J'ai une affinité pour Madrid depuis que j'y ai atterri pour la première fois il y a deux ans. C'est une ville vraiment étonnante, pleine d'énergie, de culture, d'art, de bonne cuisine et, bien sûr, de vin. Madrid a été mon introduction à l'Espagne, où je vis aujourd'hui. Je n'avais pas l'intention de vivre dans ce pays lorsque je suis arrivée pour une résidence d'artiste en mai 2017, mais j'ai immédiatement eu un étrange sentiment d'appartenance à mon arrivée. Je suis tombée amoureuse de la vie ici et je me suis rapidement retrouvée à faire d'énormes changements pour pouvoir déménager à Grenade, en Espagne, pour une durée indéterminée. PHotoEspaña m'a ramenée à Madrid et ce fut un plaisir de revisiter l'endroit où ma vie en Espagne a commencé. Madrid m'a semblé à la fois nouvelle et familière, les souvenirs se mêlant aux nouvelles expériences du festival. Tout au long du festival, les thèmes du dejá vú, de l'étrange, de la dualité et de la répétition n'ont cessé de resurgir.
L'exemple le plus marquant est Susan BrightDejá Vú, le projet curatorial de la Commission européenne, consiste en cinq expositions dans trois lieux différents : The Discrete Channel with Noise by Clare StrandTerrain de jeux par Elina BrotherusL'autre chapitre par Délio Jasse, tous hébergés au Fernán Gómez Cultural de la Villa; Photographie et Air par Patrick Pound à l'occasion de l'exposition Musée Lazaro Galdiano; et Double prise par Sharon Core et Laura Letinsky, situé à l'adresse Musée du romantisme.
Dejá Vú, sous la direction de Susan Bright
J'ai visité les trois expositions au Fernán Gómez Cultural de la Villa. Les expositions de Brotherus, Strand et Jasse s'accordent à merveille dans cet espace.
En descendant les escaliers, nous sommes entrés dans l'exposition Playground d'Elina Brotherus. Les photographies à grande échelle présentées sur des murs colorés suscitent un sentiment d'amusement immédiat.
Playground présente des photos et des vidéos inspirées par les "Event Scores" du mouvement Fluxus. Le mouvement Fluxus était un groupe d'artistes peu organisé, présent dans le monde entier, dont l'objectif était de détruire la frontière entre la vie et l'art. À l'instar du dadaïsme, ils utilisaient souvent l'humour pour priver de pouvoir l'élitisme artistique défendu par les musées. Ils pensent qu'il n'est pas nécessaire d'avoir une formation artistique pour créer ou apprécier l'art. Dans la tradition Fluxus, les Event Scores sont de courtes instructions écrites, qui peuvent être suivies par n'importe qui afin de créer un acte artistique.
À l'aide d'une variété d'Event Scores de différents artistes Fluxus, Brotherus a créé des images et des vidéos de ces instructions suivies. Par exemple, dans sa pièce Flux Harpsichord Concert, on voit l'image d'un chien de race wiener sur un piano, alors que Brotherus suit la partition de George Makiunas : 12 compositions pour piano - pour Nam June Paik, Composition no.5 : Place a dog or a cat (or both) inside a piano and play Chopin, 1962. La réimagination par Brotherus de ce mouvement artistique des années 1960 est faite de manière contemporaine, réunissant des concepts familiers avec une étincelle d'aujourd'hui. J'ai toujours été fan du mouvement Fluxus et de son utilisation de l'absurde pour soulever de grandes questions sur ce qu'est l'art, ce que l'art peut être et qui peut être un artiste. Playground poursuit cette tradition en remettant en question la paternité et la répétition à travers une grande variété d'images humoristiques, belles, absurdes et touchantes.
L'exposition The Other Chapter de Délio Jasse commence par une boîte de diapositives qu'il a trouvée dans un marché aux puces de Lisbonne. Il a agrandi les images et les a modifiées, dissimulant leur identité en sérigraphiant des informations tirées de documents officiels. L'exposition suit le parcours de deux familles portugaises vivant au Mozambique et en Angola dans l'Afrique coloniale. Il montre la vie domestique de ces familles et la manière dont elles semblent recréer leur vie en Europe, en effaçant la culture africaine de leur vie quotidienne dans ces pays africains colonisés. L'autre chapitre traite de l'expérience personnelle, de la mémoire et de l'identité dans le cadre d'un discours politique plus vaste.
