Cada año, Frieze celebra una feria internacional de arte en el parque de Randall's Island. Aunque la atención se centra en las galerías y artistas más importantes, todavía hay sitio para descubrir nuevos talentos en la sección Frame de la feria, dedicada a los artistas emergentes.
La gran variedad de edades, niveles profesionales y procedencias en Frieze constituye una experiencia fascinante. Me impresionó especialmente la variedad multigeneracional de las obras expuestas, que resaltaba los matices de cada una de ellas. Cuando las obras se solapan en el tiempo y el estilo, se resaltan y acentúan distintos atributos.
Los stands de Frieze que resultaron más memorables son una combinación de artistas jóvenes y nombres consagrados, una mezcla de escultura, pintura, fotografía y mucho más. Como uno de los acontecimientos artísticos más importantes de Nueva York, siempre hay mucho talento expuesto en Frieze, pero estos son los stands que siguieron invitando a la reflexión incluso después de terminada la feria.
Mira Schor, MA (yo) MA , 1991. 48 x 100 pulgadas. Óleo sobre 12 lienzos. Cortesía de Lyles y King.
Mira Schor en Lyles y King
Las obras expuestas en el stand de Lyles y King en Frieze parecían contemporáneas, pero en realidad se hicieron en los años 90 y no se habían expuesto antes. ¿Por qué? No tengo ni idea, porque son increíbles. Mira Schor's Las obras son atrevidas pero suaves, políticamente comprometidas pero poéticas, y pictóricamente ejecutadas pero con la sensibilidad de los dibujos. La obra de Schor me hizo pensar en la reciente Espectáculo de Judith Bernstein que ocurrió en la Galería Paul Kasmin. La sala estaba llena de imágenes de penes, pintura Day-Glo y luces negras que iluminaban representaciones de Trump y Mau. Pensé que quizá era una mojigata porque no me encantaban esas obras. Pero Schor demostró que estaba equivocada; aprecio las representaciones más complejas. En la obra de Schor hay belleza y violencia, y sí, hay falos, pero también mucho más.
En las obras Friso de Schor, vemos formas de útero superpuestas a formas de esperma, palabras cursivas onomatopéyicas garabateadas y el motivo repetido de cabezas fálicas encerradas en geometrías diagramáticas compositivas. Aprecio el contraste del espacio controlado y gráfico frente a las interrupciones más sueltas y poéticas de la forma y el lenguaje.
Schor crea espacio para la reflexión en su obra, más que para la argumentación combativa. Sin duda, se presenta una postura, pero es evocadora, no dogmática. Los cuadros producen un espacio estético y simbólico en el que meditar. Me encanta el tipo de belleza hiriente de estas imágenes pastel, terrosas y pintadas. La variedad de estrategias y las interpretaciones abiertas aquí permiten que la obra abra un diálogo honesto en torno al sexo y al género.
Sonia Almeida. Cortesía de la artista.
Jesse Wine y Sonia Almeida en Galería Simone Subal
Era un puesto delicioso. Ambos Jesse Vino y Sonia Almeida utilizan una especie de taquigrafía encantadora en sus creaciones, haciendo referencia a la historia de sus medios de comunicación al tiempo que dejan espacio para el humor.
Jesse Wine es un joven escultor británico cuya obra explora las formas corporales en formas monocromáticas o de colores brillantes, recubiertas de plastilina, que quizá recuerden a Henry Moore, o a escultores surrealistas como Jean Arp, que contorsionaban y doblaban el cuerpo en arcilla y madera. Estos artistas exploraron la violencia de los cuerpos en el contexto de las nuevas guerras y el pensamiento existencialista. Wine parece reaccionar más a la cultura popular y a los medios de comunicación cambiantes, contorsionando el cuerpo de forma caricaturesca y plasmando una relación con la forma que es indicativa de nuestra época.
La artista Sonia Almeida, nacida en Portugal y residente en Boston, pinta cuadros de forma similar. Sus obras son de color caramelo, hacen referencia a fondos simplistas de dibujos animados y a un formalismo abstracto despojado. Pintadas con poco grosor, tanto en cantidad de capas de pintura como en el cuerpo de la propia pintura (está aguada y suelta en algunas partes), las obras de Almeida también revelan sofisticados y bien planificados trucos compositivos. En un cuadro, las capas de aguadas idean una compleja geometría de sombras. En otro caso, su pintura es capaz de separar literalmente dos paneles de madera, revelando una cuerda finamente pintada que se desenreda a medida que un lienzo se convierte lentamente en dos. El cuadro se encadena visualmente, en una ejecución elegante pero irónica.
Merrill Wagner, Sin título A y B, 1978. Cortesía del artista y Zürcher Gallery, Nueva York.
Merrill Wagner en Galería Zürcher
El stand de la Galería Zürcher en Frieze era casi una representación de su exposición con la obra de Merrill Wagner del año pasado. Wagner, nacida en 1935, está recibiendo por fin reconocimiento como pintora materialista postminimalista.
