Tengo afinidad con Madrid desde que aterricé allí por primera vez hace dos años. Es una ciudad impresionante, llena de energía, cultura, arte, buena comida y, por supuesto, vino. Madrid fue mi introducción a España, donde vivo ahora. No tenía planes de vivir en este país cuando llegué para una residencia artística en mayo de 2017, pero inmediatamente tuve una extraña sensación de pertenencia al llegar. Me enamoré de la vida aquí y pronto me encontré haciendo grandes cambios para poder mudarme a Granada, España, indefinidamente. PHotoEspaña me trajo de vuelta a Madrid y fue un placer volver a visitar el lugar donde comenzó mi vida en España. Madrid me resultó a la vez nueva y familiar, ya que los recuerdos se mezclaron con nuevas experiencias en el festival. A lo largo del festival, los temas del dejá vú, lo extraño, la dualidad y la repetición volvieron a surgir una y otra vez.
El ejemplo más notable es Susan Brightdel proyecto curatorial Dejá Vú, que consta de cinco exposiciones en tres lugares diferentes: El Canal Discreto con Ruido de Clare StrandZona de juegos de Elina BrotherusEl otro capítulo de Délio Jassetodos alojados en el Fernán Gómez Cultural de la Villa; Fotografía y Aire de Patrick Pound en la Museo Lázaro Galdiano; y Double Take de Sharon Core y Laura Letinskysituado en la Museo del Romanticismo.
Dejá Vú, comisariada por Susan Bright
Visité las tres expuestas en el Fernán Gómez Cultural de la Villa. Las exposiciones de Brotherus, Strand y Jasse funcionaban de maravilla en este espacio.
Al bajar las escaleras entramos en la exposición Playground, de Elina Brotherus. Las fotografías a gran escala presentadas en coloridas paredes transmitían una inmediata sensación de diversión.
Playground presenta fotos y vídeos inspirados en los "Event Scores" del movimiento Fluxus. El movimiento Fluxus fue un grupo de artistas de todo el mundo con el objetivo de destruir la frontera entre la vida y el arte. Al igual que el dadaísmo, solían utilizar el humor para restar poder al elitismo artístico que defienden los museos. Creen que uno no necesita una educación en arte para poder crearlo o apreciarlo. Dentro de la tradición Fluxus, las Event Scores son breves instrucciones escritas que cualquier persona puede seguir para crear un acto artístico.
A partir de una serie de partituras de diferentes artistas Fluxus, Brotherus creó imágenes y vídeos en los que se siguen estas instrucciones. Por ejemplo, en su pieza Flux Harpsichord Concert se ve la imagen de un perro salchicha sobre un piano, mientras Brotherus sigue la Event Score de George Makiunas: 12 compositions for piano - for Nam June Paik, Composition no.5: Place a dog or a cat (or both) inside a piano and play Chopin, 1962. La reimaginación que Brotherus hace de este movimiento artístico de los años sesenta se lleva a cabo de una manera contemporánea, aunando conceptos familiares con una chispa actual. Siempre me ha gustado el movimiento Fluxus y su uso del absurdo para plantear grandes preguntas sobre qué es el arte, qué puede ser el arte y quién puede ser artista. Playground continúa esta tradición cuestionando la autoría y la repetición a través de una amplia variedad de imágenes humorísticas, bellas, absurdas y conmovedoras.
A continuación, la exposición de Délio Jasse The Other Chapter comienza con una caja de diapositivas que encontró en un mercadillo de Lisboa. Las imágenes se ampliaron y alteraron, ocultando sus identidades mediante la serigrafía de información procedente de documentos oficiales. La exposición sigue el viaje de dos familias portuguesas que viven en Mozambique y Angola, en el África colonial. Muestra la vida doméstica de estas familias y cómo parecen recrear su vida en Europa, borrando la cultura africana de su vida cotidiana dentro de estos países africanos colonizados. El Otro Capítulo analiza la experiencia personal, la memoria y la identidad dentro de un discurso político más amplio.
El Canal Discreto con Ruido de Clare Strand examina la comunicación, concretamente lo que ocurre cuando malinterpretamos o reinterpretamos los mensajes que recibimos. En una muestra que incluye fotografía, pintura, proyecciones, gráficos y objetos, la artista ilustra maravillosamente el acto de la comunicación, con todos sus defectos.
