Cinématographie : les secrets de "Game of Thrones" avec Robert McLachlan

De l'art à la pellicule en passant par le numérique, le directeur de la photographie Robert McLachlan nous emmène dans les coulisses de la série Game of Thrones de HBO.

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De Game of Thrones à Westworld, directeur de la photographie canadien Robert McLachlanL'imagerie nette de McLachlan apporte une profondeur colorée et discrète à vos émissions de télévision préférées. Ayant grandi avec les photographies et les vidéos personnelles de son père, McLachlan s'est très tôt passionné pour le cinéma et a pris la décision, jeune adulte, d'abandonner une carrière dans le cyclisme pour se consacrer à la cinématographie.

Après avoir créé sa propre société de production à Vancouver, M. McLachlan a tourné des documentaires pour Greenpeace, des publicités et des vidéos d'entreprise avant de décrocher un emploi à l'émission Les Beachcombers en 1988. Le tournage de quelques épisodes de MacGyver et The X-Files La série télévisée du créateur Chris Carter Millénaire dans les années 90, McLachlan travaille aujourd'hui régulièrement sur de grandes séries pour HBO et Showtime.

Elle aborde la dynamique des films épisodiques, l'importance de l'art cinématographique et un regard de l'intérieur sur ce qui fait le succès de l'Europe. Game of Thrones Le succès est tel que Format s'est entretenu avec McLachlan pour savoir comment il est arrivé là où il est aujourd'hui.

Format : Vous travaillez sur toutes ces séries de premier ordre, dont certaines ont des esthétiques très différentes. Westworldpar exemple, est tourné sur pellicule et utilise principalement des effets pratiques, tandis que Game of Thrones est tourné sur le Alexa et utilise beaucoup d'images de synthèse. Comment cela a-t-il influencé votre approche de chaque émission ?

Robert McLachlan : Tout d'abord, la grande différence entre le numérique et le film est que le numérique est beaucoup plus sensible à la lumière que le cinéma. Faire WestworldAprès cinq ans sans tourner de film, les exigences en matière d'éclairage étaient beaucoup plus élevées que ce que j'avais l'habitude de faire. La sophistication et l'œil du spectateur ont été tellement gâtés par les images de synthèse et les caméras qui peuvent creuser plus profondément dans les ombres. Westworld d'une manière qui ne soit pas ridicule.

Par exemple, et ce n'est pas une critique à leur égard, en Danse avec les loups lorsque Kevin Costner se trouve dans la prairie, ils ont éclairé autant qu'ils le pouvaient, mais à un certain moment, la lumière est tombée dans l'obscurité et a semblé un peu fausse et théâtrale. Nous avons dû tourner des choses similaires sur WestworldMais au lieu de revenir à la façon dont ils avaient l'habitude de faire les choses, nous avons utilisé des quantités massives de lumière pour baigner correctement la prairie pendant la nuit.

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Tournage sur le plateau de Westworld via Art Spirit Village

Je ne suis pas sûr qu'il y ait un avantage énorme à tournage sur pelliculeMais il est très beau et il pardonne beaucoup. Surtout lorsque vous ne pouvez pas vous permettre de faire un transfert complet en 4K ou 6K, ce que la pellicule est parfaitement capable de faire, mais c'est extrêmement coûteux. Lorsque l'on prend un film capable de fonctionner en 6K et que l'on fait des transferts en 2K, je ne vois pas très bien quel est l'avantage.

Cependant, le responsable de l'émission sur WestworldJonathan Nolan et, d'après ce que j'ai lu, son frère Christopher Nolan, soutiendraient qu'il y a des avantages philosophiques à tourner sur pellicule. Beaucoup de réalisateurs d'épisodes sont devenus paresseux parce que le numérique est si bon marché. Ils se contentent de faire tourner la caméra, de dire à tout le monde de revenir en première position et de répéter sans couper pour gagner une minute ou deux. Ce n'est pas très bon pour le réalisation de filmsMême avec les acteurs et l'équipe les plus disciplinés et les plus professionnels. Avec le cinéma, tout le monde sait que chaque seconde de tournage coûte très cher. Cela incite vraiment tout le monde à donner le meilleur de lui-même. Je pense que cela a un effet subtil sur le produit fini, mais la pellicule a certainement ses inconvénients.

À la télévision, les réalisateurs sont parfois considérés comme des artisans (c'est-à-dire que leur travail consiste à maintenir le ton d'une émission), alors que les réalisateurs de cinéma sont souvent considérés comme les auteurs du ton de leur film. Votre rôle de directeur de la photographie s'inscrit-il dans cette dichotomie ?

