La construction d'un monde avec l'artiste numérique Alex McLeod
Artiste numérique basé à Toronto, Alex McLeod est le produit d'une myriade d'influences croisées : la musique, l'art de la rue, les jeux vidéo et la culture des premiers forums de discussion sur Internet. Né à Scarborough, McLeod a étudié le dessin et la peinture à l'université OCAD. Tout en apprenant les techniques traditionnelles, il se forme à l'évolution de l'infographie. Aujourd'hui, près de vingt ans après le début de sa carrière, tout comme les mondes numériques qu'il invente, la carrière de McLeod ne connaît pas de limites. Ses pratiques s'étendent librement entre les domaines des beaux-arts, de la musique, de la mode et des collaborations commerciales. Ce qui le rend si unique (et si sympathique), c'est qu'il apporte la même passion et le même sens artistique à des projets allant d'un clip vidéo pour Céline Dion à un environnement immersif alimenté par l'IA en collaboration avec Intel, en passant par des installations publiques dans sa ville natale.
M. McLeod s'est entretenu avec Format pour parler de son parcours dans l'art numérique, de l'effondrement de la haute et de la basse culture, et de l'expansion de soi que l'on trouve dans les communautés créatives.
L'artiste numérique Alex McLeod parle de son art et de son processus.
Inspirez-vous du modèle Flex Block d'Alex McLeod
Pour célébrer la sortie de la nouvelle fonctionnalité "flex block", Format a collaboré avec Alex pour développer un modèle de projet qui peut être utilisé par tous les membres de Format.
Pour mon modèle, j'ai créé un paysage gif. Le bloc Flex pousse ma pratique, me faisant réaliser que les sites web peuvent devenir des œuvres d'art vivantes. Certaines parties de mon site peuvent être activées et plus vivantes qu'auparavant. Flex block est désormais un outil dans ma panoplie, une autre couleur dans ma palette.
Essayez le modèle d'Alex sur votre propre site pour créer votre propre œuvre d'art numérique.
Pouvez-vous nous parler de votre trajectoire en tant qu'artiste ?
En grandissant, je faisais de l'art ou de la musique. Lorsque j'étais sur le point d'obtenir mon diplôme de fin d'études secondaires, tout d'un coup, la question est devenue : "Bon, qu'est-ce que tu vas faire ? "Bon, qu'est-ce que tu vas faire ?" Certains de mes amis s'orientaient vers des métiers. D'autres allaient à l'université, et moi je me disais : "Je veux juste continuer à faire de l'art et de la musique" - je ne veux pas grandir. Mes parents aimaient beaucoup l'art et m'ont donc encouragé à étudier la peinture. À l'école des beaux-arts, j'ai rencontré des gens formidables et j'ai appris beaucoup de choses, mais je me suis rendu compte que la peinture n'était pas le bon débouché pour moi, mais elle a été le catalyseur qui m'a permis de trouver un moyen d'expression. Mon médium est le numérique, mais je n'avais pas cette possibilité à l'époque. Après avoir obtenu mon diplôme, j'ai commencé à m'initier aux outils numériques et c'est ce qui m'est resté et ce qui m'a semblé le plus réel.
Pouvez-vous décrire les outils numériques que vous utilisez ?
Au début, c'était CorelDRAW, Photoshop et Illustrator, et j'essayais d'utiliser ces programmes pour imiter l'aspect 3D. J'ai grandi en jouant à de nombreux jeux vidéo en 3D comme Myst, qui étaient rendus, mais qui n'étaient pas si interactifs ; il y avait une sorte d'esthétique picturale. J'abordais ces mondes numériques sous l'angle de l'art plutôt que du jeu, mais il y a toujours un lien avec le jeu.
À l'époque, je procédais un peu à l'envers : J'essayais de faire en sorte que les objets en 3D aient l'air d'être en 3D dans le logiciel, puis je les imprimais et j'essayais de les repeindre parce que pour faire des œuvres plus grandes, je pouvais peindre à moindre coût que je ne pouvais imprimer. Je pense que c'est un piège pour beaucoup de jeunes créateurs - l'idée que mon propre travail ne vaut rien. Il m'a fallu un certain temps avant de réaliser que je n'avais pas nécessairement besoin d'imprimer mon travail, que je pouvais le partager sur l'internet. Cela m'a ouvert de nouveaux horizons ; les choses que je faisais pouvaient prendre différentes formes et avoir une portée mondiale.
