Skander Khlif sobre los viajes, la narración de historias y el arte del fotoperiodismo
Skander Khlif es una artista fotográfica afincada en Múnich que explora la relación entre las personas, el lugar y la memoria a través de su poético lenguaje visual. Sus narraciones a largo plazo sobre la identidad cultural y la resistencia en el Mediterráneo le han valido la aclamación internacional, incluidas las nominaciones al Prix Pictet y al Premio Leica Oskar Barnack. Su trabajo se expone en todo el mundo y ha recibido el reconocimiento de los Premios LensCulture y del Festival inaugural de Fotografía de Calle de Lisboa, tendiendo un puente entre la precisión técnica y la experiencia vivida, profundamente humana.
Fotoperiodista y narrador visual Skander Khlif.
Una pasión por la fotografía callejera que se convirtió en narración visual
Por favor, preséntate y cuéntanos cómo encontraste tu camino hacia la fotografía.
Me llamo Skander Khlif. Soy una narradora visual y soy tunecina. Crecí en Túnez y vivo desde hace 20 años en Alemania. Cuando tenía 12 años, mi hermano mayor me dio su cámara y me pidió que fotografiara a la familia. Sólo me pidió que encuadrara y pulsara. Después, me pasé el día fotografiando todas las puertas de la Medina y fue un día estupendo. Sentí una conexión instantánea. En cierto modo comprendí el poder de la fotografía, por simple que fuera.
Más tarde, cuando era estudiante, me compré una cámara pequeña y empecé a practicar de nuevo. Luego, con mi primer sueldo como ingeniero, me compré un cuerpo de cámara de fotograma completo; me gasté todo el sueldo en una cámara cara. Después de pasar un día entero con máquinas y PC, necesitaba salir; necesitaba la calle y necesitaba a la gente. Iba casi a diario a un antiguo puerto de la ciudad de Mannheim. Pasaba por los bares y empezaba a fotografiar la calle y a la gente en el bar. Y eso me permitió explorar el lugar, conocer gente. Creo que fue en ese momento cuando se convirtió en una pasión muy fuerte. Me encantaba mi trabajo, pero amaba más la fotografía.
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Fotografía de calle hoy: Confianza, consentimiento y mostrar tu trabajo
La fotografía callejera ha cambiado mucho con los años, ya que la gente es más consciente de que la fotografían y de que sus imágenes se comparten en Internet. ¿Influye esto en tu trabajo?
Creo que hay dos tipos de personas: a las que les gusta que las fotografíen y a las que no. Esto no es personal, es algo realmente natural. No pierdes nada por preguntar, ¿verdad?
Lo que ayuda mucho es mostrar tus imágenes a la gente, enseñar tu trabajo, hablar de tu trabajo. Cuando eres sincero, la gente lo ve y es más probable que lo permita. A veces, cuando te tomas tiempo y la gente llega a conocerte, cambian completamente sus sentimientos.
Intuición y Método: Ambiente, Investigación y Dejar Evolucionar los Proyectos
Cuando fotografías a personas, ¿dónde te llama la atención? ¿Qué tipo de escena o acción te impulsa a fotografiarlas?
Yo diría que realmente depende de la escena. Para mí, todo empieza con una historia o con algo que quiero, digamos, documentar o contar o capturar. Puede ser una historia personal, puede ser una sensación en la calle, puede ser algo que ocurre en los acontecimientos. Siempre hay una atmósfera o una historia especial. Todo empieza espontáneamente a partir de ese punto.
Una historia también se puede construir; puede empezar con un retrato, una luz muy especial, una atmósfera única o algo que nos recuerde el pasado. Y ahora estamos hablando de una escena y del momento.
Cuando se trata de historias más largas o construidas a lo largo del tiempo, por supuesto que tienes tiempo para dar un paso atrás y pensar en la historia global y ver lo que falta... pero el proceso siempre se construye con espontaneidad y pensamientos y algo de investigación.
¿Puedes guiarme a través del proceso de empezar a fotografiar, saber que tienes algo quizás o llegar a ver que una idea está tomando forma y luego cómo sigues trabajando en ello? ¿Qué aspecto tiene para ti?
Solía confiar más en la intuición y la espontaneidad durante todo mi proceso. Con el tiempo, aprendí a mezclar ambas. Hoy en día investigo un poco antes de ir a un lugar. Utilizo Internet, tal vez hago algunas llamadas o pregunto a gente que ha estado allí, o si conozco a gente de allí. Paso unos días sin rodar, sólo conociendo a gente y llegando a conocer el lugar.