Dans les séries, je ne dirais même pas que les réalisateurs sont des artisans. Les producteurs, qui sont également les scénaristes en chef, contrôlent très largement leur émission. Lorsque vous commencez un épisode, qu'il s'agisse d'un feuilleton procédural pour CBS ou d'une série télévisée pour l'Union européenne, les producteurs ont le contrôle de leur émission. Ray DonovanDans le cas d'une série, il sera très clairement indiqué aux nouveaux réalisateurs quelle est l'intention du thème et ce que le producteur attend. Si le directeur de la photographie filme chaque épisode, il prépare également la série de cette manière. Quoi qu'il en soit, c'est au directeur de la photographie qu'il incombe, plus qu'à quiconque, de veiller à la cohérence visuelle.

Sur Game of Thrones Normalement, il y a environ cinq directeurs de la photographie. Au début de la saison, nous recevons tous des iPads avec des graphiques d'images organisés par décor et par lieu pour les dernières saisons, afin que nous puissions voir comment chaque décor a été traité et quels types de contraste et de filtrage ont été utilisés. Il y a toujours une marge d'interprétation, mais nous connaissons bien la série et ces images fixes sont un très bon raccourci visuel.

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Photo de Game of Thrones avec l'aimable autorisation de HBO

Comment utilisez-vous la marge de manœuvre créative dont vous disposez ?

Dans l'un des épisodes les plus récents, "EastwatchJ'ai été le dernier à tourner une scène dans la chambre de Cersei. Il y avait un balcon fermé derrière un treillis, et le seul arrière-plan derrière ce treillis était une immense feuille de bleu ciel, qui n'avait aucun caractère. La dernière fois que j'ai filmé la chambre, j'ai simplement fait sauter le treillis pour que l'on ait l'impression d'un ciel blanc et chaud à l'extérieur. Cette fois, je voulais ajouter plus de texture. Le fait que Jaime transmette à Cersei cette information sur la nature changeante de la guerre semblait être l'équivalent d'assister au largage de la bombe A sous la forme d'un dragon. Je voulais que l'on ait l'impression que le soleil se couchait sur l'empire Lannister, et que cela corresponde à l'heure du jour dans le scénario. J'ai placé une lampe de 5 000 watts - qui n'est pas très puissante selon nos critères - dans le plan, juste à l'extérieur du treillis. Je l'ai aidée avec quelques autres lumières et j'ai ajouté suffisamment de fumée et d'atmosphère pour dissimuler le stand que je n'avais pas eu le temps de cacher. Vous avez toujours une marge de manœuvre et, heureusement, la créativité est récompensée dans le cadre de l'exposition. Game of Thrones.

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Si l'on revient au début de votre carrière, pourquoi avez-vous décidé d'abandonner une carrière de cycliste couronnée de succès pour vous lancer dans la réalisation de films ?

Disons simplement qu'il s'agit d'un prometteur carrière. Il n'était pas vraiment possible de gagner sa vie en tant que cycliste à Vancouver pendant ces années-là. À cet âge, il y a beaucoup de pression pour décider ce que l'on veut faire, où l'on veut aller à l'école, ce que l'on veut étudier. Mon père était un peu bohème, illustrateur, peintre, cinéaste amateur et photographe, et j'ai donc eu accès à tout cela dès mon plus jeune âge. J'aimais faire des petits films, j'aimais la photographie, j'aimais aller dans la chambre noire et j'aimais aller au cinéma. Lorsque je me suis posé la question "Qu'est-ce que j'aime et comment vais-je pouvoir en vivre ? choisir était la partie la plus facile. La partie la plus difficile a été de m'y tenir pendant des années vraiment difficiles et minces. J'ai eu au moins trente ans avant de commencer à récolter un véritable confort ou des récompenses financières grâce à mon travail. Mais j'ai pu continuer à le faire dans des circonstances moins qu'idéales parce que j'aimais vraiment ça.

Ce sont des paroles réconfortantes ! Lorsque vous avez débuté en tant que DP, aviez-vous une vision précise de l'endroit où vous vouliez arriver plus tard dans votre carrière ?

Au fond de ma tête se cachait un objectif que je ne pouvais certainement pas exprimer à voix haute par peur du ridicule et que je pouvais à peine m'avouer à moi-même par peur de l'autodérision, à savoir faire exactement ce que je fais aujourd'hui : tourner de grands films et des productions telles que Game of Thrones. Bien sûr, lorsqu'il n'y a absolument aucune chance que cela se produise un jour, et que vous vous retrouvez à tourner des publicités pour des pizzerias locales juste pour vous entraîner à l'éclairage et à la prise de vue, un tel objectif est assez difficile à admettre. Le cyclisme m'a appris une chose : si vous travaillez suffisamment dur, que vous restez concentré et que vous avez un objectif clairement défini, il sera probablement possible de l'atteindre. Je retire ce que j'ai dit, c'est est sera réalisable.