L'exposition The Discrete Channel with Noise de Clare Strand examine la communication, en particulier ce qui se passe lorsque nous interprétons mal ou réinterprétons les messages que nous recevons. Dans une exposition qui comprend des photographies, des peintures, des projections, des graphiques et des objets, elle illustre magnifiquement l'acte de communication, avec ses défauts et tout ce qu'il comporte.
Ce projet a été réalisé pendant que Strand était en résidence d'artiste, avec l'aide de son mari Gordon MacDonald, même s'ils étaient physiquement séparés. Des photographies ont été sélectionnées et une grille a été dessinée sur chacune d'entre elles. Les carrés gris à l'intérieur de la grille ont ensuite été numérotés de un à neuf (un étant blanc, neuf étant noir, et les nombres intermédiaires étant des nuances de gris correspondantes). Strand a ensuite recréé la grille sur la toile. Son mari lui a lu les numéros au téléphone depuis leur domicile, tandis qu'elle remplissait les carrés de la toile avec la nuance de gris correspondant au numéro.
Grâce au langage des niveaux de gris, traduit par des chiffres et des carrés et communiqué par téléphone, une reproduction de la photographie a ensuite été créée sur la toile avec de la peinture grise. C'est une illustration poétique de la différence entre les deux réalités de ce que nous essayons de communiquer et de ce qui est réellement communiqué. Il y a toujours une rupture, un changement de forme qui se produit lorsqu'une idée quitte l'esprit d'une personne pour entrer dans celui d'une autre. La division ou le dédoublement qui se produit est inévitable.
Ayant appris l'espagnol après avoir déménagé en Espagne, je me reconnais tout à fait dans cette émission. Nous créons des systèmes de langues avec les meilleures intentions du monde et nous essayons de communiquer les uns avec les autres de tant de manières différentes. Qu'il s'agisse de mots, de gestes, de dessins ou de Google translate, ce qui est dit n'est jamais exactement la même chose que ce qui est entendu. Strand incarne cette vérité : la différence indéniable entre le message envoyé (la photographie originale) et le message reçu (la peinture). Il y a toujours des défauts, des échecs et des frustrations, mais il y a quelque chose de courageux et de beau dans le fait de faire de notre mieux pour nous connecter les uns aux autres et partager nos expériences.
Casa de America, Joel Meyerowitz, Out of Darkness et Diana Markosian, Over the Rainbow
En franchissant le charmant jardin de la Casa de America et en montant la première volée de marches, nous sommes entrés dans l'exposition de Joel Meyerowitz, qui se compose de deux pièces. Out of Darkness est un aperçu émouvant du sud de l'Espagne dans les dernières années de la dictature franquiste. Ces images ont été prises à Málaga, à environ une heure et demie de Granada, où j'habite actuellement, à la fin des années 1960. Étant donné que l'Espagne a connu une dictature jusqu'à la mort de Franco en 1975, cette histoire est encore très proche de la réalité pour ceux qui vivent ici. Les photos de Meyerowitz illustrent le changement qui s'opère en Espagne dans les années 1960. Bien qu'encore sous le régime de Franco, les frontières du pays s'ouvrent et l'afflux de touristes d'Europe du Nord et d'Amérique du Nord permet à l'Espagne d'élargir ses horizons culturels.
La familiarité du paysage et des habitants de l'Andalousie me paraissait presque étrange. Cinquante ans plus tard, je pourrais facilement reconnaître ces personnes et ces lieux de l'endroit où je vis aujourd'hui, en 2019. Les changements politiques qui se sont produits dans cette région au cours de cette période ne pourraient pas être plus importants, mais l'essence de la vie ici reste la même. Profondément marquées par des générations de guerre civile et de dictature, ces photos témoignent de la lumière qui insiste pour briller même à travers les histoires les plus sombres - à la fois par la qualité de la lumière dans les photos et par la lumière qui exsude de ses sujets.
En haut d'une autre volée de marches, nous avons trouvé Diana MarkosianOver the Rainbow. Over the Rainbow documente magnifiquement les quinceañeras à Cuba. Ces fêtes ostentatoires célèbrent l'accession des jeunes filles au statut de femme le jour de leur 15e anniversaire. Même dans le Cuba communiste, l'étalage de richesse lors de ces fêtes est incroyablement important. Des photographes sont engagés et des séances photos élaborées sont organisées, afin de documenter cette journée spéciale pour le reste de la vie des sujets. Ces images offrent une vue sur un fantasme réalisé par ces filles, un second regard qui met en lumière leur vie intérieure et leurs rêves. Pour un jour, ces filles peuvent être une autre version d'elles-mêmes, une vision de richesse et d'hyperféminité. Les photos de Markosian capturent une beauté féroce, entourée de festivités et de communauté, et explosant de lumière et de couleurs. Markosian a réalisé ce projet dans le cadre de la bourse Elliot Erwitt Havana 7, une bourse offerte aux photographes pour créer un ensemble unique d'œuvres qui capturent l'âme de Cuba.
