ARCOmadrid 2026: Highlights, Themen und herausragende Künstler

Ich habe einen guten Teil meines Lebens in Spanien verbracht. So lange, dass es sich beim Betreten des ARCOmadrid weniger wie der Besuch einer fremden Institution anfühlt, sondern eher wie ein Wiedersehen mit einer vertrauten Gemeinschaft von Künstlern. Madrid war meine erste Begegnung mit diesem Land, als ich aus Kanada hierher kam, und es ist eine Stadt, in die ich gerne zurückkehre.

Während der Messewoche herrscht hier eine besondere Energie: Die Kunstwelt kommt, die Restaurants füllen sich, und IFEMA’Die Räume der Messe verwandeln sich in das, was die Architektur der Messe selbst kurz eine ‘ephemere Metropole’ genannt; eine Stadt, die fünf Tage lang existiert und nur aus Kunst und Gesprächen besteht.

ARCOmadrid 2026 auf einen Blick

Bei ihrer 45. Ausgabe brachte die ARCOmadrid 211 Galerien aus 30 Ländern und über 1.300 Künstler zusammen. Die Werke umfassen Malerei, Bildhauerei, Installationen, Fotografie, Video, neue Medien und Dinge, die sich fröhlich einer Kategorisierung entziehen. 

Ich bin im Auftrag von Format angereist, um einen Einblick in eine der wichtigsten Messen für zeitgenössische Kunst in Europa zu bekommen. Was ich dort fand, war eine Messe, die wirklich große Fragen über die Zukunft der Kunst stellt, die Geschichte der Malerei und was es bedeutet, im Jahr 2026 etwas zu machen, von dem du hoffst, dass es auch im Jahr 2045 noch von Bedeutung sein wird.

Die wichtigsten Ergebnisse der ARCOmadrid 2026:

• Thema: ARCO2045: Die Zukunft, fürs Erste untersuchte, wie Künstler auf die Unsicherheit in der Gegenwart reagieren.
• Leitfaden: viele Stände besetzt direkt mit der Kunstgeschichte (spielerisch, nicht ehrfürchtig.)
• Herausragend: eine Mischung aus wiederkehrenden Favoriten und neue malerische Entdeckungen.
• Identitätsmarkierung: ARCOs starke Europa-Lateinamerika Brücke bleibt unverwechselbar.
• Marktnotiz: Übernahmen waren stark, aber Spaniens 21% art VAT bleibt ein Druckpunkt.

ARCO2045: “Die Zukunft, für jetzt”

Das zentrale Thema dieser 45. Ausgabe war ARCO2045: Die Zukunft, fürs Erste,eine von José Luis Blondet und Malagí Arriola kuratierte Sektion, die Galerien und Künstler dazu einlud, sich vorzustellen, wie die Kunst in zwei Jahrzehnten aussehen könnte. Dabei ging es nicht um eine Kristallkugel, sondern um etwas Provisorisches und Ehrliches: eine Reflexion darüber, welche Sprachen die Kunst heute entwickelt, als Reaktion auf eine Gegenwart, die sich wirklich unsicher anfühlt.

Der eigens für die Sektion eingerichtete Galerieraum, der von Estudio Angela Juarranz als ein Bauwerk, das “die Zeit nicht abbildet, sondern sie entfaltet”, war einer der stimmungsvollsten Räume der Messe. 

Herausragende Werke von ARCO2045

Werke, die mit Déjà-vu, Erinnerung und Prophezeiung spielen. Paulina Olowska’beschäftigt sich mit der Darstellung in der Modefotografie. Candice Lin bot ein lebhaftes, düsteres Bild von dem, was noch kommen wird, wenn eine solche Gegenüberstellung überhaupt möglich ist. Als Maler interessiert mich immer die Frage, was ein Medium tragen kann und was es aussagen kann, was ein anderes nicht kann. Die ARCO2045 fühlte sich an wie eine Sektion voller Künstler, die genau damit ernsthaft ringen.