Aviez-vous une stratégie pour y parvenir ?

Lorsque j'ai commencé à Vancouver en réalisant des documentaires pour Greenpeace, des films de formation, des films de marketing, un long métrage à très petit budget et quelques petites fictions, je mettais mon dix mille heures.

J'ai créé une société de production, Omni Film Productions, sans véritable plan d'affaires, si ce n'est qu'il était plus facile de convaincre quelqu'un de me laisser réaliser un film de marketing et de m'engager comme caméraman que de le convaincre de m'engager comme caméraman. Puis la production cinématographique américaine a découvert que le dollar canadien était bon marché et que Vancouver était un lieu de tournage idéal, ce qui a entraîné une explosion de l'activité cinématographique. Après avoir réalisé une petite série emblématique intitulée Les BeachcombersJ'ai été embauché pour la deuxième unité, puis la première unité, sur l'une des plus grandes émissions télévisées de l'époque, MacGyver. Les productions américaines recherchaient des directeurs de la photographie locaux pour ne pas avoir à délocaliser des Américains au Canada et à payer tous ces frais supplémentaires, et il y avait ce jeune local qui avait l'expérience.

Parce que je me suis investi dès que j'ai eu ma chance, non seulement je n'ai pas raté mon coup, mais j'ai plutôt bien réussi. À la fin de la première émission syndicale à laquelle j'ai participé en tant que caméraman, j'étais le directeur de la photographie de l'émission. Je crois que j'avais 31 ans.

Bien qu'il semble y avoir moins d'obstacles technologiques pour devenir directeur de la photographie de nos jours, beaucoup affirment qu'il faut toujours avoir accès à un équipement haut de gamme pour réaliser un excellent produit. Qu'en pensez-vous ?

Le grand avantage d'aujourd'hui, c'est qu'il ne coûte pas une fortune à filmer. À l'époque, j'avais une caméra 16 mm. Une bobine de film se transférait en dix minutes environ, et le temps de l'acheter et de la développer, il fallait compter environ $100. C'était beaucoup d'argent. Vous aviez donc vraiment besoin de quelqu'un pour vous financer, même s'il s'agissait de la chaîne locale de pizzerias. Aujourd'hui, les médias que vous enregistrez ne coûtent rien, et vous n'avez pas besoin d'une Alexa ou d'une Rouge pour exercer votre métier.

Mon conseil aux jeunes qui veulent devenir directeurs de la photographie est le suivant : premièrement, d'après ce que je sais, la plupart des écoles de cinéma sont nulles. Les programmes ne sont pas enseignés par des personnes qui ont travaillé dans les tranchées et qui ont fait le métier. Je sais qu'il y a des exceptions, et je m'en excuse auprès d'eux, mais à mon avis, rien ne remplace le fait de sortir et de tourner si l'on veut devenir directeur de la photographie.

Il peut même être très utile de s'entraîner à corriger les couleurs d'images fixes dans Lightroom ou Photoshop. Vous pouvez vous familiariser avec tout l'aspect technique des choses sans avoir besoin d'un équipement sophistiqué. C'est très important, car vous ne pouvez pas penser à ces choses lorsque vous devez soudainement gérer un département caméra de 25 personnes. Si vous avez des compétences en matière de résolution de conflits et de patience, c'est également très utile.

Aujourd'hui, les caméramans d'Hollywood ont pour référence le cinéma et la télévision. Mais en termes de composition, si vous voulez être directeur de la photographie, tout commence par les beaux-arts. Des gens comme Gordon Willis Il n'y a rien de nouveau sous le soleil, mais si vous vous imprégnez du travail des maîtres de l'art, vous produirez de bien meilleures images que si vos références sont les mêmes. La guerre des étoiles et L'île de Gilligan.

Il y a quelques mois, j'ai donné une conférence sur la photographie de Ray Donovan au ASC clubhouse. J'avais une salle remplie de directeurs de la photographie et d'étudiants, et utiliser les beaux-arts comme référence était un concept totalement nouveau pour eux. Certains n'avaient jamais entendu parler des peintres les plus célèbres de l'histoire. J'adore travailler avec des caméramans européens parce qu'ils ont tous grandi en étant traînés à la National Gallery, au musée d'Orsay ou au Louvre. Lors d'une Game of Thrones séquence dans un pré avec une charrette en panne, j'ai dit au caméraman : "Dave, je veux que ce plan d'ensemble soit un plan d'ensemble". John Constable.' Je pourrais dire cela à n'importe quel caméraman d'Hollywood - et probablement aussi de Vancouver ou de Toronto - et il n'aurait pas la moindre idée de ce dont je parle. Mais Dave a dit : "Ah oui, "The Hay Wain"", et il l'a encadré exactement comme la peinture.

