Ich ging zu Frieze Kunstmesse mit einem offenen Geist und einem Notizbuch in der Hand. Wenn ich ein Kunstwerk entdeckte, das mich bewegte oder das mir in Erinnerung blieb, schrieb ich die Namen und Details auf. Später, als ich zu Hause war, stellte ich überrascht fest, dass fast alle Künstler, die ich in mein Notizbuch gekritzelt hatte waren Frauen. Das war völlig unbeabsichtigt.
Außer für Eva LeWitt Die meisten der Künstler auf dieser Liste sind definitiv nicht aufstrebendes Talent. Für die meisten Kunstliebhaber sind sie jedoch "unter dem Radar". Judith Linhares zum Beispiel ist in New York bekannt und respektiert, hat aber noch nicht die internationale Anerkennung erhalten, die sie verdient. Irma Blank, eine ältere europäische Künstlerin, die maßgeblich an der Entwicklung der esoterischen Konzeptkunst beteiligt war, bricht erst jetzt aus ihrer isolierten Karriere in Italien aus. Kiki Kogelniks Arbeit bei Simone Subal Galerie übernahm ihren Frieze-Stand mit psychedelischen Gemälden und Zeichnungen aus den 1960er Jahren. Ihre Arbeiten könnten problemlos in jede der heutigen Malereiausstellungen in der Innenstadt passen. Außerdem bekommen Jessica Dickinsons mühevolle Gemälde und Zeichnungen endlich die Aufmerksamkeit, die sie verdienen. Es war aufregend zu sehen, dass Dickinson auf der Messe von zwei Galerien vertreten wurde.
Die Frieze New York findet jedes Jahr im Mai im Randall's Island Park auf der anderen Seite des East River in Manhattan statt. Sie "bringt die weltweit führenden Galerien für moderne und zeitgenössische Kunst, innovative kuratierte Sektionen, eine gefeierte Reihe von Vorträgen, ortsspezifische Künstleraufträge und die bekanntesten Restaurants der Stadt zusammen." Obwohl ich normalerweise kein Fan von Kunstmessen bin, ist diese Messe immer eine Reise wert.
Hier sind die Künstlerinnen, die dieses Jahr auf der Frieze mit ihren subtilen, reifen und durchdachten Arbeiten die Show gestohlen haben.
Irma Blank
Irma Blank ist eine in Deutschland geborene Künstlerin, die in Italien lebt und arbeitet. Sie war ein prägender Teil der esoterischen Konzeptkunstbewegung in Europa. Sie stellt seit über 65 Jahren regelmäßig in Europa aus und hat erst kürzlich internationale Anerkennung für ihre Arbeit erhalten.
Es war aufregend, ihre subtilen, auf Schrift basierenden Werke in einem Spotlight-Stand auf der Frieze zu sehen. Obwohl sich die Arbeit der Künstlerin in späteren Jahren zu kühneren, monochromen, großformatigen Gemälden entwickelt hat, wurde diese kleinere Serie mit dem Namen "Radical Writing" über zehn Jahre lang allein verfolgt. In dem oben abgebildeten Werk stellt sie den Vorgang des Schreibens nach, ohne den wörtlichen Inhalt. Jedes geschriebene "Wort" entspricht einem Atemzug.
Bei einer Methode wie meditativ Beim Gehen übt sie sich im meditativen Schreiben, um die Arbeit von ihrer eigenen Subjektivität zu trennen. Ein Bestreben, das vielleicht unmöglich ist, vielleicht aber auch nicht. Ihre Arbeit erinnert an andere engagierte weise Künstler wie Agnes Martin. Die Arbeiten von Blanks sind beständig, provokativ und wiederholend. Ihr Ethos bringt Serien hervor, die eindringlich schön und rätselhaft sind.
Ursula Schulz-Dornberg
Gallerie Luisotti stellte Ursula Schilz-Dornbergs Arbeit auf der Frieze vor. Zuerst war ich von der Serie von Schwarz-Weiß-Fotografien von seltsamen architektonischen Buswartehäuschen rund um Armenien. Die Gelatinesilberdrucke zeigen diese fremden Orte, die entweder leer sind oder an denen verzweifelte Menschen warten.
Sechzehn Schwarz-Weiß-Fotografien wurden in einem Raster an der Wand angebracht. Sie zeigen jeweils ein geschlitztes Kapellenfenster, durch das Licht in den abgedunkelten Innenraum fällt. Die Bilder wurden zu unterschiedlichen Zeiten aufgenommen, was durch den wechselnden Lichteinfall angezeigt wird. Diese einfache Strategie, um zu zeigen, wie das Licht den Ort beeinflusst und die Zeit darstellt, war magisch.
Joanne Greenbaum
Die Meinungen über Joanne Greenbaums ungehemmte, farbenfrohe Abstraktionen können polarisieren. In ihren Arbeiten verwendet sie verschiedene Methoden, um ein Bild oder eine Zeichnung zu erstellen. Sie nimmt den Pinsel in die Hand, schüttet Farbe aus, dreht die Leinwand um, malt mit Markern oder anderen bunten Stiften oder Zeichenwerkzeugen. Diese flexible Einstellung zur Bildgestaltung und zu den Materialien ist für manche schwer zu schlucken. Warum tut sie das? Was hat es damit auf sich? Ihre Weigerung zu antworten und ihr Drang, einfach zu machen, ist genau das, was ich interessant finde. Wir müssen nicht immer die Gültigkeit hinterfragen - die Verspieltheit von Greenbaums Arbeit soll nicht kritisiert, sondern einfach nur genossen werden.