Bei Format denken wir viel darüber nach, wie Künstler ihre Arbeit in Zukunft digital präsentieren. Es hat etwas Anregendes, wenn man von Künstlern umgeben ist, die dieselbe grundlegende Frage aus einer ganz anderen Richtung stellen: Wie sieht die Arbeit von morgen eigentlich aus und wie schaffen wir heute Platz dafür?

Candice Lins “Familienessen”.” gezeigt mit François Ghebaly, war eine, die mir in Erinnerung geblieben ist. Lin ist eine in Los Angeles lebende interdisziplinäre Künstlerin, deren Arbeiten bereits auf der Biennale von Venedig und in der Whitechapel Gallery gezeigt wurden und die immer wieder Wege findet, um unbequeme Ideen erlebbar zu machen. Family Dinner ist eine düstere Sicht auf die Zukunft, und das weiß sie auch. Mir gefiel der Humor, der sich dahinter verbirgt und der für Lin so typisch ist: Die Arbeit verlangt nicht, dass du verzweifelst, sondern nur, dass du genau hinschaust.

Baue ein Portfolio auf, das zukunftssicher ist.
Format hilft Künstlern dabei, ihre Arbeit mit einem professionellen Portfolio und einer Website zu präsentieren, die sich leicht aktualisieren lässt, wenn sich deine Praxis weiterentwickelt. Erstelle dein Portfolio noch heute.

Wenn zeitgenössische Kunst mit der Vergangenheit spricht

Auch wenn das offizielle Thema der Messe die Zukunft war, fiel mir immer wieder auf, dass das Gegenteil der Fall war: Viele Künstlerinnen und Künstler unterhielten sich direkt und spielerisch mit der Kunstgeschichte. Nicht ehrfurchtsvoll, nicht mit der trockenen Ironie, die sich manchmal hohl anfühlt, sondern mit der echten Freude von jemandem, der die Tradition liebt, auf die er anspielt.

Christian Jankowski und “Neue Malerei-Picasso”

Christian Jankowski’Die Neue Malerei-Picasso-Serie war ein perfektes Beispiel dafür. Jankowski hat diese Serie seit 2015 entwickelt, indem er digitale Fotos von Menschen gefunden hat, die Gemälde von Meistern wie Picasso, Van Gogh und Magritte nachgestellt haben, und diese Fotos an Malerei-Replikatoren in China geschickt hat, um dann die Ergebnisse auszustellen. Die konzeptionellen Ebenen sind wirklich interessant: Fragen zu Urheberschaft, Originalität und was es bedeutet, in einem Zeitalter der unendlichen Reproduktion ‘wie’ jemand zu malen. Die Arbeit ist gleichermaßen lustig und unangenehm. 

Thomas Hirschhorns Kunst-Geschichte-Plaque-Serie

Thomas Hirschhorn‘Kunst-Geschichte-Plakette XXV , gezeigt mit Galerie Chantal Crousel, gehört zu diesem Thema, nähert sich ihm aber aus einer ganz anderen Richtung. Hirschhorn ist ein Schweizer Künstler, der sein gesamtes Schaffen auf der bewussten Verwendung von einfachen Wegwerfmaterialien wie Pappe, Packband und Alufolie aufgebaut hat. Die Materialien sind eine Art politisches Statement über den Zugang, den Wert und darüber, für wen Kunst ist. 

Die Art-History-Plaque-Serie bringt diese Sensibilität direkt in den Dialog mit dem Kanon: kunsthistorische Bilder, gedruckt und kommentiert auf Pappe, großformatig und mit Nachdruck handgemacht. Die Wirkung ist respektlos, ohne abwertend zu sein. Wenn überhaupt, dann scheint die Rohheit des Materials dafür zu sprechen, dass die Kunstgeschichte allen gehört und nicht nur den Institutionen, die das Budget haben, sie pietätvoll zu behandeln. Es ist ein großzügiges Werk, und ein leise radikales dazu.