Después de rodar, vuelvo a casa y lo dejo a un lado durante unos días. Entonces es cuando edito; tengo un ojo completamente fresco. En el caso de un proyecto a largo plazo, es el mismo proceso, varias veces, y tienes tiempo entre medias para replantearte lo que has visto y lo que filmas.
Dicho esto, creo que la espontaneidad es muy, muy importante. Especialmente en el momento del rodaje, cuando te reúnes con la gente en un trabajo auténtico. Tienes que sentir el momento, tienes que adaptarte, tienes que asimilar nueva información y ver lo que ocurre, las emociones, lo que pasa entre la gente. Por supuesto, no puedes prepararte de antemano porque no sabrás todo para lo que necesitas prepararte.
Donde el polvo y el agua sueñan juntos: El regreso a casa a través de un proyecto a largo plazo
Ahora mismo estás trabajando en “Donde el polvo y el agua sueñan juntos”. Me encantaría saber más sobre el concepto que hay detrás del proyecto y dónde empezó todo.
Estaba haciendo un proyecto en serie, pero nunca tuve la oportunidad de hacer un proyecto a largo plazo. No sólo desde el punto de vista del tiempo, sino también desde mi punto de vista. Un proyecto a largo plazo es una dedicación a un tema, mucha investigación, mucho ir allí y volver. Siempre quise hacer uno, pero nunca tuve la oportunidad.
Así que hace tres años empecé este proyecto, que llevaba tanto tiempo queriendo hacer. Cuando estás acostumbrado a hacer proyectos más cortos, es un poco difícil, pero es realmente gratificante. También es un proyecto que hago en mi país de origen. He vivido 20 años en el extranjero, así que es una especie de regreso espiritual al lugar, al tiempo.
Al principio, este proyecto trataba principalmente sobre el cambio climático y la condición humana en un lugar de Túnez que puede considerarse un microcosmos porque hay desierto, montañas y mar. Y mi primera pregunta fue cuál es el punto de conexión entre esos lugares que sufren cambios climáticos; ¿existe allí alguna conexión técnica o humana o espiritual y cómo vive la gente esos cambios? ¿Se resisten, son resistentes, sufren, son desplazados? Así que básicamente eran preguntas y documentación. También estaba muy centrado en aspectos técnicos. ¿Qué está ocurriendo allí? ¿Cuánto está subiendo el mar?
Pero con el tiempo, lo que sentí y vi es que es más interesante contar y sentir. Ver es realmente el aspecto humano. Cómo la gente supera estos retos, gracias a su conexión con el lugar, con el trabajo, entre ellos; gracias a su identidad y a las cosas que han heredado de sus padres y de la zona del pueblo. Y automáticamente sentí que esto era lo que necesitaba mostrar y decir.
¿Cómo es la experiencia de rodar en distintos entornos?
Creo que se trata de una energía. Y creo también en ese sentido que la energía en un lugar urbano que está abarrotado, en el que todo el mundo va deprisa o se mueve, repercute también en tu forma de fotografiar. O en tu forma de ser y de sentir. Mientras que cuando vas a un lugar, la isla Sloan, por ejemplo, a pasar una semana con pescadores, tu enfoque, tu forma de moverte, tu forma de hablar, tu forma de disparar, se ve impactada.
Aunque la visión sea la misma, la forma de rodar y el momento son diferentes. Además, desde el punto de vista cultural, no se rueda igual en Alemania, Túnez o Japón. Por supuesto, eres la misma persona con la misma visión y los mismos intereses. En mi caso, al menos, una cámara es una herramienta para sumergirse en algo, en un lugar, en una atmósfera, en una historia, en una vida familiar. Y sumergirte en ello significa que también lo sientes y te influye, lo quieras o no.
De la visión fotográfica y el concepto a la edición para el estilo y la presentación
¿Cómo ha evolucionado tu estilo o visión fotográfica desde que empezaste?
No creo en el estilo. Creo que el estilo es algo que los demás ven en tu trabajo, pero tú no lo ves. Así que eso nos lleva de nuevo a los pensamientos, a cómo piensas en tu trabajo.
Puedes pensar en tu trabajo y conceptualizar en cierto punto, y es un ejercicio bueno e importante. Pero al rodar, se trata más de la visión, de cómo la sientes, de cómo la ves. Y aquí entra la experiencia, el vivir el momento, entra todo tu bagaje, toda tu vida, tus intereses, tus sentimientos en ese momento. Y sea cual sea el género que estés fotografiando, es lo mismo.
