Les musiciens sont connus pour être des personnes créatives et, sans surprise, cette créativité s'étend souvent au-delà de leur musique. Plus précisément, de nombreux musiciens sont également des artistes au-delà de leurs obligations de tournée et d'enregistrement.
La musique et l'art sont des activités créatives complémentaires qui peuvent aider les musiciens à payer leurs factures, à éviter les coûts de production (pourquoi embaucher quelqu'un pour la pochette de l'album et le merchandising quand on peut le faire soi-même ?
Nous nous sommes entretenus avec cinq musiciens qui, en plus de leur vie musicale, dirigent des entreprises de design prospères et exposent dans des salons prestigieux. Sean Yseult, de White Zombie, conçoit des écharpes à motifs qui se vendent chez Henri Bendel, Jay Ferguson, de Sloan, réalise la pochette de son prochain album, l'auteur-compositeur-interprète (Le faire venir en Grèce, Walk Hard : L'histoire de Dewey Cox) Dan Bern réalise des portraits et des paysages, Kurt Ralske, auteur-compositeur (Ultra Vivd Scene), a exposé ses installations vidéo à la Biennale de Venise et Liz Degen, batteuse, dirige une entreprise de photographie indépendante prospère.
Nous avons voulu savoir quels étaient les défis d'une vie créative pluridisciplinaire. Est-il possible d'accorder la même attention à chaque carrière créative ? Et qu'est-ce qui passe en premier : la musique ou l'art ?
Sean Yseult, White Zombie
Pendant ses études à la Parsons School of Design, Yseult a cofondé le légendaire groupe de métal White Zombie. Elle joue actuellement de la basse dans le groupe Star & Dagger tout en gérant une boutique de foulards à motifs graphiques sous le nom d'Yseult Designs.
En fait, [la musique et l'art] ont été entremêlés toute ma vie. À l'âge de cinq ans, j'étudiais le piano mais je faisais des dessins complexes qui ressemblent beaucoup à mes écharpes d'aujourd'hui. Lorsque j'étudiais l'art et la photographie à la North Carolina School of the Arts, je me réfugiais dans les salles de musique pour jouer du piano et composer. Puis, alors que j'étudiais à Parsons, mes camarades étudiants en art et moi-même avons créé le groupe White Zombie. Ils sont synonymes pour moi.
Jusqu'à présent, dans ma vie, la musique a surtout été le fruit d'une collaboration. Même si j'aime cela, c'est tellement libérateur de créer une image et de ne pas avoir à la faire dépendre d'une décision de groupe. Il y a un certain sentiment d'accomplissement lorsque vous avez tout fait vous-même, du début à la fin.
Mon travail a un ton sous-jacent de noirceur et de beauté, qu'il soit obsédant, débauché ou humoristique. Je suis attiré par des choses que certains trouvent un peu bizarres, mais le résultat final est une image que je trouve belle. J'ai tout photographié, du demi-monde à un autel de crânes humains - ils ont tous leur place dans mon univers.
Jay Ferguson, Sloan
Ferguson est l'un des quatre membres du groupe Sloan, un groupe de rock canadien lauréat d'un prix Juno qui s'est formé en 1991. Il participe à la conception de la pochette des albums et lui et son coéquipier Chris Murphy ont réalisé la pochette du coffret de l'album classique de Sloan "One Chord To Another", qui vient de sortir.
J'ai grandi en étant un grand fan non seulement de musique, mais aussi de pochettes de disques et de design d'albums, peut-être parce que j'ai travaillé dans un magasin de disques d'occasion à partir de l'âge de 12 ans. Dans notre groupe, nous avons deux étudiants en école d'art, et je ne suis pas l'un d'entre eux. Il est donc logique que nous ayons toujours été intéressés par la façon dont nous étions représentés. Pas seulement pour les pochettes d'album, mais aussi pour les vidéos, les affiches et la publicité.
Je pense vraiment que les disques vinyles de 12 pouces sont ma plateforme artistique préférée. J'aime l'association de la musique, des matériaux imprimés, du design et de la photographie. Le choix du papier, la conception de la pochette, les encarts, les étiquettes, le gatefold - comment combiner et relier tous les éléments pour créer une œuvre unifiée - tout cela est très satisfaisant, surtout lorsque vous avez le sentiment d'avoir fait un grand disque et que vous souhaitez créer un bel emballage pour l'entourer.
Pour notre dernier double LP Commonwealth, je voulais créer une pochette gatefold qui soit un collage d'éléments photographiés au format 12″ x 24″, sans "photoshoppery". Elle était centrée sur des cartes à jouer illustrées par Steve Manale. J'ai pris tous les éléments et j'ai créé le collage. Conformément au principe "pas de Photoshop", j'ai fait imprimer un bouton avec le titre de l'album et les titres des chansons sur papier et je l'ai attaché à une carte-cassette pour que tous ces détails puissent être ajoutés au collage proprement dit. La pochette de l'album n'a été photographiée qu'une seule fois.
Chaque élément de l'album - musique, illustration, photographie - devrait être traité avec le même niveau d'attention et de soin, mais ce n'est que ma préférence et mon opinion ! Lorsque tout s'emboîte, on obtient une œuvre d'art du 20e siècle de grande qualité.