Alberto Barayas archivarische Kollisionen

Und dann war da noch Alberto Baraya’Niños cogiendo fruta y cazador torero sobre Ferrari 330 GT 2+2 (1969) in der Galería Fernando Pradilla - ein Titel, der so wunderbar spezifisch ist, dass er fast wie ein Werk für sich wirkt. Baraya ist ein kolumbianischer Künstler, der sich mit dem kolonialen Erbe und den Systemen auseinandersetzt, durch die wir Kultur klassifizieren und konsumieren. Die ikonografische Gegenüberstellung von Kindern, die Früchte pflücken, einem Stierkampf-Jäger und einem ganz bestimmten Ferrari aus dem Jahr 1969 ist bewusst destabilisierend. Es ist die Art von Arbeit, die dich nicht loslässt, weil du sie nicht vollständig verstehst, sondern weil sie dich nicht aufhören lässt, es zu versuchen.

Das Preludio von ARYZ und das Plädoyer für das Malen jetzt

ARYZ  (Octavi Arrizabalaga) bei Galeria Senda war vielleicht das Werk in dieser Kategorie, das mich am meisten bewegt hat. Sein Preludio Serie präsentiert großformatige Ölgemälde, die als visuelle Dialoge mit den großen Meistern der klassischen Malerei konzipiert sind. Es ist, wie er selbst sagt, eine Hommage an das Malerhandwerk als legitimes Mittel des Ausdrucks und der kulturellen Weitergabe. In einigen Ecken der Kunstwelt gibt es immer noch ein leichtes Misstrauen gegenüber der Direktheit und Körperlichkeit der Malerei. Das Preludio von ARYZ ist kein Plädoyer für die Malerei. Es ist einfach großartig.

Alte Favoriten und neue Entdeckungen

Was mir an einer Messe dieser Größenordnung besonders gefällt, ist die Kombination aus Arbeiten, die du bereits magst, und Künstlern, von denen du nicht wusstest, dass du nach ihnen suchst.

Elga Heinzen und Laura Garcia Karras (ein Stand, in dem es sich zu verweilen lohnt)

Elga Heinzen war ein echtes Vergnügen, das hier im direkten Dialog mit der Arbeit von Laura Garcia Karras im Galerie Anne-Sarah Bénichou Eine Kombination, die auf der Messe zu einem der meistdiskutierten Themen wurde. Die Kombination war wirklich inspirierend: Heinzens ruhige, kraftvolle abstrakte Formen aus den 1970er Jahren und Garcia Karras' große, hypnotische Blumenbilder. Garcia Karras' Werke verführen dich mit ihrer Farbintensität, bevor du die zugrunde liegende Seltsamkeit bemerkst; Heinzens Werke verdienen deine Aufmerksamkeit durch eine andere Art von Geduld. Zusammen bilden sie einen Stand, an dem es sich lohnt zu verweilen.

Neue Maler im Blick: Travis Macdonald und Antonio Montalvo

Eine meiner neuen Entdeckungen, Travis Macdonald hat mich völlig überrascht. Die Art und Weise, wie er mit Farbe umgeht, hat etwas, das mich sofort anspricht. Er gehört zu den Künstlern, bei denen du dir ein Werk ansiehst und denkst: Von diesem Menschen kann ich eine Menge lernen. Antonio Montalvo war eine weitere Entdeckung: eine Praxis, die formale Strenge mit echter emotionaler Präsenz in Einklang bringt. Diese beiden Maler schaffen eine Art von Leuchtkraft, über die ich in meiner eigenen Praxis nachdenken werde. 

