por rachas: trabajo muy duro durante unas semanas y luego trabajo un poco menos durante, digamos, las otras dos. Intentar mantener un ritmo que no se ajustaba al mío propio era muy agotador. Poder trabajar con más libertad me ha permitido sentirme más creativa y cuidarme de una forma que antes no siempre me sentía capaz de hacer.
Por lo que he observado, creo que muchas personas que están dentro del espectro y que luchan por encajar en ese mundo sienten mucha vergüenza interna... Hay cosas en las que soy muy bueno, pero eso conlleva mucha vergüenza y empieza desde muy joven, desde tener un IEP (Programa de Educación Individualizado), o no tener acceso a recursos.
Gran parte de mis últimos años veinte los pasé buscando la manera de aceptar esta parte de mí misma que me resulta incómoda y que aún no se reconoce realmente. Todavía existe un estigma en torno a ella. Pero yo seguía trabajando en ello de todos modos. No puedes ocultarlo en un entorno corporativo, y yo intentaba desaprender ese sentimiento de vergüenza.
Riesgos, recompensas y dejar atrás el mundo corporativo
¿Qué te llevó a dar el salto y dedicarte a la fotografía a tiempo completo?
Pasar a dedicarme a tiempo completo al arte y dedicarme por completo a mi práctica no fue una decisión fácil, pero me pareció muy necesaria. Había muchos temas recurrentes en mi vida. Descubrí que muchas de las habilidades que utilizaba en mi trabajo también las utilizaba en mi propia práctica, por lo que pude trasladar muchas de ellas. Pero también aprendí muchísimo en cada función y cada trabajo que desempeñé.
Había estado construyendo poco a poco tu propia práctica durante unos diez años, pero me di cuenta de que ya no tenía la misma energía y dedicación para volcar en tu trabajo. Así que tomé la difícil decisión de dejar tu trabajo y dedicarme por completo, con todo tu esfuerzo, a lo que estaba haciendo.
Llevo casi siete años forjando relaciones en Ottawa, por lo que me resultó un poco más fácil hacer esa transición, ya que gran parte de lo que hacía ya lo estaba haciendo de todos modos junto con mi trabajo. Se trataba más bien de aplicar lo que ya estaba haciendo a mi práctica a tiempo completo.
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Encontrar un terreno estable y superar las dudas personales como fotógrafo profesional
¿Qué te ayudó a mantener los pies en la tierra mientras ganabas impulso en tu práctica?
Pasar de tener un trabajo a dedicarme a esto a tiempo completo por mi cuenta daba miedo, pero creo que lo más difícil fue, en realidad, tomarme un descanso. Llevaba tanto tiempo trabajando de tal manera que me resultaba difícil bajar el ritmo y escucharme a mí misma, saber cuándo necesitaba un descanso y no seguir adelante. Tenía una sensación constante de fracaso: no estoy haciendo lo suficiente, debería hacer más.
Mi madre es empresaria, mi pareja trabaja en ese mundo y yo empecé a replantearme mi forma de pensar para verlo como un negocio. Date dos años antes de considerarlo un fracaso. Estás poniendo todos tus huevos en esta cesta durante dos años. Ahora mismo llevo poco menos de un año y medio y este es mi primer mes en el que tengo cinco sesiones fotográficas programadas. Acabo de conseguir mi primera beca importante. Voy a tener dos exposiciones individuales consecutivas. Hice mi primera residencia artística. Las cosas empezaron a despegar un año después de comprometerme con mi práctica, que es realmente un año en el que le dediqué toda mi atención.
Me llevó mucho tiempo y tuve que presentar 30 solicitudes. Quería que todo sucediera de inmediato porque llevaba mucho tiempo trabajando, pero hay mucho detrás de todo esto. Replanteármelo, como por ejemplo, si tú montas un negocio, esperas pasar dos años sin cobrar un sueldo, me ayudó mucho. Si sientes las bases, cuando llega el momento, estás preparado. En mi caso, está sucediendo y me parece surrealista.
Explorando la identidad y la impermanencia a través de la lente
¿Cómo influyen tus experiencias personales en los temas que exploras en tu fotografía?
Los temas que estoy explorando actualmente en mi práctica son mi propia comodidad e incomodidad con lo que me resulta familiar y lo que me resulta extraño. A menudo me fijo en el tiempo, la impermanencia y la identidad, y los combino entre sí. Acabo de terminar, o más bien estoy ampliando, un proyecto llamado Aterrizaje que analiza los binarios dentro de la sociedad.