En sortant de l'école d'art, vous est-il facile d'adopter le monde numérique ou est-ce que cela vous met mal à l'aise ?
Pour moi, travailler au sein de communautés numériques a été tout aussi important que les institutions académiques. Avoir mon diplôme, c'est la même chose que d'être un enfant de 12 ans sur les forums de discussion d'AOL. En plongeant dans ce monde, je parlais à je ne sais qui parce qu'il avait conçu un dessin très cool d'Insane Clown Posse qu'il avait téléchargé sur les forums de discussion, et je lui tendais la main parce qu'il avait des techniques de coloriage numérique vraiment impressionnantes.
C'était une communauté et un échange comme je n'en avais jamais connu auparavant. J'ai toujours eu l'impression d'être un peu à part dans la structure traditionnelle des communautés artistiques. Le sens de la passion, de la curiosité et de l'urgence m'a semblé différent dans ces communautés numériques. Dès que j'ai été prête à partager mon travail, je l'ai mis sur Facebook et j'ai été ravie de voir les gens y répondre positivement et en temps réel. Ce sens de la communauté open source était quelque chose dont je pense que j'avais vraiment besoin et dont j'ai toujours besoin.
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Vous êtes connu pour ces mondes virtuels grandioses qui mélangent l'organique et l'inorganique. Comment avez-vous trouvé cette imagerie dans votre travail ?
Artistes, poètes, créatifs, nous sommes meilleurs si nous sommes des éponges et si nous absorbons une multitude de choses du monde entier, en prenant toutes nos expériences et en les mélangeant dans la soupe de notre cerveau. Enfant, je passais beaucoup de temps à jouer à Mario 64, et c'était génial parce que c'était aussi un moyen de créer des liens avec mon groupe d'amis de l'époque. Plus tard, nous avons commencé à jouer à des jeux comme Warcraft, Diablo, des jeux de haut niveau qui vous placent dans un environnement simulé en tant que personnage, mais il y a aussi tout un monde réalisé construit autour de ce jeu. Ces mondes numériques géants étaient étranges et inattendus, mais je m'y sentais chez moi.
Lorsque j'ai commencé à créer mes propres œuvres, j'ai mélangé tout un tas d'influences, qu'il s'agisse de finitions de design industriel, d'architecture, d'imagerie micro/macro, du monde naturel, toutes ces choses se retrouvent dans mon travail, ce qui en fait une tapisserie plus riche et plus intéressante pour moi, une sorte de terrain de jeu sans fin.
Je considère moins mon travail comme un commentaire sur le monde qui m'entoure que comme la construction de ma propre réalité numérique. Je pense que le travail que je fais conceptuellement parle du monde qui nous entoure dans le sens de l'interconnectivité, montrant que nous faisons partie de notre environnement. Nous respirons tous le même air. La même eau qui se trouve dans notre sang pleuvait sur les dinosaures. Il y a tous ces tissus conjonctifs qui ne sont pas visibles.
La mise en évidence de ces liens nous permet de développer de l'empathie pour les autres, pour notre environnement et pour les espaces que nous occupons. Je suppose que je crée un moyen agréable de transmettre ce message, comme un terrain de jeu à l'esthétique brillante et enrobée de sucre d'orge.
Vous ne semblez pas vous préoccuper de la division entre le grand et le petit art.
Je me souviens d'être allée au musée pour voir des expositions avec mes parents et de m'être sentie un peu déconnectée. D'un autre côté, je me rendais au centre ville de Scarborough pour voir les peintures murales derrière toutes les usines, et je me disais que cela me concernait davantage. J'ai donc toujours été passionnée par l'idée de mettre l'art dans l'espace public pour que tout le monde puisse en profiter. Ne vous méprenez pas, j'aime beaucoup le travail institutionnel et curatif - je suis là pour ça - mais il y a différentes façons de servir le public à travers l'art. Pour moi, il était très important de ne pas faire de distinction entre le grand art et le petit art, entre ce qui est commercialement viable et ce qui est amusant et gratuit. Il est étonnant de constater qu'aujourd'hui, près de 20 ans après le début de ma carrière, j'en suis au point où je ne peux plus me passer de l'art et de la culture. J'en suis au point où l'on me fait suffisamment confiance pour gérer ces grands projets et mettre des œuvres dans des espaces publics.
