Documentando a dualidade e a repetição na PHotoEspaña

A 22ª edição do principal festival de fotografia da Espanha faz grandes perguntas sobre a fotografia e como ela testemunha. Visitamos o PHotoEspaña e não ficamos desapontados com as respostas.

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Tenho uma afinidade com Madri desde que cheguei lá há dois anos. É realmente uma cidade deslumbrante, cheia de energia, cultura, arte, boa comida e, é claro, vinho. Madri foi minha introdução à Espanha, onde moro atualmente. Eu não tinha planos de viver neste país quando cheguei para uma residência artística em maio de 2017, mas imediatamente tive uma sensação estranha de pertencimento ao chegar. Eu me apaixonei pela vida aqui e logo me vi fazendo grandes mudanças para poder me mudar para Granada, na Espanha, por tempo indeterminado. O PHotoEspaña me trouxe de volta a Madri e foi um prazer revisitar o local onde minha vida na Espanha começou. Madri parecia ao mesmo tempo nova e familiar, pois as lembranças se misturavam com novas experiências no festival. Durante todo o festival, esses temas do dejá vú, da estranheza, da dualidade e da repetição continuaram a ressurgir.

O exemplo mais notável disso é Susan Brightque consiste em cinco exposições em três locais diferentes: O Canal Discreto com Ruído de Clare Strand, Playground por Elina BrotherusO Outro Capítulo, de Délio JasseTodos hospedados no Fernán Gómez Cultural de la VillaFotografia e ar por Patrick Pound em exibição no Museu Lazaro Galdiano; e Double Take por Sharon Core e Laura Letinskylocalizado no Museu do Romantismo.

Dejá Vú, com curadoria de Susan Bright

Visitei as três exposições no Fernán Gómez Cultural de la Villa. As exposições de Brotherus, Strand e Jasse funcionaram muito bem juntas nesse espaço.

Ao descermos as escadas, entramos na exposição Playground, de Elina Brotherus. As fotografias em grande escala apresentadas em paredes coloridas transmitiram uma sensação imediata de diversão.

Playground apresenta fotos e vídeos inspirados em "Event Scores" do movimento Fluxus. O movimento Fluxus foi um grupo de artistas vagamente organizado, espalhado por todo o mundo, com o objetivo de destruir a fronteira entre a vida e a arte. Semelhante ao dadaísmo, eles geralmente usavam o humor para tirar o poder do elitismo artístico defendido pelos museus. Eles acreditam que não é necessário ter formação em arte para criá-la ou apreciá-la. Na tradição do Fluxus, as Event Scores são instruções curtas e escritas que podem ser seguidas por qualquer pessoa para criar um ato artístico.

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Usando uma variedade de Event Scores de diferentes artistas do Fluxus, Brotherus criou imagens e vídeos dessas instruções sendo seguidas. Por exemplo, em sua peça Flux Harpsichord Concert, você vê uma imagem de um cachorro salsicha em um piano, enquanto Brotherus segue a Event Score de George Makiunas: 12 composições para piano - para Nam June Paik, Composition no.5: Place a dog or a cat (or both) inside a piano and play Chopin, 1962. A reimaginação de Brotherus desse movimento artístico da década de 1960 é feita de maneira contemporânea, reunindo conceitos familiares com um brilho atual. Sempre fui fã do movimento Fluxus e de seu uso do absurdo para levantar grandes questões sobre o que é arte, o que a arte pode ser e quem pode ser um artista. Playground dá continuidade a essa tradição, questionando a autoria e a repetição por meio de uma ampla variedade de imagens bem-humoradas, belas, absurdas e tocantes.

Em seguida, a exposição de Délio Jasse, The Other Chapter, começa com uma caixa de slides que ele encontrou em um mercado de pulgas em Lisboa. Ele ampliou as imagens e as alterou, ocultando suas identidades ao serigrafar nelas informações de documentos oficiais. A exposição acompanha a jornada de duas famílias portuguesas que vivem em Moçambique e Angola, na África colonial. Ele mostra a vida doméstica dessas famílias e como elas parecem recriar suas vidas na Europa, apagando a cultura africana de suas vidas diárias nesses países africanos colonizados. O Outro Capítulo discute a experiência pessoal, a memória e a identidade em um discurso político mais amplo.