La mayoría de sus obras expuestas en Frieze utilizaban un proceso único, con cinta de tela y plexiglás, que Wagner desarrolló en la década de 1970. Lo que hace inusuales sus pinturas minimalistas monocromáticas es su interés por la degradación y la vida útil de los pigmentos. Inspirándose en la larga historia de los pigmentos como alquimia, Wagner recurre a las representaciones de la pintura como material terroso, manipulado y extendido sobre las superficies al servicio de la expresión humana. Algunas pinturas de cinta de color carmesí alizarina recién expuestas destacaban especialmente por sus ricos matices. La variedad de saturación y deslizamiento sobre la superficie daba vida a la obra. Como un Rothko, brillaba cuando caminabas delante de ella, con la monocromía discreta brillando y retrocediendo.
También fue un placer ver algunos de los documentos fotográficos de intervención paisajística de Wagner expuestos en una cuadrícula. Wagner, que pasa tiempo en el campo, creó un conjunto de obras en las que realizaba pinturas al aire libre, en vallas del paisaje circundante. Durante su vida útil, fotografió su descomposición in situ, observando cómo la luz del sol y el tiempo meteorológico introducían cambios en la obra. Wagner acelera la naturaleza entrópica de la pintura y habla de ella dentro del paisaje al mismo tiempo. Hay una hermoso libro de trabajo sobre estas piezas que muestra un ranger más completo de estas pinturas performativas.
Martin Wong, Un Hombre Lleva Dentro De Su Cabeza A Un Gemelo No Nacido 21 Años, 1982. 36 x 48 pulgadas. Acrílico sobre lienzo. Cortesía de la Galería P.P.O.W.
Martin Wong y Peter Hujar en la trastienda de Galería P.P.O.W.
Estos dos artistas estaban expuestos en la sala trasera de P.P.O.W., una galería con una gran programación. Me gustó la obra destacada en el espacio principal, pero me encantó ver algunas joyas en el espacio del armario de artistas que admiro y que no esperaba ver. Esto es lo que pasa con las ferias de arte: siempre está el acontecimiento principal -el stand previsto-, pero la belleza de las ferias pueden ser sus sorpresas ocultas. Las conversaciones entre la gente que deambula por los pasillos. Los manipuladores de arte el día anterior desenvolviendo las piezas como si fueran regalos. La trastienda puede ser un espacio mágico. Puede contener obras recién descubiertas en el estudio o la finca de un artista.
En el stand de P.P.O.W., encontré dos obras representativas de los patrimonios de Martin Wong y Peter Hujarque trabajaron predominantemente en la década de 1980 y realizaron obras que abordaban la epidemia de sida, las relaciones figurativas y la identidad. Hujar es más conocido por sus retratos introspectivos en blanco y negro, mientras que Wong, pintor chino-americano, pinta con motivos muy personales y repetitivos. Sus obras son algunas de mis favoritas que he tenido el placer de conocer desde que me mudé a Nueva York, y me encantó tener la oportunidad de explorar su trabajo una vez más.
Hans Breder, Ikarus, 1974. Fotograma de Ikarus. Cortesía de la Galería Ethan Cohen.
Hans Breder en Galería Ethan Cohen
Aunque los muebles de la cabina de Ethan Cohen me parecieron una gran distracción, pude apartarlos de mi mente. Esto me permitió centrarme en la elegante obra performativa del artista de origen alemán Hans Breder, que revelaba una provocadora sala de objetos sencillos y proposiciones corporales en el espacio fílmico y fotográfico. Breder, que falleció el año pasado a los 81 años, merece esta atención sobre su obra. Utilizando a menudo el cuerpo como tema, la práctica de Breder se balancea entre las nociones de sublimidad y simplicidad doméstica. Es interesante ver estos dos lados de la balanza del artista equilibrados en sus estrategias despojadas y de baja fidelidad de creación de imágenes y películas.
Summer Wheatley, Picnic con Ketchup y Mostaza, 2018. 74 x 144 pulgadas. Acrílico sobre malla de aluminio. Cortesía de la Galería Andrew Edlin.
Trigo de verano en Galería Andrew Edlin
He sido fan de Trigo de verano pinturas cáusticas y obsesivas Vi su obra por primera vez en la Residencia Artística Triangle en 2010. Frieze ha sido la primera vez que he visto estas nuevas pinturas en pantalla de aluminio. Desde la distancia, parecen exuberantes y esculturales alfombras de pintura brillante. Wheat ha desarrollado esta nueva técnica: trabaja la pintura acrílica en la parte trasera de la pantalla y luego la empuja hacia la parte delantera, simulando formas de hilo de pintura. Anteriormente pintora al óleo, tiene sentido que Wheat utilice ahora acrílico de secado rápido para esta nueva aplicación. El proceso debe ser a la vez laborioso y liberador. Es exacto e impreciso a la vez.
Estas obras están llenas del simbolismo y la narración típicos de la historia del tapiz narrativo. La temática recuerda a algunas imágenes que vi en 2015 en una visita al estudio. Aquí vemos picnics, cuerpos, objetos, cerámica, motivos, cielos nocturnos y el paisaje. Las obras me recuerdan a pergaminos o panoramas serpenteantes. Su gran extensión, su calidad inmersiva y su paleta mínima te imploran que dediques tiempo a descifrar su técnica, sus imágenes ocultas y su exagerado sentido del espacio. Hace tiempo que admiro la obra de Wheat, y estas nuevas pinturas parecen sintetizar sus intereses entre la artesanía, la pintura, el tema y la técnica.
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