Fundacion MAPFRE, Berenice Abbott, Portraits de la modernité
Accueillis par la conservatrice Estrella de Diego, nous sommes entrés dans le centre MAPFRE et sommes montés au dernier étage pour voir Berenice AbbottL'exposition "Portraits de la modernité" s'ouvre sur un autoportrait déformé et surréaliste datant de 1930. Elle s'ouvre sur un autoportrait déformé et surréaliste datant de 1930, la seule image de l'exposition qui montre clairement qu'elle a appris de Man Ray. Abbott a travaillé comme assistante de Man Ray et a beaucoup appris de cet artiste d'avant-garde, figure de proue du mouvement surréaliste. Tout en conservant les techniques d'impression impeccables qu'elle a apprises de son mentor, le reste de l'exposition montre qu'elle s'éloigne des tendances surréalistes et adopte un style plus documentaire dans son travail. Elle capture la scène homosexuelle à New York et à Paris dans les années 1920 et 1930 avec des portraits d'icônes telles que Janet Flanner. Ses sujets sont pour la plupart des membres des New Women : un groupe de femmes indépendantes cherchant un changement radical dans la politique des genres - Abbott en était également membre. Ces portraits montrent la force et le caractère de ces femmes, souvent dans des tenues et des poses traditionnellement masculines.
La série de portraits est suivie d'une collection de photographies d'architecture à New York. Elle a capturé l'excitation de la modernité à travers les ponts et les gratte-ciel emblématiques, alors qu'ils étaient nouveaux ou venaient d'être construits. Abbott donne vie à la grandeur et à la bravade si caractéristiques de la ville de New York, souvent à partir de perspectives dramatiques qu'il aurait certainement été périlleux de photographier. Juxtaposées à ces images presque festives, des photographies documentent l'autre réalité de New York, celle des sans-abri et des personnes déplacées par la croissance capitaliste rapide de la ville. Elle n'hésite pas à montrer la vérité de la ville : les hauts et les bas, la richesse et la pauvreté. Cette dualité de New York est plus visible aujourd'hui que jamais, la misère côtoyant les plus hauts sommets de la richesse. Revoir l'œuvre de cette femme brillante, c'est constater qu'elle était en avance sur son temps en reconnaissant les vérités contradictoires de New York (et de l'Amérique du Nord) et que très peu de choses ont changé.
Círculo de Bella Artes de Madrid, Donna Ferrato, Holy (lauréate du prix de l'art) Prix PhotoEspana 2019)
Le Círculo de Bella Artes possède un magnifique escalier en colimaçon dès que l'on entre dans le bâtiment. Au bas de cet escalier, nous avons assisté au spectacle le plus émouvant du festival, Donna Ferratos Holy. Depuis 40 ans, elle documente les femmes opprimées par les hommes, qu'il s'agisse de survivantes d'abus domestiques ou de femmes défilant pour leur liberté à New York et à Madrid. Le travail de Mme Ferrato m'a arraché des larmes de colère et m'a fait comprendre que nous devions nous unir et agir maintenant. Depuis des décennies, elle capture la force et la persévérance des femmes dans certaines des pires circonstances, et il est évident qu'elle est absolument livide face à l'absence de changement au fil des ans. Lors d'une discussion sur l'émission, elle s'est montrée très irritée et a exigé que des mesures soient prises. Elle a déploré le fait que les hommes réagissent souvent de manière défensive à ses images et que les femmes blanches soient souvent inactives dans la lutte contre le patriarcat parce qu'elles ne subissent pas les pires formes d'oppression.
Il n'y a pas de doute sur le point qu'elle soulève : nous le voyons tous les jours dans notre société, et nous continuons à voir la même chose, encore et encore. Mme Ferrato est frustrée par cette répétition et par le fait que ses images d'il y a 40 ans ressemblent tant à celles d'aujourd'hui. Les abus se poursuivent, et les conversations avec ses sujets d'aujourd'hui lui donnent un sentiment très troublant de dejá vú, en lui rappelant des conversations d'il y a des décennies. Les photographies sont poignantes et, lorsqu'on les regarde ensemble, le récit de tant d'années de répétition des mêmes problèmes est clair et exige que nous agissions maintenant.
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