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A exposição The Discrete Channel with Noise, de Clare Strand, examina a comunicação, especificamente o que acontece quando interpretamos ou reinterpretamos erroneamente as mensagens que recebemos. Em uma exposição que apresenta fotografias, pinturas, projeções, gráficos e objetos, ela ilustra lindamente o ato de comunicação, com todas as suas falhas.

Esse projeto foi executado enquanto Strand estava ausente em uma residência artística, com a ajuda de seu marido Gordon MacDonald, embora estivessem fisicamente separados. As fotografias foram selecionadas e uma grade foi desenhada em cada uma delas. Os quadrados cinza dentro da grade receberam um número de um a nove (um sendo branco, nove sendo preto e os números entre eles sendo tons de cinza correspondentes). Em seguida, Strand recriou a grade na tela. Seu marido leu os números para Strand por telefone, de sua casa, enquanto ela preenchia os quadrados na tela com o tom de cinza determinado pelo número.

Por meio da linguagem em tons de cinza, traduzida por números e quadrados e comunicada por telefone, uma reprodução da fotografia foi criada na tela com tinta cinza. É uma ilustração poética da diferença entre as duas realidades do que tentamos comunicar e o que de fato é comunicado. Há sempre uma ruptura, uma mudança de forma que ocorre quando uma ideia sai da mente de uma pessoa e entra na de outra. A divisão ou duplicação que ocorre é inevitável.

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Como alguém que aprendeu espanhol depois de se mudar para a Espanha, eu me identifico muito pessoalmente com esse programa. Criamos sistemas de idiomas com a melhor das intenções e tentamos nos comunicar uns com os outros de muitas maneiras diferentes. Seja usando palavras, gestos, desenhos ou o Google Tradutor, o que é dito nunca é exatamente igual ao que é ouvido. Strand sintetiza essa verdade: a diferença inegável entre a mensagem enviada (a fotografia original) e a mensagem recebida (a pintura). Sempre há falhas, fracassos e frustrações, mas há algo de corajoso e belo no ato de dar o melhor de nós para nos conectarmos uns com os outros e compartilharmos nossas experiências.

Casa de America, Joel Meyerowitz, Out of Darkness e Diana Markosian, Over the Rainbow

Passando pela bela entrada do jardim da Casa de America e subindo o primeiro lance de escadas, fomos levados à exposição de duas salas de Joel Meyerowitz. Out of Darkness é uma visão comovente do sul da Espanha nos últimos anos da ditadura de Franco. Essas imagens foram tiradas em Málaga, a cerca de uma hora e meia de onde moro atualmente, em Granada, no final da década de 1960. Como a Espanha esteve sob uma ditadura até a morte de Franco em 1975, essa história ainda é muito próxima para os que vivem aqui. As fotos de Meyerowitz demonstram a mudança que ocorreu na Espanha na década de 1960. Embora ainda sob o governo de Franco, as fronteiras do país estavam se abrindo e o fluxo de turismo do norte da Europa e da América do Norte significava que a Espanha poderia começar a ampliar seus horizontes culturais.

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A familiaridade da paisagem e do povo da Andaluzia era quase assustadora para mim. Cinquenta anos depois, eu poderia facilmente reconhecer essas pessoas e lugares de onde moro agora, em 2019. As mudanças políticas que ocorreram nessa região nesse período não poderiam ser maiores, no entanto, a essência da vida aqui continua a mesma. Profundamente afetadas por gerações de guerra civil e ditadura, essas fotos testemunham a luz que insiste em brilhar mesmo em meio às histórias mais sombrias, tanto pela qualidade da luz nas fotos quanto pela luz que exala de seus temas.

Subindo mais um lance de escada, encontramos Diana Markosiando programa Over the Rainbow. Over the Rainbow documenta lindamente as quinceañeras em Cuba. Essas festas ostentosas celebram o fato de as meninas se tornarem mulheres ao completarem 15 anos. Mesmo na Cuba comunista, a demonstração de riqueza nessas festas é extremamente importante. Os fotógrafos são contratados e são organizadas sessões de fotos elaboradas, documentando esse dia especial para o resto da vida das participantes. Essas imagens oferecem uma visão de uma fantasia realizada para essas meninas, um segundo olhar que traz à tona suas vidas e sonhos interiores. Por um dia, essas garotas podem ser outra versão de si mesmas, uma visão de riqueza e hiperfeminilidade. As fotos de Markosian capturam uma beleza feroz, cercada de festa e comunidade, e explodindo de luz e cor. Markosian criou esse projeto com a bolsa Elliot Erwitt Havana 7 Fellowship, uma bolsa oferecida a fotógrafos para criar um corpo de trabalho exclusivo que capture a alma de Cuba.

