Le professionnel de la création d'aujourd'hui est un tour de force multidisciplinaire. Non seulement il doit être extrêmement compétent dans son domaine d'expertise - illustration, rédaction, conception graphique, etc. - mais il doit également posséder les compétences nécessaires pour passer de la salle de classe au monde réel. Il faut avoir le sens des affaires, des compétences administratives et toute une série de "soft skills" pour pouvoir s'asseoir à une table de plus en plus encombrée et compétitive.
Nous nous sommes entretenus avec cinq professionnels de la création de l'Université OCAD, la troisième plus grande des 40 universités professionnelles d'art et de design d'Amérique du Nord, pour discuter de la manière dont leur école réagit aux exigences d'un marché en constante évolution. Aujourd'hui plus que jamais, il existe un paysage médiatique ouvert et passionnant dans lequel les créatifs peuvent exercer leur métier. Les écoles d'art préparent-elles toujours les étudiants à saisir ces opportunités ou sont-elles en retard sur les besoins de l'époque ?
Geoff Snack
Geoff Snack, enseignant/directeur de la stratégie
J'ai remarqué une évolution vers les applications commerciales et la formation professionnelle dans l'enseignement artistique, tant du point de vue des offres académiques que des motivations des étudiants, et en particulier dans le domaine des médias numériques.
J'ai entendu des opinions contradictoires à ce sujet. Certains pensent que c'est négatif et qu'une institution artistique devrait se concentrer uniquement sur la formation des étudiants à la théorie, à l'histoire et à la technique. Je ne suis pas d'accord. L'apprentissage de compétences au-delà de la théorie, de l'histoire et de la technique est essentiel pour comprendre comment ces compétences peuvent être appliquées. Avec la popularité récente du contenu de marque et l'implication croissante des marques dans le monde des beaux-arts, il existe désormais des moyens plus accessibles d'appliquer commercialement les compétences acquises dans les écoles d'art.
Ce qui fait défaut, ce sont les compétences secondaires et "douces" qui sont nécessaires à un individu pour s'épanouir dans un environnement de travail et pour maintenir une pratique indépendante. En d'autres termes, les écoles doivent fournir davantage de compétences pour permettre aux gens de passer du travail créatif à la direction créative. Par leadership créatif, j'entends ceux qui peuvent générer des idées, élaborer des stratégies et diriger une équipe dans la production d'idées et de travaux créatifs.
Il semble qu'il y ait plus d'étudiants intéressés par la généralisation plutôt que par la spécialisation qu'il y a 5 ans - c'est une réponse directe aux changements du marché et à la façon dont nous consommons les médias. Les marques doivent désormais créer un contenu visuel convaincant, pertinent et distinct. À mesure que le marché évolue et que le contenu unique devient de plus en plus essentiel, les créatifs ont de plus en plus l'occasion d'exploiter leurs compétences pour guider la production de contenu. Il en résulte une demande de créatifs pluridisciplinaires et de généralistes. Les établissements doivent répondre à cette évolution et offrir aux étudiants la possibilité d'acquérir un ensemble de compétences plus diversifié reflétant le marché actuel.
Ariel Riske
Ariel Riske, rédacteur
Ayant récemment obtenu mon diplôme du programme de design publicitaire de l'OCAD, j'ai eu le temps de réfléchir à la structure du cours et à la façon dont j'espère la voir évoluer. Bien sûr, il est nécessaire d'avoir une formation en histoire de l'art et des compétences de base dans un certain nombre de domaines, mais la généralisation excessive des compétences m'a laissé sur ma faim. Le fait d'être capable d'interagir avec une variété de disciplines permet d'obtenir des créatifs bien équilibrés, mais actuellement le programme n'est pas assez flexible pour permettre la spécialisation. Par exemple, au cours de mes quatre années d'études en tant que rédactrice en herbe, je n'ai pu suivre que deux cours de rédaction en studio, et je n'ai jamais pu obtenir de place dans les cours d'écriture créative en libéral.
Outre la structure du programme, l'accent était mis sur la théorie plutôt que sur la pratique ; nous apprenions à penser, mais pas à exécuter. Nous apprenions à penser, mais pas à exécuter. Toutes nos compétences en Adobe étaient enseignées par le biais de tutoriels sur YouTube, et non en classe, de sorte que le perfectionnement des compétences n'était accessible qu'à ceux qui le souhaitaient suffisamment. La filière que j'ai choisie signifiait qu'en dernière année, nous formions nos propres agences de publicité, assumant des rôles de directeurs artistiques, de rédacteurs, de stratèges et de graphistes.
Le fait d'avoir des professeurs prêts à mettre en jeu leurs propres relations pour nous et à être disponibles nuit et jour pour un soutien moral inébranlable est sans aucun doute le meilleur aspect de ma carrière à l'OCAD. Grâce à ces professionnels, j'ai appris à trouver de vraies idées et à créer un travail intéressant, ainsi qu'à me faire connaître.
Rebecca Ladds, artiste
L'un des aspects les plus bénéfiques de mon expérience à l'OCADU a été la variété des ressources ouvertes dans de multiples domaines d'études. Le fait de flotter dans les ateliers de gravure, tout en étant le bienvenu dans les ateliers de menuiserie et de métallurgie/fabrication, m'a permis d'apprendre de nouveaux matériaux et de les intégrer à ma propre pratique. De cette manière, j'ai pu me spécialiser dans la gravure et me référer aux fondements du médium sans pour autant être limité par eux dans ma thèse (c'était donc très amusant).