Lorsque je suis sorti de l'école d'art, j'ai fait ce que je pensais être censé faire : créer des œuvres d'art pour des expositions. C'était la trajectoire que l'école nous avait enseignée. Je voulais me faire remarquer et avoir une exposition. J'ai envoyé toutes mes œuvres à tous ces blogs et, armée de mon site web, je leur ai envoyé mes images. C'était facile de raconter mon histoire. Et j'ai commencé à recevoir des réponses. Tous ces blogs parlaient de moi, et c'était génial parce que des conservateurs du monde entier voyaient mon travail. J'ai eu une exposition à Barcelone et j'ai réalisé que cela pouvait être une voie viable pour moi.
En même temps, j'avais aussi des directeurs artistiques qui travaillaient avec des fabricants de café ou de voitures et qui se disaient "oh, c'est vraiment cool aussi. Nous voulons utiliser cette esthétique pour vendre nos produits". Tout d'un coup, de multiples voies se sont ouvertes à moi. Je pense que ces portes se sont ouvertes simplement parce que j'étais ouverte. Je ne me suis pas limité d'une manière ou d'une autre.
Avez-vous eu l'impression qu'il y avait une courbe d'apprentissage importante pour comprendre comment travailler dans une sphère plus commerciale ?
Vous savez ce qui est drôle ? Je pense que le monde de l'art est le monde le plus difficile à gérer. Je ne sais toujours pas si je le comprends complètement.
À l'inverse, en travaillant avec des marques et des collaborations, la chose la plus difficile a été de comprendre comment fixer le prix de mon travail, parce que je ne vends pas une impression unique, je vends une image de quelque chose qui est reproduite dans certaines régions pendant un certain temps, à certaines échelles et avec certains résultats, et tous ces éléments déterminent la valeur de mon prix. Heureusement, à l'époque, j'avais un très bon représentant qui m'a beaucoup aidé et m'a guidé dans cette démarche, car sinon on aurait profité de moi, on m'aurait fait passer à la moulinette et j'aurais probablement eu une expérience horrible.
Mais le monde de l'art, s'y retrouver, c'est amusant. C'est comme si vous trouviez un sens dans de petits microcosmes, dans le monde de l'art de Toronto, j'ai trouvé que c'était gérable - je sais où sont les institutions. Je connais les galeries. Je sais qui dirige tout cela. Mais lorsque vous commencez à vous intéresser aux affaires internationales et que vous comprenez que les œuvres d'art les plus chères se trouvent sur des yachts et sont achetées par des milliardaires, l'art devient quelque chose de différent. Cela fait bizarre de faire quelque chose pour une classe d'actifs. Cela m'a amené à me poser des questions : Quel est l'espace entre les deux ? J'ai lu des livres qui tentent de le comprendre, mais je ne viens pas de ce monde. J'aime l'art, mais il peut être beaucoup plus compliqué de travailler dans ce système.
River Don't Care - Gord Downie (Vidéo officiel)
Vidéo d'Alex McCleod
Parlez-nous de votre travail sur les vidéos musicales. À quoi ressemble cette collaboration ?
J'ai toujours aimé la musique. Si je n'étais pas artiste, je serais musicien. Mes amis sont plus nombreux à travailler dans la musique que dans les arts visuels et j'aime travailler avec mes amis. Alors, quand mes amis musiciens ont besoin d'aide, pour réaliser des vidéos et des choses de ce genre, c'est un bon moyen pour moi de sortir de ma propre bulle, de grandir et d'essayer quelque chose de nouveau. Travailler avec eux sur des vidéos musicales était un moyen de faire le lien entre mon monde et le leur. Il est très agréable de travailler avec des musiciens, car ils ont l'habitude de faire des compromis, de travailler en groupe et avec d'autres personnes. En revanche, beaucoup d'artistes visuels travaillent en vase clos, et il est donc très difficile de nous faire bouger. Nous sommes parfois très têtus.