Dan Bern, auteur-compositeur-interprète
Bern est un auteur-compositeur-interprète qui a également écrit des chansons pour toute une série de films, dont "Get Him To The Greek", "Drones" et "Walk Hard : The Dewey Cox Story". Il est également un peintre reconnu.
En 1998, j'ai eu l'occasion de peindre une chambre d'hôtel dans un hôtel d'artistes très cool à New York. Je me suis dit que j'allais rester quelques semaines et peindre quelque chose. Je suis resté huit mois et je n'ai jamais cessé de peindre depuis. C'est aussi important pour moi que ma musique.
J'aime le fait que ce soit en dehors du domaine des mots, du langage. J'aime la couleur, l'odeur de la peinture, la concentration, tout. La musique est intéressante en ce sens qu'elle est ineffable, qu'elle flotte dans l'air. Mais une peinture, quand vous vous éloignez, elle est toujours là. C'est comme un miracle pour moi lorsque je regarde quelque chose et que cela commence à apparaître sur la toile. Je ne sais toujours pas comment cela se produit.
Je peins surtout des portraits ou des paysages. J'aime regarder quelque chose pendant longtemps, y revenir et y voir quelque chose de nouveau à chaque fois. Il y a quelques années, au Nouveau Mexique, j'ai peint le même vieux château d'eau une centaine de fois. Je ne sais pas si l'on peut faire la même chose avec une chanson. Bien que beaucoup de mes chansons soient en sol, c'est peut-être la même chose.
Kurt Ralske, auteur-compositeur-interprète
Ralske était la voix et l'auteur-compositeur de Ultra Vivid Scene, un groupe de 4AD, et continue à faire de la musique à l'aide d'ordinateurs. Il est un artiste qui a fait l'objet d'expositions internationales (Biennale de Venise, Guggenheim Bilbao) et est directeur du département de l'école du musée des beaux-arts de Boston.
J'ai toujours été obsédée par la musique et l'art. J'ai choisi de me concentrer principalement sur la musique lorsque j'étais assez jeune, parce que la musique offrait une gratification plus immédiate. Elle me semblait plus directe, plus cathartique. De plus, il y avait des musiciens dans ma famille, mais pas d'artistes.
Mais l'art n'a pas cessé d'être une activité secondaire. C'était quelque chose de sporadique, quand j'en avais besoin. Adolescent, j'allais voir des galeries et des projections de films expérimentaux à New York, à Soho, dans l'East Village, au MoMA. Dans la vingtaine, lorsque mon groupe était en tournée, j'allais toujours dans les musées de la ville où je me trouvais.
Lorsque vous créez une œuvre d'art, vous avez l'impression qu'il s'agit d'une déclaration qui peut durer longtemps. La musique meurt dès que l'instrument est posé. C'est peut-être parce que la musique est si éphémère qu'elle n'est généralement pas considérée avec sérieux, comme l'est l'art. Une autre différence entre l'art et la musique est que la création artistique est généralement une activité solitaire. Je pense qu'un artiste solitaire peut faire de la bonne musique, mais la vraie grande musique nécessite un groupe.
La meilleure chose que la musique et l'art puissent faire est d'amener le spectateur à sortir des sentiers battus. La musique et l'art décrivent une manière différente de penser ou de sentir. Ils décrivent une autre forme de vie. Le spectateur envisage ces autres possibilités et repart avec une nouvelle façon d'envisager sa vie actuelle.
Peut-être que ces nouvelles perspectives modifient les espoirs, les objectifs et les valeurs du spectateur. La musique et l'art que j'aime le font pour moi. J'ai essayé de faire en sorte que ma musique et mon art le fassent pour d'autres personnes, même si, bien sûr, c'est très difficile.
Liz Degen, batteuse/photographe
Degen est une batteuse de Long Island qui est passée de l'autre côté de l'industrie musicale en tant que graphiste indépendante et interne. Elle a étudié à l'Institut de technologie de la mode et s'attaque également à la conception de sites web et à la photographie.
J'ai été une artiste toute ma vie. J'ai joué de la flûte de l'école primaire au lycée. À l'âge de 17 ans, ma mère a acheté une batterie pour mon frère et je n'ai pas tardé à la réclamer en partie pour moi. Mon frère et moi avons commencé à improviser et à écrire de la musique ensemble, et nous avons fini par former notre propre groupe.
En tant qu'étudiante en illustration à la FIT, j'ai étudié le dessin, la peinture, le graphisme et la photographie. Lorsque j'ai réalisé que je pouvais créer mes propres illustrations pour mon groupe, mon univers s'est soudain élargi. J'ai commencé à créer des t-shirts, des flyers et des pochettes de CD, non seulement pour mon propre groupe, mais aussi pour des groupes locaux de tout Long Island.
L'art et la musique ont tellement en commun la façon dont nous pouvons les créer et les apprécier, que ce soit individuellement ou en groupe. Mon art numérique et traditionnel capture ma personnalité sans même que j'essaie de le faire. Parfois, c'est le travail au trait, parfois les couleurs vives, parfois la texture.
La musique m'a vraiment façonné en tant que designer, et je pense que quel que soit le genre de design dans lequel je finirai par tomber, je trouverai toujours du réconfort dans mes racines rock n' roll.
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