Cette approche pluridisciplinaire a été encouragée dans certains travaux afin de promouvoir d'autres façons de penser les matériaux, ce qui conduit ensuite à une recherche plus approfondie sur la façon dont ces expériences peuvent affecter la base conceptuelle d'une œuvre d'art. Pour moi, c'était une façon productive d'apprendre ; c'était très pratique et cela a stimulé mon intérêt pour de plus en plus de sujets d'étude. Je pense que l'on devrait en faire davantage la démonstration dans la structuration des cours à option (à la fois pour l'atelier et les arts libéraux), et que l'on devrait mélanger davantage les études principales, en particulier dans les dernières années d'atelier/de thèse. J'ai l'impression d'avoir vu l'organisation de l'école d'art devenir plus segmentée et spécialisée, où, en tant qu'étudiant, vous êtes regroupé avec d'autres qui travaillent avec des matériaux similaires, mais pas nécessairement avec des idées similaires. J'ai trouvé que les meilleures critiques et discussions venaient de ceux qui travaillaient dans des médias très différents de ceux que j'avais choisi de travailler.
Si le soutien visuel et technique offert par l'OCADU était excellent, je pense qu'il faut mettre davantage l'accent sur les aspects entrepreneuriaux et commerciaux du métier de créateur professionnel. En tant que jeune diplômée, j'ai appris depuis à travailler en réseau et à gérer l'aspect administratif du métier d'artiste, des compétences qui sont tout aussi importantes que la création d'œuvres, mais qui ne sont reflétées dans aucun des programmes d'études que j'ai suivis. Et, comme le prouvent de nombreux artistes professionnels, la certification post-secondaire n'est absolument pas nécessaire pour réussir en tant qu'artiste.
Sandy Kedey
Sandy Kedey, enseignante/présidente de la section Publicité
De nos jours, la plupart des gens veulent un emploi. Ils veulent des résultats, et les employeurs aussi. Des résultats immédiats - pas le temps de se former ou de faire un stage. En fait, un jeune de douze ans sait aujourd'hui comment "marquer" et différencier son profil et sa présence numérique autant qu'un jeune de 21 ans.
La façon dont nous atteignons, connectons et communiquons, partout dans le monde, est maintenant sous le pouvoir du langage visuel - qu'il soit symbolique, expressif, métaphorique, narratif ou autre. L'omniprésence du contexte visuel ne cesse de croître, à pas de géant. En 2014, toutes les grandes agences de publicité ont affiché une croissance comprise entre 1 et 6,5%, selon Omnicom, et les prévisions pour 2015 sont encore plus élevées.
Avez-vous besoin d'une "école d'art" ? Nous pensons que oui. L'esprit curieux, artistique et créatif a tendance à explorer, mais il arrive que cela devienne statique, structuré et prévisible. L'école d'art doit vous pousser, vous permettre de découvrir et d'inspirer. Et les écoles d'art et de design vous poussent encore plus loin, en vous permettant de penser de manière critique, d'innover et d'explorer. Le défi consiste souvent à suivre l'évolution des technologies et à définir précisément quelles solutions et quels récits seront ou non appropriés, mais le fait d'être exposé et d'avoir encore plus de possibilités d'affiner son art valide le processus. Nous autorisons l'échec et la réussite, ce qui n'est pas nécessairement le cas des sociétés et des galeries. Il faut apprendre avant de pouvoir enfreindre les règles.
Ann Urban
Ann Urban, enseignante/directrice de la création
Je me souviens avoir enseigné la direction artistique en publicité à l'OCAD, avant qu'on y ajoute le "D" et le "U". À l'époque, il suffisait de proposer quelques bons concepts pour la presse écrite et la télévision, de faire quelques mises en page, et l'on obtenait un emploi. Aujourd'hui, dans le même cours de publicité, vous devez toujours trouver des concepts et des mises en page, mais maintenant par douzaines. En plus de maîtriser les approches marketing traditionnelles, vous devez également créer des campagnes sophistiquées de culture convergente et de transmédia sur tous les supports possibles et imaginables.
On attend de vous que vous fassiez de la réflexion stratégique sur la campagne, de la sélection/planification des médias, de la budgétisation, du positionnement, de la rédaction, que vous exécutiez de manière experte les programmes graphiques les plus récents pour les médias temporels, l'imprimé et le numérique. Comprendre le paysage numérique en termes marketing, créatifs et techniques est une évidence. Comme si cela ne suffisait pas, les directeurs de la création recherchent aujourd'hui des collaborateurs, des conteurs et de grands présentateurs dotés d'un grand nombre de compétences non techniques.
Nous entendons souvent dire que les coupes budgétaires des agences signifient qu'il n'y a plus de roues de formation - les étudiants doivent obtenir leur diplôme en étant prêts à passer de la salle de classe à la salle de réunion, avec un ensemble complet de compétences d'expert dans plusieurs disciplines. Une formation formelle dans une école d'art n'a jamais été aussi importante qu'aujourd'hui - vous ne pouvez pas vous contenter d'improviser. Aujourd'hui, de nombreux jeunes diplômés aux diplômes impressionnants sont en concurrence féroce avec de nombreux candidats pour obtenir un stage non rémunéré. Les "chanceux" obtiennent stage gratuit sur stage gratuit. Quelqu'un crée tous ces logos $5 sur fiverr.com.
Y a-t-il un avantage ? Bien sûr. Les créateurs n'ont jamais eu autant de liberté pour créer des œuvres divertissantes et percutantes. Les anciennes règles ont cédé la place aux nouvelles possibilités artistiques offertes par les nouveaux médias, qui ne sont limitées que par l'imagination et les compétences de chacun. Les exigences pluridisciplinaires sont synonymes d'un plus grand nombre d'espaces de jeu pour un esprit fertile et créatif.
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