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Fundación MAPFRE, Berenice Abbott, Retratos da modernidade

Recebidos pela curadora Estrella de Diego, entramos no MAPFRE Center e subimos até o último andar para ver Berenice AbbottA exposição Portraits of Modernity (Retratos da Modernidade), de Man Ray. Ela abre com um autorretrato distorcido e surrealista de 1930 - a única imagem da exposição que obviamente demonstra seu aprendizado com Man Ray. Abbott trabalhou como assistente de Man Ray e aprendeu muito com o artista de vanguarda e principal figura do movimento surrealista. Mantendo as técnicas de impressão impecáveis que aprendeu com seu mentor, o restante da exposição demonstra sua ruptura com as tendências surrealistas e a abordagem de um estilo mais documental em seu trabalho. Ela captura a cena gay em Nova York e Paris das décadas de 1920 e 1930 com retratos de ícones como Janet Flanner. Seus retratados são, em sua maioria, membros do New Women: um grupo de mulheres independentes que buscavam uma mudança radical na política de gênero - Abbott também era membro. Esses retratos mostram a força e o caráter dessas mulheres, muitas vezes em trajes e poses tradicionalmente masculinos.

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Após a série de retratos, há uma coleção de seu trabalho fotografando a arquitetura de Nova York. Ela capturou o entusiasmo da modernidade por meio de pontes e arranha-céus icônicos, quando eram novos ou estavam sendo construídos. Abbott dá vida à grandiosidade e à ousadia tão características da cidade de Nova York, muitas vezes a partir de perspectivas dramáticas que certamente teriam sido perigosas de fotografar. Justapostas a essas imagens quase comemorativas, há fotografias que documentam a outra realidade de Nova York: a dos sem-teto e das pessoas deslocadas pelo rápido crescimento capitalista da cidade. Ela não hesita em mostrar a verdade da cidade: altos e baixos, riqueza e pobreza. Essa dualidade de Nova York é mais visível agora do que nunca, com a dureza da pobreza convivendo com os picos mais altos da riqueza. Revisitar o trabalho dessa mulher brilhante é ver que ela estava à frente de seu tempo, reconhecendo as verdades contraditórias de Nova York (e da América do Norte) e que muito pouco mudou.

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Círculo de Bella Artes de Madri, Donna Ferrato, Holy (vencedora do prêmio Prêmio PhotoEspana 2019)

O Círculo de Bella Artes tem uma escadaria linda e sinuosa assim que você entra no prédio. Na parte inferior dessa escada, encontramos o show mais emocionante do festival, Donna Ferratos Holy. Ela tem documentado mulheres que foram oprimidas por homens nos últimos 40 anos, desde sobreviventes de abuso doméstico até mulheres que marcham por sua liberdade em Nova York e Madri. Levando lágrimas de raiva aos meus olhos, o trabalho de Ferrato deixou claro que precisamos nos unir e agir agora. Ela vem capturando a força e a perseverança das mulheres em algumas das piores circunstâncias há décadas, e é óbvio que ela está absolutamente furiosa com a falta de mudanças ao longo dos anos. Em uma discussão sobre o programa, ela estava cheia de raiva e exigiu ação. Ela se mostrou indignada com a forma como os homens geralmente reagem defensivamente às suas imagens e como as mulheres brancas geralmente são inativas na luta contra o patriarcado porque não sofrem o pior da opressão.

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Não há como questionar o que ela quer dizer: vemos isso todos os dias em nossa sociedade e continuamos a ver a mesma coisa repetidamente. Ferrato está frustrada com essa repetição e com o fato de suas imagens de 40 anos atrás serem tão parecidas com as de hoje. O abuso continua, e as conversas com seus entrevistados de hoje lhe proporcionam uma sensação muito perturbadora de dejá vú, relembrando conversas de décadas atrás. As fotografias são comoventes e, quando vistas em conjunto, a narrativa de tantos anos de repetição dos mesmos problemas é clara e exige que ajamos agora.

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