Lateinamerikanische Galerien im ARCOmadrid

Die Vielfalt der gezeigten Arbeiten war inspirierend. Mehr als 30% der internationalen Galerien kamen aus Lateinamerika - eine Dimension der ARCO, die sie von anderen europäischen Messen unterscheidet und die ich besonders schätze. Die Sektion Profile | Lateinamerikanische Kunst, kuratiert von José Esparza Chong Cuy, präsentierte die Vorschläge von 11 Künstlern und Künstlerinnen. 

Gabriel Branco

Gabriel Branco’Das Debüt des jungen Künstlers aus São Paulo bei Galatea war ein Highlight: Er hat Fotografien mit Öl- und Bienenwachsgemälden kombiniert, die im alltäglichen Leben der Peripherie der Stadt verwurzelt sind, im Baile Funk, im Straßenhandel und in der volkstümlichen Architektur, die in leuchtenden, farbigen Lasuren dargestellt sind, die den Blick schweifen lassen. 

Harold Mendez

Harold Mendez, gezeigt mit Gönner-Galerie und Commonwealth und Rat, Seine Arbeit bewegt sich an der Schnittstelle von Erinnerung, Materialität und dem, was die Geschichte in Objekten hinterlässt. Es ist eine kuratorische Struktur mit einem Künstler und einem Vorschlag, der dich dazu zwingt, langsam zu machen und wirklich hinzuschauen, anstatt einen Stand mit zwanzig Werken zu überfliegen. 

El Apartamento Messestand Highlights

El Apartamento war ein weiterer Stand, den ich nicht verlassen wollte. Die in Havanna gegründete Galerie, die jetzt auch in Madrid zu Hause ist, hat ihre Identität um die prägnantesten Vorschläge für kubanische und spanische Kunst aufgebaut, und auf der ARCO war dieser doppelte Fokus zu sehen.

Ariel Cabrera Montejo‘Seine Gemälde sind wirklich originell: Auf der Grundlage historischer kubanischer Archive versetzt er die offiziellen Helden der kubanischen Unabhängigkeit in ihre Körper zurück und erschafft etwas Sinnliches, Ironisches, Menschliches, das nichts mit ihren “offiziellen” Porträts gemein hat. Die Technik ist durchdrungen von der spanischen und italienischen akademischen Tradition, was eine wunderbare Spannung mit dem subversiven Inhalt erzeugt. 

Los Bravú-Das Duo Dea Gómez und Diego Omil bewegt sich in einem angrenzenden Gebiet: In ihrem figurativen Werk verschmelzen neo-manneristische Virtuosität mit surrealistischer Fantasie, Comics, Collagen und den Strukturen der urbanen und landestypischen Kultur. Ihre Malerei En la grieta brilla el deseo (2025) hat den ARCO 2026 Preis der Gemeinde Madrid gewonnen und wird an der Museo Centro de Arte Dos de Mayo Sammlung. 

Nacho Martín Silva-der in Madrid lebende Maler, der sein Atelier als eine Art Archiv betrachtet, in dem sich Bilder und Versuche im Laufe der Zeit ansammeln, bis sie ihren Moment finden und ihre Bedeutung spät eintrifft. Diese Philosophie hat etwas sehr Sympathisches, und seine Arbeit am Stand hatte genau diese Qualität: durchdacht, vielschichtig, gemächlich. Ein Stand, der sich wie einer der lebendigsten auf der Messe anfühlte.

Rote Punkte, institutionelle Käufe und Spaniens Kunstumsatzsteuer 21%

Auf der Messe gab es viele rote Punkte. Institutionelle Ankäufe wurden vom Museo Reina Sofía, dem IVAM, der Gemeinde Madrid, der andalusischen Regionalregierung und mehreren privaten Stiftungen angekündigt. 

Was verkauft wurde und warum es wichtig ist

Allein das Reina Sofía investierte über 400.000 Euro in 17 Werke von 14 Künstlern - neun von ihnen sind Frauen. Für jeden, der auf das Wohlergehen des Ökosystems der zeitgenössischen Kunst achtet, ist dies von Bedeutung: Wenn große Institutionen auf einer Messe und in der Öffentlichkeit von lebenden Künstlern kaufen, ist das eine Bestätigung für die gesamte Kette vom Atelier bis zur Sammlung.

