La Feria de Arte Independiente captó la atención del mundo del arte neoyorquino esta primavera. Aunque mucha gente se refiere a las ferias de arte neoyorquinas de marzo como la "Armory Week", en referencia al histórico Armory Show que tiene lugar en los muelles de Manhattan, este año, la bien comisariada Independent Art Fair eclipsó a la feria más conocida. La feria recibió mucha más atención este año en parte porque otras dos ferias, NADA y Volta, fueron canceladas.
La feria triunfó por el buen surtido de obras presentadas por galerías bien seleccionadas. Fue como si Independent hubiera repartido un memorándum diciendo: "Por favor, nada de selfie art y tratad este espacio como un museo". Con la única excepción de la pintura de retratos en vivo de la última planta, que parecía un número de circo, la mayoría de las obras de arte se mostraban de forma significativa. Las galerías dieron prioridad a la mejor manera de mostrar el trabajo de sus artistas en lugar de centrarse sólo en las ventas rápidas y sucias.
A continuación encontrarás seis carteras de artistas cuya obra brillaba más en las blancas paredes de la Feria de Arte Independiente.
Dona Nelson en la Galería Thomas Erben
Dona Nelson es una fuerza. Realiza pinturas multimedia independientes de doble cara. Sus obras ocupan un espacio que parece un gesto político. Muestran sin pudor una poderosa libertad estética y asumen la historia tanto de la pintura abstracta como de la artesanía. Su frenética creación de marcas y su improvisación escultórica se realizan sin preocuparse de lo que es correcto o de quién está mirando. Su obra es el equivalente para los pintores a bailar solo y cantar en la ducha, y hacerlo todo en público.
Nelson es una pintora veterana que debería recibir mucha más atención de la que recibe. Al igual que Judith Linhares y Mira Schor, Nelson forma parte de una oleada de mujeres pintoras que por fin empiezan a recibir su merecido. Me alegró ver la obra de dos Nelson en primer plano en la Galería Thomas Erben booth, una galería que tiene el don de mostrar grandes cuadros. Y si aún tienes ganas de alguna obra sabrosa como tentempié extra, echa un vistazo a su exposición en Chelsea con la obra de Jackie Gendel.
Sarah Gamble en Fleisher/Ollman
Sarah Gamble es una pintora idiosincrásica afincada en Filadelfia. Su obra es obsesiva, elegante y rica en capas. Cada pieza que realiza se convierte en un tapiz pintado de puntos, marcas y capas de pintura. La obra expuesta parece como si Gamble estuviera jugando una partida de ajedrez celestial en la que todas las piezas del juego son las estrellas. Se convierte tanto en una atmósfera como en un mensaje. Tiene la sensación de algo antiguo y de algo que se genera de nuevo. Se siente particular e imbuido del deseo humano de registrar y reflejar el mundo que nos rodea. Hay una poderosa cualidad incognoscible en sus pinturas. En lugar de ser dogmáticas, son abiertas, permiten al espectador explorar y perderse en sus minúsculos detalles. Parecen describir tanto una energía como un mapa. Esta pintura se siente a la vez como una guía y como el viento. Espero ver pronto una exposición individual de la obra de Gamble en Nueva York para dejarme llevar por ella.
Goutam Ghosh en Standard (Oslo)
De niña me encantaban las Escaleras de Jacob. Mi abuelo fabricaba a mano estos artilugios de juguete con restos de madera. Solíamos jugar con ellas en su taller mientras él construía muebles. En este sencillo artilugio, pensaba en el mundo que se regenera, en la repetición, en trepar por el espacio y volver a caer. Goutam Ghoshme recordaron a estos juguetes. Las obras enmarcadas en miniatura captan cómo los juguetes pueden ser sencillos, misteriosos y diagramáticos. También pensé en los diagramas renacentistas, los manuscritos, los libros de texto, los sistemas pictóricos, los patrones de vuelo, los anagramas y las matemáticas abstractas.