El estilo en sí, una vez que das un paso atrás y editas para mostrar tu trabajo, aquí vienen los pensamientos sobre el estilo: qué gradación de color, qué edición, qué estado de ánimo. Para mí, el estilo se considera más durante cómo mostrar y presentar el trabajo que durante el rodaje en sí.
Pero dicho esto, tuve la oportunidad de colaborar con un graduador de color profesional, que es especialista en trabajo documental con ética. Esto incluye no poder cambiar el color, sólo de una forma específica, y esta especialidad se utiliza también para el fotoperiodismo.
Ha sido una experiencia increíble. Realmente descubrí el poder de los colores más allá de mi capacidad y trabajo habituales, especialmente en un proyecto más grande como un libro o una serie más larga. Puede ser espontáneo, por supuesto, pero teniendo en cuenta la ciencia del color, es realmente una herramienta asombrosa que puede ayudarte a construir el resultado final global.
Para mí, es completamente independiente del proceso de rodaje, aunque puedes pensar en los colores en determinados momentos, no todo el tiempo. Una vez que tienes el trabajo, entonces puedes dar un paso atrás y conceptualizar un poco más y pensar en términos de estilo, colores, etc.
El acto fotográfico como parte integrante de la vida cotidiana
¿Cómo cambia tu relación con la cámara cuando pasas de un rodaje publicitario de alto riesgo a tu vida fuera del trabajo?
En mi caso, la fotografía, el acto de fotografiar, forma parte de mi vida... Empiezo a echarla de menos si no lo hago durante tres días; realmente forma parte de mí. Así que para no sentirme frustrado por no fotografiar durante, por ejemplo, un proyecto a largo plazo, lo hago con mi familia en casa. Así que fotografío a mi hijo, a mi mujer y salgo a la calle. Realmente no es el mismo acto, pero al mismo tiempo lo es, e incluso te ayuda a ser creativo. Ver algo especial con mi hijo en casa puede ayudarme en mi próxima sesión de retratos.
Me gusta ser lo más ligero posible. Así que la mayor parte del tiempo disparo con una Fuji X100; te la puedes meter en el bolsillo. Para trabajos comerciales, tengo una cámara de fotograma completo, concretamente una Nikon Z6, porque necesito garantizar un resultado.
Cuando la gente me pregunta por una cámara, les digo: “Sólo tienes que ir a una tienda y cogerla en la mano, y la mejor cámara es aquella en la que sientes que es una extensión de tu mano”.”
Por qué es importante una cartera: Convertirse en un profesional en línea
Háblame de la función de tener un portafolio digital y una presencia para tu trabajo fotográfico en Internet. ¿Qué significa eso para ti y cómo cuidas tu presencia en Internet?
Recuerdo que hace 10 años hice mi primera página web y fue un punto de inflexión. Fue simbólicamente un punto de inflexión porque realmente te consideras un profesional. Empiezas a verte como un fotógrafo profesional; y está escrito, así que está ahí, está realmente ahí y tienes que aceptarlo, y decidir qué presentar, qué mostrar.
Animo a todos los que no tengan uno a que empiecen hoy mismo. Se puede mejorar con el tiempo, pero tener uno ya es muy importante. Ser perfeccionista es bueno, pero a veces no lo es porque te lleva a esperar a tener las cosas perfectas, cosa que ni siquiera existe. Incluso en el sitio web más perfecto, el propietario probablemente siga pensando que no es perfecto.
Evolucionamos, por supuesto, como fotógrafo, como artista, y tu sitio web evoluciona contigo; cambias cosas en él. Te ayuda a asumir la responsabilidad de lo que haces, de lo que muestras, sobre todo en mi caso, en la medida en que hago cosas diferentes. Mi portafolio me ayuda a navegar entre las bellas artes, el documental e incluso hago anuncios auténticos y honestos. Puedo encontrar la forma adecuada de expresar el punto común entre ellos, que en mi caso es la narración auténtica.
Construye tu cartera ahora; no esperes a la perfección
El consejo de Skander es sencillo: pon tu trabajo en línea hoy mismo y deja que evolucione. Format te ofrece una forma sencilla de publicar un portafolio profesional, actualizar proyectos a lo largo del tiempo y presentar tu trabajo con confianza.
- Empieza con lo que tienes-refina a medida que creces
- Crea una cartera limpia y moderna que se ajuste a tu visión
- Actualiza las galerías, la secuenciación y la presentación a medida que evolucionan los proyectos
Editar para contar historias: Corta sin piedad, retrocede, repite
Como muchos fotógrafos, no utilizas todas las imágenes que tomas, sino que las seleccionas y editas. Describe tu proceso de edición.