En vieillissant, j'ai envie de faire plus de collaborations et de briser les murs que nous nous construisons. Travailler avec Nelly [Furtado]. Elle me disait : "J'aime cette couleur rose, faisons ceci, faisons cela" - je m'ouvrais à ces sources d'inspiration et nous faisions des riffs.
En travaillant avec Kelly Rolland, son équipe a extrait des exemples de travaux que j'avais réalisés il y a dix ans pour mon compte Instagram. Il était vraiment intéressant de constater que les réverbérations de quelque chose que j'avais fait il y a si longtemps et que j'avais posté avec désinvolture sur Instagram étaient toujours vivantes. Je me souviens qu'à l'époque, mettre ce travail sur les médias sociaux était un test, une petite animation que je voulais partager avec le monde. Des années plus tard, elle finit par l'être, lors de concerts, pour des milliers de personnes qui en font partie.
Céline Dion - Love Again (from the Original Motion Picture Soundtrack) (Official 2024 Lyric Video)
Vidéo des paroles par Alex McLeod
Je n'aurais jamais imaginé que cette œuvre se retrouverait dans cette arène. En tant qu'artistes, nous créons des choses, nous ne savons pas comment elles vont finir ou comment elles vont être perçues. Par exemple, la vidéo avec Céline [Dion]. Son équipe avait vu une autre vidéo que j'avais réalisée pour Tafelmusik, pour le Requiem de Mozart, où l'on voyait des pétales tomber. Ils voulaient cette gravité dans la vidéo de sa chanson, la dernière qu'elle ait enregistrée après son diagnostic. C'est donc une chanson plus lourde, mais les paroles étaient associées à cette comédie romantique, dont le ton était un peu plus léger. Parfois, l'équilibre entre ces différentes influences dans un projet peut être une sorte de dissonance cognitive. Lorsque j'aborde un projet, je me dis : "D'accord, c'est ce que vous voulez. Laissez-moi tirer ces fils ensemble pour faire quelque chose qui honorera ce travail."
Être au service des personnes que l'on admire et que l'on aime vraiment peut être un voyage. Comme Kelly Rolland - certaines de ces chansons des Destiny's Child sont celles que je passais en studio pour me motiver à travailler - Et maintenant, je travaille pour vous. Comme quoi ? C'est un rêve !
Cela fait parfois bizarre de voir son travail sortir de l'ombre. C'est naturel et normal, mais j'essaie de ne pas trop me féliciter et d'avoir mon propre système de jugement interne afin de maintenir mes propres normes pour le travail à un niveau élevé.
Je pense que la volonté de continuer à grandir, de rendre tout plus grand et meilleur, peut être un peu un piège. On arrive parfois à un point où l'on s'épuise ou l'on est triste - cette pensée-là et j'essaie tellement fort, mais je ne ressens pas le même sentiment. C'est à ce moment-là que revenir à son ancien travail peut être une solution pour se recentrer et se rappeler d'où l'on vient.
C'est incroyable. J'ai bien travaillé. J'ai travaillé très dur. Je n'ai pas perdu de temps. C'est pourquoi je regarde mes anciennes œuvres pour me remonter le moral et me rappeler qu'en tant qu'artiste, on peut se reposer. Vous pouvez prendre des vacances si vous en avez besoin. Lorsque je regarde mon portfolio et mon travail d'il y a cinq ans, je me dis que je faisais quelque chose d'intéressant et que le fil conducteur est toujours au cœur de ce que je fais aujourd'hui. Tout cela était important.
Quel rôle joue votre portfolio dans votre pratique et votre vie professionnelle ?
Mon portfolio est très important pour moi. Les cartes de visite appartiennent au passé. Votre site web est la chose que vous envoyez pour montrer aux gens ce dont vous êtes capable. Mais pour moi, cela va bien au-delà. C'est un moyen pour moi de cataloguer mon travail. Et maintenant, c'est tout. C'est ma carte de visite. C'est ma représentation numérique. Il est international. Il est partout dans le monde, sur l'ordinateur de n'importe qui, à n'importe quel moment. Mon site web est une collection de travaux dans laquelle les gens peuvent puiser. C'est un élément essentiel de ma pratique.