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John Constable, "La chaîne à foin", 1821. Huile sur toile

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J. M. W. Turner, "Le Temeraire combattant", 1839. Huile sur toile

Y a-t-il une peinture en particulier que vous avez utilisée comme référence pour une scène particulière ?

Pour la scène du coucher de soleil dans "Eastwatch", où j'ai placé la lumière au cœur du plan, nous avons utilisé des peintures célèbres de J.M.W. Turner, comme "The Fighting Temeraire". J'ai également regardé des peintures de genre de David Teniers et d'Adriaen Brouwer. Leurs œuvres dépeignent des intérieurs lugubres où seule la lumière d'une fenêtre entre. Ils n'ont pas peur de l'obscurité. Les grands artistes, depuis De Vinci, sans parler de Rembrandt, n'avaient pas peur de la silhouette. C'est très utile pour comprendre comment utiliser l'atmosphère pour mélanger la lumière et créer plus de profondeur dans la prise de vue.

Sachant ce que vous savez aujourd'hui, à ce stade de votre carrière, suggéreriez-vous des techniques sophistiquées aux directeurs de la photographie travaillant sur des productions à petit budget pour réaliser quelque chose d'extraordinaire sans disposer d'un gros budget ?

En 1992, j'ai réalisé un petit film intitulé Impolitesse avec un réalisateur nommé David Hauka. Nous n'avions qu'un demi-million de dollars pour le réaliser, mais nous avons réussi à faire venir Christopher Plummer pour quelques jours afin qu'il joue un petit rôle. Nous n'avions pas beaucoup d'équipement - Panavision nous prêtait essentiellement un boîtier, un zoom et quelques chargeurs. Le scénario était astucieux, mais ce que nous avions de mieux, c'était le temps dont nous disposions pour planifier. Le film a remporté un CSC Cette année-là, le film a reçu le prix de la meilleure cinématographie théâtrale, et ce parce que nous avons pu planifier à l'avance le moment de la journée et l'endroit où nous allions filmer chaque scène. Nous nous sommes entraînés et avons choisi nos heures de tournage afin d'utiliser au maximum la lumière naturelle et d'obtenir un résultat aussi beau que possible. De cette manière, nous avons pu obtenir la meilleure qualité visuelle avec un équipement minimal.

La planification et le repérage sont plus faciles aujourd'hui grâce à des applications telles que Artémis pour vous indiquer où sera le soleil à une heure précise le jour du tournage. Dans l'épisode "La danse des dragons" de Game of ThronesNous avions trois ou quatre jours pour tourner et nous savions que nous devions travailler incroyablement vite. Je parle de plus de quatre-vingts réglages, des jours où le soleil se lève à 8 h 30 et se couche à 17 h 30.

Cette séquence est fantastique parce que nous avons planifié nos journées plan par plan en fonction de la position du soleil. Si vous regardez le film, presque tous les plans sont à contre-jour ou sous une canopée, ce qui signifie que dès que vous pouviez déplacer la caméra et la pointer, nous étions prêts à partir. C'est quelque chose que tout le monde peut faire.

Comment s'est déroulé le tournage d'"Eastwatch" ?

Lorsque nous avons reçu les scripts de la septième saison, nous avons tous préféré "Eastwatch". Après avoir réalisé tant de grandes séquences d'action avec d'importants éléments en images de synthèse dans la série Game of ThronesJ'attendais avec impatience les scènes simples d'"Eastwatch", comme celle où Tyrion et Jaime se trouvent dans les catacombes. Nous nous sommes tous inspirés de ce lieu, un ancien chantier naval de l'Armada espagnole vieux de 700 ans, situé à Séville, en Espagne. Il s'agissait simplement de parsemer quelques lumières pour lui donner un peu de profondeur et de mystère. La mise en place était très simple entre les deux acteurs, l'écriture était sublime, le jeu des acteurs était exceptionnel - c'est une journée très satisfaisante pour un directeur de la photographie.

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*Rapport complémentaire de Benjamin Tersigni/Image de tête via [HBOWatch](http://hbowatch.com/where-was-game-of-thrones-filmed/)*

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