Este proyecto se ejecutó mientras Strand estaba fuera, en una residencia artística, con la ayuda de su marido Gordon MacDonald, aunque estaban físicamente separados. Se seleccionaron fotografías y se dibujó una cuadrícula en cada una de ellas. A los cuadrados grises de la cuadrícula se les asignó un número del uno al nueve (el uno era el blanco, el nueve el negro y los números intermedios los tonos de gris correspondientes). A continuación, Strand recreó la cuadrícula en el lienzo. Su marido le leía los números por teléfono desde su casa, mientras ella rellenaba los cuadrados del lienzo con el tono de gris correspondiente al número.
A través del lenguaje de la escala de grises, traducido por números y cuadrados y comunicado por teléfono, se creó después una reproducción de la fotografía en el lienzo con pintura gris. Es una ilustración poética de la diferencia entre las dos realidades de lo que intentamos comunicar y lo que realmente se comunica. Siempre hay una ruptura, un cambio de forma que se produce cuando una idea sale de la mente de una persona y entra en la de otra. Se produce un desdoblamiento que es inevitable.
Como alguien que aprendió español después de mudarse a España, me identifico bastante personalmente con este programa. Creamos sistemas lingüísticos con la mejor de las intenciones e intentamos comunicarnos de muchas maneras diferentes. Ya sea con palabras, gestos, dibujos o Google translate, lo que se dice nunca es exactamente lo mismo que lo que se oye. Strand resume esta verdad: la innegable diferencia entre el mensaje enviado (la fotografía original) y el mensaje recibido (el cuadro). Siempre hay fallos, fracasos y frustraciones, pero hay algo valiente y hermoso en el acto de hacer todo lo posible por conectar con los demás y compartir nuestras experiencias.
Casa de América, Joel Meyerowitz, Out of Darkness y Diana Markosian, Over the Rainbow
Atravesando la preciosa entrada ajardinada de la Casa de América y subiendo el primer tramo de escaleras, llegamos a la exposición en dos salas de Joel Meyerowitz. Out of Darkness es una conmovedora mirada al sur de España en los últimos años de la dictadura franquista. Estas imágenes fueron tomadas en Málaga, a una hora y media de Granada, donde vivo ahora, a finales de los años sesenta. Dado que España estuvo bajo una dictadura hasta la muerte de Franco en 1975, esta historia sigue siendo muy cercana para los que vivimos aquí. Las fotos de Meyerowitz muestran el cambio que se estaba produciendo en España en los años sesenta. Aunque todavía bajo el régimen franquista, las fronteras del país se estaban abriendo y la afluencia de turismo procedente del norte de Europa y Norteamérica permitía a España empezar a ampliar sus horizontes culturales.
La familiaridad del paisaje y la gente de Andalucía era casi espeluznante para mí. Cincuenta años después podría reconocer fácilmente a estas personas y lugares desde donde vivo ahora en 2019. Los cambios políticos que se han producido en esta región en ese tiempo no podrían ser mayores, sin embargo, la esencia de la vida aquí sigue siendo la misma. Profundamente afectadas por generaciones de guerra civil y dictadura, estas fotos son testimonio de la luz que insiste en brillar incluso a través de la más oscura de las historias, tanto por la calidad de la luz en las fotos como por la luz que desprenden sus protagonistas.
Subiendo otro tramo de escaleras, encontramos Diana MarkosianOver the Rainbow. Over the Rainbow documenta maravillosamente las quinceañeras en Cuba. Estas ostentosas fiestas celebran que las niñas se convierten en mujeres al cumplir 15 años. Incluso en la Cuba comunista, la ostentación de riqueza en estas fiestas es increíblemente importante. Se contrata a fotógrafos y se organizan elaboradas sesiones fotográficas para documentar este día tan especial durante el resto de la vida de sus protagonistas. Estas imágenes ofrecen una visión de una fantasía hecha realidad para estas chicas, una segunda mirada que saca a la luz sus vidas interiores y sus sueños. Por un día, estas chicas pueden ser otra versión de sí mismas, una visión de riqueza e hiperfeminidad. Las fotos de Markosian captan una belleza feroz, rodeada de fiesta y comunidad, y rebosante de luz y color. Markosian creó este proyecto en el marco de la beca Elliot Erwitt Havana 7, una beca ofrecida a fotógrafos para crear una obra única que capture el alma de Cuba.
