La capacité à capturer le mouvement dans une image fixe est l'un des aspects les plus passionnants de la photographie - et peut-être l'un des plus difficiles à maîtriser. Une combinaison minutieuse des réglages du matériel, de l'expérience, du talent, de la synchronisation, des lois de la physique et d'un peu de chance doit être mise en œuvre pour que la photo de mouvement parfaite devienne une réalité.
Qu'il s'agisse de musique en direct, de danseurs et d'athlètes en pleine action, de voitures dévalant une autoroute ou de linge flottant dans la brise, les sujets en mouvement sont difficiles à capturer. Pour avoir une idée de la façon de capturer des sujets en mouvement, il faut savoir que les sujets en mouvement ne sont pas toujours faciles à capturer. belle photographie d'actionNous avons demandé à quelques maîtres de la photographie axée sur le mouvement de nous donner leurs meilleurs conseils. Les photographes Miki Avila, Diego Texera, Emilie Möri, Arkadiusz Branicki et Greg Gallinger peser dans.
1. Décidez si vous recherchez le réalisme ou l'abstraction
Déterminez si l'image nécessite un instantané net ou un flot plus impressionniste de couleurs et de formes. Les deux peuvent être magnifiques - tout dépend de votre goût personnel et des préférences de votre client. Une lumière faible ou un obturateur lent peuvent créer des lignes plus douces. Cela peut être intéressant lors du suivi d'un point de mouvement étendu ou sinueux, comme les phares sur une route sombre apparaissant comme des traînées jaunes ou le bras d'une danseuse se confondant avec la forme d'un port de bras. Cette technique est particulièrement impressionnante sur pellicule.
Pour figer un mouvement, il faut une puissance élevée et un obturateur rapide. Pensez à un joueur de tennis en plein élan ou à une jupe volumineuse se gonflant dans le vent. Toutes ces images capturent la sensation d'un mouvement saisi avec une énergie tendue.
"Miki Avila, photographe madrilène qui travaille souvent sur des plateaux de tournage, où il est essentiel de capturer des actions rapides, se demande : "Voulons-nous figer le mouvement ou voulons-nous que le mouvement soit ressenti ? Miki Avila a également photographié des athlètes pour Adidas. Il ajoute : "Je pense que le point de départ de tout est la lumière, et la quantité que nous pouvons avoir sur notre scène - naturelle ou avec du matériel d'éclairage."
Greg Gallinger partage une anecdote sur les différentes façons de montrer le mouvement : "J'ai récemment pris une photo d'un homme debout à un passage à niveau, attendant le passage d'un train. J'ai ralenti l'obturateur juste assez pour que le train apparaisse comme une ligne horizontale floue dans la scène, mais l'homme était parfaitement net. Cela donne l'impression que le train passe vraiment en trombe, ce qui n'aurait pas été aussi efficace s'il avait été complètement net". Gallinger est un photographe canadien qui photographie fréquemment des groupes de musique en direct, ainsi que des photos d'action atmosphériques.
2. Attention à l'éclairage
La quantité de lumière qui pénètre dans votre photo a tout à voir avec l'exposition et la clarté, mais vous le saviez déjà. Pour obtenir la photo souhaitée, il est nécessaire de savoir ce que l'éclairage disponible vous permet de capturer et comment manipuler la lumière si vous souhaitez obtenir un certain effet. Ceci étant dit, la composition et la mise au point restent les éléments essentiels.
"Une bonne quantité de watts pour l'éclairage, qu'il s'agisse d'un flash ou d'un éclairage continu, est toujours très utile", explique M. Avila. "Si vous photographiez un projet pour lequel vous devez vous déplacer et résoudre des problèmes rapidement, l'utilisation d'une plus grande ouverture vous permettra d'obtenir une meilleure netteté."
"Le meilleur atout pour figer le mouvement est la lumière", explique Diego Texera. "Il est impossible de photographier des objets en mouvement rapide sans lumière. Texera est un photographe basé à Miami qui a pris des photos pleines d'action pour des entreprises telles que le Cirque du Soleil et Gatorade.
3. Mise en scène
Si vous vous préparez pour un client, faites vos devoirs. Déterminez ce que vous voulez obtenir et ce qu'il faut éviter. Planifiez la scène en tenant compte des mouvements afin de mieux contrôler le résultat. Prenez des photos d'essai une fois arrivé sur le plateau afin d'être à l'aise et prêt à vous adapter au mouvement autour de vous si nécessaire. Il est également utile de connaître votre appareil photo sur le bout des doigts - vous devez être prêt à faire des ajustements rapides.