Editar, como rodar o hacer un reportaje, también es un proceso y también incluye una especie de intuición y emociones. Sin embargo, por supuesto que hay reglas.
Lo que suelo hacer es tener una historia en mente y actualmente intento escribir algo antes de empezar a editar, aunque sea algo breve. Luego reviso las imágenes, me quedo con las que me gustan y reduzco la selección.
Recorto las imágenes que no cuentan la historia, que pueden no presentar a las personas de la forma en que les gusta ser vistas. Luego hago las primeras ediciones, me alejo un poco del trabajo y vuelvo para optimizarlo. Dependiendo de la historia, me gusta enseñársela a otra persona, incluso a un compañero fotógrafo o, a veces, a mi mujer.
Y en ese sentido, debo decir también que los proyectos a largo plazo cambiaron por completo mi forma de editar. Antes también era más espontánea. Gracias a los proyectos de larga duración, aprendí realmente a ser más brutal, a recortar imágenes, a ser más crítica con mi trabajo.
Realmente aconsejo a todos los fotógrafos que inicien un proyecto a largo plazo, en el sentido de que realmente vuelvas a tu edición varias veces a lo largo de semanas, meses o años, y eso ayuda mucho.
A muchos fotógrafos les resulta difícil pasar de estar detrás del objetivo a presentar su trabajo. Has mencionado haber convertido tu proyecto a largo plazo en un libro. ¿Cómo ha sido esta experiencia?
Así que siempre me atrajo el proceso posterior a la creación de la imagen, y el libro es la finalidad de eso. Estoy trabajando con un editor de libros. Para mí también era muy importante que fuera un editor de libros tunecino, porque en cierto modo es una historia cultural; la estamos construyendo juntos y evolucionando. Y creo que también es muy importante porque la edición de libros es un arte completamente diferente, no es una cartera. Es realmente otro objeto.
Tú aportas tu historia, tú aportas tu trabajo, y otra persona hace su magia creando un libro a partir de ello. Es importante que haya una confianza mutua total y creer en la magia de la otra persona para sacar lo mejor de ella. También es muy interesante porque se tarda mucho tiempo en crear un libro, más de un año o dos. Y el tiempo siempre es muy, muy importante.
Cuando estés preparado para secuenciar tu trabajo como si fuera una historia -no sólo una carpeta- Format te facilita la creación de proyectos, la reordenación de imágenes y el perfeccionamiento de tu portafolio. Iniciar una prueba gratuita y trata tu web como el primer borrador de tu álbum de fotos.
Consejos de Skander Khlif para fotógrafos emergentes
- Empieza con una pregunta: Comienza los proyectos pequeños o grandes formulando preguntas sobre algo que te interese documentar; puede estar relacionado con una historia personal, una sensación en la calle o un acontecimiento.
- El cambio forma parte del viaje: Puede que no sepas la historia que vas a contar cuando empieces; comienza con una pregunta y explora el tema sin un resultado predeterminado.
- Investiga y tómate más tiempo: Investiga un poco antes de ir a un lugar, sé curioso y dedica unos días a conocer a la gente y el lugar antes de empezar a fotografiar.
- Da un paso atrás y sé crítico: Tómate pequeños descansos entre la toma y la edición y estate dispuesto a recortar imágenes cuando no cuenten la historia para conseguir un conjunto de obras más sólido.
- Inicia un proyecto a largo plazo: El proceso de volver a tu trabajo una y otra vez a lo largo del tiempo te ayudará a convertirte en un editor más fuerte.
- Mantén una configuración sencilla: La mejor cámara es la que se siente como una extensión de tu mano.
- Pon tu trabajo en línea ahora (no esperes a la perfección): Ser perfeccionista puede ser bueno, pero también puede impedirte compartir nada. Nunca pensarás que es perfecto; crea el sitio web y deja que evolucione.
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Colaboradores
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Julia Martin es una artista interdisciplinaria y escritora afincada en Montreal. Con un máster en Bellas Artes y una licenciatura en Fotografía, tu obra ha sido expuesta en Canadá, China, Francia y Finlandia, incluyendo múltiples residencias artísticas. Ha impartido clases en la Universidad de Ottawa, ha formado parte de jurados artísticos y cuenta con quince años de experiencia como fotógrafa autónoma. La práctica artística de Julia podría describirse como "historias tristes salpicadas de chistes"."
Aunque a veces es al revés.
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