Fundación MAPFRE, Berenice Abbott, Retratos de la modernidad
Recibidos por la conservadora Estrella de Diego, entramos en el Centro MAPFRE y subimos a la última planta para ver Berenice AbbottRetratos de la modernidad. Se abre con un autorretrato distorsionado y surrealista de 1930, la única imagen de la exposición que demuestra claramente su aprendizaje de Man Ray. Abbott trabajó como ayudante de Man Ray y aprendió mucho del artista de vanguardia y figura destacada del movimiento surrealista. Manteniendo las impecables técnicas de impresión que aprendió de su mentor, el resto de la muestra demuestra su ruptura con las tendencias surrealistas y su acercamiento a un estilo más documental en su trabajo. Capta la escena queer de Nueva York y París de los años 20 y 30 con retratos de iconos como Janet Flanner. Sus retratadas son en su mayoría miembros de las New Women: un grupo de mujeres independientes que buscaban un cambio radical en la política de género. Estos retratos muestran la fuerza y el carácter de estas mujeres, a menudo con atuendos y poses tradicionalmente masculinos.
Tras la serie de retratos, hay una colección de su trabajo fotografiando la arquitectura de Nueva York. Captó la emoción de la modernidad a través de los icónicos puentes y rascacielos cuando eran nuevos o se acababan de construir. Abbott da vida a la grandeza y bravuconería tan características de la ciudad de Nueva York, a menudo desde perspectivas dramáticas que sin duda habrían sido peligrosas de fotografiar. Yuxtapuestas a estas imágenes casi festivas hay fotografías que documentan la otra realidad de Nueva York: la de los sin techo y la gente desplazada por el rápido crecimiento capitalista de la ciudad. No rehúye mostrar la verdad de la ciudad: altos y bajos, riqueza y pobreza. Esta dualidad de Nueva York es ahora más visible que nunca, con la miseria de la pobreza codeándose con los picos más altos de la riqueza. Revisitar la obra de esta brillante mujer es comprobar que se adelantó a su tiempo reconociendo las contradictorias verdades de Nueva York (y de Norteamérica) y que muy poco ha cambiado.
Círculo de Bellas Artes de Madrid, Donna Ferrato, Holy (ganadora del Premio PhotoEspana 2019)
Nada más entrar, el Círculo de Bellas Artes cuenta con una preciosa escalera de caracol. Al final de esa escalera, nos encontramos con el espectáculo más conmovedor del festival, Donna Ferratos Holy. Durante los últimos 40 años ha documentado a mujeres oprimidas por los hombres, desde supervivientes de abusos domésticos hasta mujeres que marchan por su libertad en Nueva York y Madrid. El trabajo de Ferrato me hizo llorar de rabia y me hizo comprender que tenemos que unirnos y actuar ya. Lleva décadas captando la fuerza y la perseverancia de las mujeres en las peores circunstancias, y es obvio que está absolutamente furiosa por la falta de cambio a lo largo de los años. En un debate sobre el programa, se mostró airada y exigió que se tomaran medidas. Se quejó de que los hombres suelen reaccionar a la defensiva ante sus imágenes y de que las mujeres blancas no suelen luchar contra el patriarcado porque no sufren la peor opresión.
No hay duda de lo que quiere decir: lo vemos todos los días en nuestra sociedad, y seguimos viendo lo mismo una y otra y otra vez. A Ferrato le frustra esta repetición y que sus imágenes de hace 40 años se parezcan tanto a las de hoy. El abuso continúa, y las conversaciones con sus sujetos de hoy le ofrecen una perturbadora sensación de dejá vú, recordando conversaciones de hace décadas. Las fotografías son conmovedoras, y cuando se ven juntas, la narración de tantos años de los mismos problemas que se repiten es clara y exige que actuemos ahora.
¿Quiere más arte y fotografía?
Explorando el poder transformador del diseño en el Madrid Design Festival
6 artistas que arrasaron en la Feria de Arte Independiente
5 galerías que conforman la nueva identidad contemporánea de Barcelona
ES 
EN 
FR 
PT 