"Ne vous contentez pas de prendre vos photos, faites-les aussi", conseille Texera. "Prévoyez de tester des angles et d'essayer de nouvelles choses, mais accordez toujours à votre métier le temps et le respect qu'il mérite en vous préparant." M. Gallinger est du même avis : "Dès que j'arrive sur un lieu, je fais quelques essais de prise de vue et j'ajuste mes réglages en conséquence. Pour les concerts, je prends des photos du groupe qui ouvre le bal afin d'évaluer les conditions d'éclairage.
4. Emballage léger
Qu'il s'agisse d'une rue animée ou d'un club bondé, la prise de vue dans un lieu très fréquenté peut s'avérer délicate lorsque l'on transporte une grande quantité de matériel. Déterminez les éléments de base dont vous avez besoin et apprenez à les utiliser à votre avantage.
"Je n'aime pas être encombré pendant la prise de vue, c'est pourquoi je décide à l'avance de l'équipement que j'emporte", explique M. Gallinger. "J'avais l'habitude de porter un sac à bandoulière avec tous mes objectifs, mais aujourd'hui, je change rarement d'objectif au cours d'une prise de vue. J'emporte mes deux appareils photo, l'un avec un objectif grand angle et l'autre avec un objectif plus téléobjectif.
5. Apprenez à connaître vos sujets
Si vous photographiez le corps d'une personne, il est utile de connaître la personne qui se cache derrière. En étant conscient de la personnalité de votre sujet, vous rendrez l'image dynamique et unique. La communication est essentielle. Si votre sujet est à l'aise, cela se verra dans l'image.
"Chaque modèle m'apprend quelque chose de nouveau", explique M. Branicki. Lors d'une séance de ballet, j'essayais d'expliquer une figure compliquée et la femme m'a interrompu en disant : "Ne m'expliquez pas, je suis une danseuse. Montrez-moi ce qu'il faut faire, je le ferai et vous direz que c'est parfait. Je l'admire pour cela".
6. Les accessoires sont essentiels
Utilisez des accessoires créatifs pour rendre le mouvement tangible. En étant capable de voir l'effet d'entraînement de la façon dont le mouvement circule non seulement à travers le corps, mais aussi à travers un objet de soutien, le spectateur a une meilleure idée du mouvement représenté.
"J'utilise tous les éléments dont je dispose, mon imagination, ma télécommande et le montage sur Photoshop pour obtenir un résultat qui se rapproche le plus de mon objectif", explique Émilie Möri. Basée en France, Emilie Möri crée des photographies d'art uniques, axées sur le mouvement. "L'utilisation des mouvements du corps humain et des cheveux donne un côté dynamique à mes photographies", ajoute-t-elle.
7. Comprendre le corps
Comprendre les mouvements de la structure du squelette, la façon dont les impulsions se propagent dans le corps et les moments précis de décollage pour les sauts est essentiel pour capturer des athlètes rapides, des danseurs énergiques, des mannequins expressifs et des musiciens frénétiques. Non seulement la connaissance des mouvements du corps humain vous permettra d'être plus confiant dans votre timing, mais elle influencera également votre connaissance des angles et des positions flatteuses, et vous rendra plus conscient de ce qui est sans danger pour votre sujet. Vous ne voulez pas que quelqu'un se torde la cheville.
"Je dois souvent commencer par une photo statique pour comprendre l'anatomie", explique Arkadiusz Branicki, un photographe polonais spécialisé dans les portraits de nus créatifs. "Il faut observer comment le corps bouge et ce qu'il peut faire. Le dessin est également utile. Mes murs sont couverts de dessins pour que je puisse analyser mes idées.
8. Connaître les avantages de l'autofocus
Cela peut sembler être une tricherie, mais certains mouvements sont tout simplement mieux capturés avec l'autofocus. Les photographes de la vieille école ne jurent que par la mise au point manuelle, mais si vous souhaitez obtenir une ligne nette dans des conditions de faible luminosité, l'autofocus est la solution à retenir. Vos yeux ne sont rien comparés à la technologie d'aujourd'hui.
"De nombreux photojournalistes utilisent l'autofocus, non pas parce qu'ils ne peuvent pas faire la mise au point manuellement, mais parce que lorsqu'il s'agit d'obtenir une mise au point nette, vous ne pouvez pas toujours vous fier à vos yeux ou à vos réflexes rapides", explique M. Gallinger. "C'est particulièrement vrai pour les photos de sport ou d'animaux sauvages, mais aussi pour la musique en direct. Il vaut mieux avoir des photos nettes qu'un faux sentiment de supériorité".
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