Je ne peux pas m'imaginer sans cela. J'y pensais l'autre jour et j'ai réalisé que mon site Format contient presque tout ce que j'ai jamais fait. Travaillant dans le domaine numérique, une grande partie de mon travail n'existe pas toujours physiquement, c'est pourquoi il est de plus en plus important d'avoir cette trace.
J'ai l'impression qu'Instagram est l'amuse bouche de mon site web parce que mon site web contient tellement plus. Mais la plupart des gens sont sur Instagram à tout moment parce que nous souffrons tous de la même addiction. C'est un excellent moyen de séduire les gens, de les amener au plat principal, vous savez, et de vraiment digérer parce que vous voyez 12 images et vous vous dites, d'accord, je vois des carrés d'art, mais qu'est-ce qu'il y a d'autre ? Y a-t-il l'histoire de l'exposition ? Est-ce qu'il y a un peu d'histoire ? Est-ce qu'il y a plus ? Qu'est-ce qu'il fait, ce type ?
Pouvez-vous nous parler de votre site web sur le format et nous expliquer pourquoi cette plateforme vous convient ?
J'aime Format parce que je peux gérer les choses moi-même, car je suis constamment en train de travailler. Le fait de dépendre d'un tiers ou d'un concepteur pour télécharger les images, les redimensionner et tout le reste ne fait que ralentir le train. Je suis impatient. J'ai fait ce travail aujourd'hui. Je veux qu'il soit sur mon site web aujourd'hui. Je veux que tout le monde le voie parce que je suis impatient et excité. Et Format m'a permis de le faire et de personnaliser les choses aussi, c'était en quelque sorte parfait parce que je connais un peu le codage, assez, et je veux personnaliser les choses juste un peu, assez pour donner l'impression que, d'accord, j'ai ma propre empreinte dessus.
Qu'est-ce qui inspire votre travail en ce moment ? Qu'est-ce qui vous enthousiasme dans votre pratique ? Quels conseils donneriez-vous aux jeunes artistes émergents ?
J'ai vraiment l'impression que le fait d'avoir 40 ans a été l'un de ces chapitres [qui se referment]. Je me suis donc demandé : "Nouveau chapitre, qu'est-ce que je veux faire ? Quelles sont les parties de mon passé que je ne veux pas inclure dans l'avenir ?
Je pense que ce qui m'intéresse vraiment, c'est de sélectionner les moments forts de ma vie jusqu'à aujourd'hui et de me concentrer sur eux. L'IA m'intéresse beaucoup. Je pense qu'elle est extrêmement effrayante, mais c'est un outil étonnant et puissant. S'il est utilisé comme un outil. La technologie a toujours poussé les artistes vers de nouveaux horizons.
Je pense que le conseil à donner à quelqu'un qui commence... est d'être aussi ouvert que possible, parce que je n'imaginais pas que je serais un artiste vivant. Je n'ai jamais pensé que c'était une possibilité, mais je suis ouvert à cette possibilité. Nous y voilà. Ouvert aux autres aussi, ouvert à l'aide, juste un bon soutien à la communauté parce que cela vous revient et que vous êtes soutenu.
Quand j'ai commencé, beaucoup de gens étaient trop cool pour l'école et je ne comprenais pas pourquoi. Je me suis dit que je ne voulais pas être comme ça. Alors je n'étais pas comme ça. Tu as besoin d'aide, je t'aide, tu m'aides. Tu vois ? Le simple fait d'être une personne merveilleuse et charmante peut vous mener loin dans la vie, que vous soyez artiste ou non.
Une dernière chose que je conseillerais aux jeunes, c'est de ne pas s'énerver si les gens ne vibrent pas tout de suite avec ce que vous faites. Je pense toujours à Van Gogh - votre public n'est peut-être pas prêt pour ce que vous faites. J'ai eu des tonnes de travaux qui ont traîné pendant des années et soudain deux personnes les ont voulus, et je me suis dit que c'était le même travail. Vous n'en vouliez pas il y a dix ans, mais maintenant c'est bon, n'est-ce pas ? Il faut parfois faire confiance au long terme.
A Place For Us (œuvre vidéo)
par Alex McLeod
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