Desde mi propia experiencia como persona neurodiversa y con problemas de salud mental, he contenido y analizado esos aspectos y los he aplicado a este conjunto de obras. Observo la fluidez de la naturaleza en contraste con la rigidez de la sociedad para expresar mi propia navegación por la experiencia humana como individuo neurodiverso. Es como si estuviera observando este mundo que realmente no entiendo y en el que no siento que encajo del todo.
Me identifico con la naturaleza y siento que me enfrento a algo que me resulta difícil. Por eso utilizo a las personas y el entorno natural para representar estos temas. Las imágenes son estructuradas, fluidas y hermosas, con un toque inquietante y melancólico. Recientemente, alguien describió mi trabajo como algo que transmite una sensación de “catástrofe inminente”, y al menos eso es algo. Me gusta la idea de que estás al borde de algo, de que alguien pueda mirar mi trabajo y decir: “Sí, es hermoso, pero ¿estás bien?”. Es una forma de reconocimiento y conexión silenciosa, y una sensación de ser visto.
Creando vínculos a través de la cámara
¿Qué papel desempeñaron tus relaciones en la creación de tu serie Landfall? ¿Cómo te sentiste al dirigir la cámara hacia personas que conoces tan íntimamente?
Cuando trabajaba de 9 a 5, lo pasaba muy mal. Muchas de mis relaciones se habían ido al traste. Aterrizaje se trataba realmente de volver a conectar con mi comunidad. Dediqué mucho tiempo a reconstruir relaciones y conectar con la gente.
Fotografiar a alguien es algo muy especial y bastante íntimo. Se crea una relación entre el sujeto y yo: ocupamos juntos un espacio en el que simplemente existimos en algo que, en cierto modo, importa, pero en cierto modo tampoco. Es un momento de intimidad en el que puedo contemplar al sujeto; siento que el sujeto es visto de una forma en la que a menudo no se le ve. Llego a comprenderte.
Hay un momento, cuando miro por el visor, en el que lo sientes y sabes que has conseguido la foto perfecta. Este proyecto consistía realmente en conectar con personas con las que no había tenido energía para relacionarme. Estaba tan absorto en las necesidades diarias de mi trabajo que no me quedaba nada que dedicar a otras relaciones, y esta fue una forma preciosa de volver a conectar... Era como una disculpa: “Siento no haber estado aquí durante años”. Es volver a intentarlo, documentar, estar presente y en silencio, y llegar a conocer a alguien en un par de horas.
Lecciones para crear arte según tus propios términos
¿Qué lecciones has aprendido a lo largo de este proceso de crear una práctica que se adapte a tus necesidades?
Siempre supe que estaba aquí, era como una corazonada. Y creo que se trata de escuchar esa corazonada, especialmente cuando no encajas. Durante mucho tiempo deseé tener una vida normal, un trabajo de 9 a 5, estabilidad. Quería encajar y ser como todos los demás. Pero siempre había una vocecita que me decía: “Vamos, lo tuyo es la fotografía”.”
Es difícil, supone mucho trabajo y nunca termina realmente. Pero he aprendido que está bien tomarse descansos. Mi madre me dio este consejo cuando empecé a dedicarme a esto a tiempo completo: me dijo: “Cada vez que sales a hacer fotos, eso cuenta como trabajo”. Porque durante mucho tiempo lo había estado haciendo fuera de mi trabajo y no lo consideraba trabajo, aunque era lo que más me gustaba.
Hacer lo que te gusta sigue siendo trabajo. Solo que parece diferente. No encaja perfectamente en un horario. Y eso está bien.
Creciendo con Format: una década de evolución creativa
Has formado parte de la comunidad Format durante más de una década, creciendo creativamente a lo largo de ese tiempo. ¿Cómo ves tu práctica hoy en día en comparación con cuando empezaste?
Cuando lo pienso, es increíble darme cuenta de cuánto tiempo llevo construyendo con Format—más de diez años. Mi portafolio El sitio web ha crecido conmigo en cada etapa de mi carrera. Cuando empecé, compaginaba trabajos a tiempo parcial con el desarrollo de mi arte. Aún no sabía cómo sería dedicarme a ello por completo. Pero cada proyecto, cada actualización de mi sitio web, se convirtió en un registro de mi crecimiento, no solo artístico, sino también personal.
Mirando atrás, veo esa constancia como una especie de columna vertebral silenciosa. Me recuerda que convertirme en artista no fue una gran decisión, sino cientos de pequeñas elecciones a lo largo del tiempo, todas ellas conduciendo hasta aquí.
Mira la entrevista en vídeo a Ava a continuación:
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