Die Mehrwertsteuer-Spannung (Kontext und was die Galerien wollten)

Es ist erwähnenswert, dass diese Ausgabe der ARCOmadrid inmitten echter Spannungen im spanischen Kunstsektor stattfand. Da ich hier gelebt und ausgestellt habe, ist das für mich nicht abstrakt. Spanische Galerien haben sich lautstark über die Situation des Landes 21% MEHRWERTSTEUER auf Kunstkäufe. Das ist der höchste Wert in Europa, verglichen mit 5-8% in Frankreich, Italien, Deutschland und Portugal. Galeristen und Künstler inszenierten Proteste und vorübergehende Schließungen von Museen wegen der Ungleichheit im Vorfeld der Messe. 

Die roten Punkte waren wirklich ermutigend; das Gespräch über die Mehrwertsteuer ist eine Erinnerung daran, dass Begeisterung für Kunst nicht automatisch zu gerechten Bedingungen für die Menschen führt, die sie herstellen und verkaufen. Bei dieser Ausgabe war beides gleichzeitig der Fall, und ich denke, es wäre unehrlich, über ARCO zu schreiben, ohne beides anzuerkennen.

Wie es sich anfühlt, dort zu sein (und warum IRL immer noch wichtig ist)

Bei Format leben wir im digitalen Raum am Puls dessen, was Künstler und Macher online präsentieren, und wir denken ernsthaft darüber nach, wie eine Plattform kreativen Menschen auf höchstem Niveau dienen kann. Bei ARCOmadrid zu sein, ist für mich ein nützliches und erfreuliches Korrektiv dazu, zu viel Zeit vor einem Bildschirm zu verbringen.

Es gibt keinen Ersatz dafür, vor einem Gemälde zu stehen. Keine Schriftrolle kann wiedergeben, wie es sich anfühlt, eine Kabine zu betreten und den Atem anzuhalten oder zwanzig Minuten vor einem Werk zu verbringen, das man nicht ganz erklären kann. 

Die zeitliche Begrenzung einer Messe führt dazu, dass du so viel wie möglich sehen und lernen musst, bevor sie vorbei ist. Diese “Stadt” existiert für fünf Tage. Danach gehen die Arbeiten wieder in die Welt hinaus. Zurück in die Ateliers, Sammlungen, Institutionen und Lager, die über dreißig Länder verstreut sind. Bis zur nächsten Ausgabe, wenn eine neue Version der gleichen Stadt gebaut wird und das Gespräch weitergeht.

Schlussbemerkung: Warum ARCOmadrid immer noch wichtig ist

Diese Kontinuität ist es wert, genannt zu werden; die ARCO macht das schon seit 45 Jahren. Die Messe hat Trends, Wirtschaftskrisen und ganze Bewegungen in der zeitgenössischen Kunst überdauert. 

Was sie unverzichtbar macht, ist nicht nur die Qualität der Galerien oder der institutionellen Ankäufe, sondern vielmehr die Tatsache, dass sie als Treffpunkt zwischen Europa und Lateinamerika, zwischen dem Historischen und dem Neuen, zwischen der Arbeit und den Menschen, die sich dafür interessieren, wirklich unersetzlich ist.

• 211 Galerien
• 30 Länder
• 1.300 Künstler
• Eine Fülle von roten Punkten
• Ein Thema über die Zukunft, das die Gegenwart irgendwie lebendiger erscheinen ließ.

ARCOmadrid 2026 hat nicht enttäuscht.

Präsentiere deine Arbeit so, wie es eine Galerie tut.
Verwandle dein Werk in eine saubere, kuratierte Online-Präsenz - mit Vorlagen und Blöcken, die so einzigartig sind wie deine Kunst. Beginne mit Format for Free.