Los puntos de referencia de estas obras gestuales son amplios y ricos. Ghosh, que expone con Standard Oslo, vive en Prantik, adonde se trasladó tras completar su formación artística en Escandinavia. Su obra sigue un camino distinto e individual, lo que hace que sus pequeñas y modestas piezas destaquen en la feria.
Imagen: Goutam Ghosh, Gimnasio, 2016 Cortesía del artista, la Renaissance Society, Chicago y STANDARD (OSLO), Oslo Fotógrafo: Tom Van Eynde
Alex Kwartler en Magenta Plains
Los cuadros de Alex Kwarlter en Llanuras Magenta encarnan su actitud personal de laissez-faire. La gran obra vertical expuesta era sencilla en su construcción, pero múltiple en su efecto. En esta obra, Kwartler extiende ondulantes degradados de pastel por la superficie. Sobre este campo hay círculos enmascarados que revelan el lienzo en bruto que hay debajo. Sobre el swoosh pintado se aplican formas de sombra circulares pintadas del mismo tamaño que el lienzo recortado. Esto crea una experiencia visual que confirma el material de la pintura y confunde la óptica del espacio descrito. En tres movimientos calculados, Kwartler crea una descarada ilusión óptica y un atractivo efecto atmosférico. Su obra aboga por dispositivos minimalistas simples y sencillos. Ejecuta un trabajo poco laborioso al servicio de un gran impacto. Para algunos, esto puede resultar frustrante, pero sólo porque desearías haber tenido el valor de hacerlo o pensarlo primero.
Julie Curtiss en Galería Anton Kern
Julie Curtiss es una artista francesa que trabaja y vive en Brooklyn. Sus obras recuerdan las vibraciones surrealistas pop de los Imagistas de Chicago. En concreto, me recuerda a las técnicas de pintor de signos de Jim Nutt y a las extrañas formas figurativas de Barbara Rossi. Esto viene a cuento porque estudió en el Instituto de Arte de Chicago en 2004. Sin embargo, Curtiss crea su propio mundo pintado, lleno de cuerpos desnudos, largas uñas afiladas y casi todo cubierto de pelo. Es extraño, bello y desconcertante. En sus escenas teatrales no vemos rostros explícitos; en su lugar, vemos el cuerpo femenino representado como peculiar, peligroso, asqueroso y seductor. En su mayor parte, elige narraciones cotidianas para representar, como un día en la playa o cortando una tarta de cumpleaños. Las imágenes parecen dulces y sencillas, pero se vuelven siniestras a través de obsesivas representaciones lineales y una insistencia en encubrir la identidad de los personajes femeninos. Cada cuadro es como la llamada tribal de una canción de Le Tigre reproducida en bucle y repetida: es diversión pop pegadiza, pero también es peligrosamente subversiva y sacarina.
Renate Bertlmann en Richard Saltoun
En la sexta planta, encontré una colección de Renate Bertlmannen Richard Saltoun. Bertlmann es una artista de vanguardia feminista austriaca de 79 años que trabaja en performance y escultura. A menudo difumina la línea entre objeto artístico, atrezzo y juguete sexual. También confunde los papeles masculino y femenino en sus actuaciones, objetos y disfraces. Sus obras, algunas de ellas de principios de los años 70, han renovado su energía en un mundo cada vez menos binario.
Confunde los papeles de género en su obra como forma de volver el poder sobre sí mismo. Sus gestos performativos son tan sencillos como confundir la forma de un falo con un pezón en sus esculturas corporales de látex. Los papeles sexuales y de género que desempeñamos son su tema principal. Cada escultura parece necesitar ser tocada, llevada, cogida o incluso introducida. Las fotografías en blanco y negro documentan cómo se utilizaron las esculturas en la actuación en vivo. Me alegró leer que Richard Saltoun donaba el 5% de sus ventas a la galería A.I.R., un centro de artistas sin ánimo de lucro, dirigido por mujeres y con casi 50 años de antigüedad, situado en D.U.M.B.O. Es una combinación perfecta para la obra de Bertlmann, ya que ha ayudado a allanar el camino a muchas artistas más jóvenes.
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