Eva LeWitt
Ich schrieb den Namen von Eva LeWitt auf, bevor ich wusste, dass sie in Wirklichkeit Sol Lewittdie Tochter der Künstlerin. Es kann nicht einfach sein, der Nachkomme eines so verehrten Künstlers zu sein, aber das Werk, das die VI, VII auf der Frieze, wo "aufregende neue Talente" ausgestellt werden, steht für sich allein.
Ich sollte erwähnen, dass, wenn ich auf die frühe Presseberichterstattung über LeWitt zurückblicke, klar ist, dass diese neue Arbeit ein großer Sprung nach vorne sein kann. Einige von LeWitts früheren Arbeiten wirkten, verständlicherweise aufgrund ihres Alters, jugendlich und ein wenig offensichtlich. In den neuen Werken werden Gummi, durchsichtiges und farbiges Vinyl in denselben Proportionen wie Vinylverkleidungen, Acetat, Schaumstoff und gefüllter Stoff verwendet.
Die Materialien erinnern nicht an den Machismo, den minimalistische Vorfahren wie die berüchtigten Richard Serra. Stattdessen verwenden sie flexible, gewöhnliche und synthetische Materialien. Ihre Flexibilität und ihre schlaffe Haltung scheinen auf die Personifizierung von Objekten und ihre potenzielle Falschheit hinzuweisen. Die menschliche Qualität dieser großformatigen Objektinstallationen ist ihre fesselndste Eigenschaft.
Yamini Nayar
Es ist überraschend, dass ich Yamini Nayar zum ersten Mal in einer Ausstellung des Mumbai's Jhaveri Zeitgenössisch auf der Frieze, wenn man bedenkt, dass sie Amerikanerin ist und in Brooklyn lebt. Nayar komprimiert verschiedene Medien und Haltungen in einer einfachen fotografischen Geste. Sie verwendet Collagen, Müll, skulpturales Material und Farbe, um Tableaus zu schaffen, die dann in ihrer endgültigen Form fotografiert werden.
Die Ergebnisse sind schwindelerregend, skalenlos und dicht. Die abschließenden Fotografien der vielschichtigen und reichhaltigen Objektsituationen lassen sich nicht mehr aufschlüsseln oder auseinandernehmen. Die Bilder werden kreisförmig, da der Betrachter weder einen Anfang noch ein Ende erkennen kann. Die Unentzifferbarkeit des Werks ist auf den homogenen Effekt der Fotografie zurückzuführen. Die Grenzenlosigkeit der Fotografie macht sich Nayar auf elegante und vielleicht auch frustrierende Weise zunutze.
Judith Linhares
Judith Linhares war der Stand, den ich auf der Frieze besonders gesucht habe. Ihre Arbeit sieht vielleicht ein bisschen aus wie Dana Schutzein viel jüngerer Künstler, der schon seit vielen Jahren das Thema einer heißen Debatte kürzlich. Aber, wie meine Malerfreunde ausrufen, als ob sie sich auf ein Hip-Hop-Idol aus den 90ern beziehen, ist Linhares der ursprüngliche Gangster.
Ihre Arbeit ist voll von persönlichen und kitschigen Bildern. Sie sind durchdrungen von Camp und Schrillheit, aber auf eine Art und Weise, die einen vertrauten Bezug zu Sprache und Geschichte herstellt. Die leuchtenden, fast krankhaft süßen Farben werden in impasto große, aufgetragene Pinselstriche. Die Bilder von Katzen, Vögeln und Frauen, die ihre Kleider hochhalten, um ihre Unterwäsche zu enthüllen (vielleicht eine Metapher für die gesamte Malerei?), scheinen auf ihren bunten Oberflächen fast zu leuchten. Sie tanzen und werden allein durch die Beharrlichkeit ihrer wunderbaren Farbbehandlung real. Ihre Arbeit liegt irgendwo zwischen ihren Wurzeln im Zirkus der Entertainer in L.A. und der Erinnerung an Geschichtenbücher.
Jessica Dickenson
Bei Jessica Dickensons Malprozess dreht sich alles um Zeit. Sie schichtet die Farbe wie einen Urschlamm auf eine schwere Oberfläche aus Kalksteinpolymer und Sperrholz. Der Prozess bedeutet, dass es etwa ein Jahr dauert, bis ein einziges Bild fertig ist. Sie schichtet und kratzt Farbe von der Oberfläche ab, immer und immer wieder, bis das Werk von selbst zu entstehen beginnt. Die Gemälde haben eine ganz eigene Lebendigkeit. Ihre lange Arbeitszeit und die Beziehung zu den Händen der Künstlerin verkomplizieren ihre Position. Ihre Oberfläche ähnelt einer abgenutzten Haut. Ihre indexikalischen Zeichen beziehen sich auf die seltsame, sich verändernde Zeitlichkeit ihrer Entstehung.
Kiki Kogelnik
Die Arbeit von Kiki Kogelnik traf mich wie eine Tablette mit LSD. Die brennenden Farben, die sich drehenden Muster und die sich verwandelnden Körper versetzten mich in eine Pop-Explosion. Die Arbeit offenbart einen futuristischen Geist und Erkundung. Das Beeindruckendste ist, dass dieses Werk in den 1960er und 70er Jahren entstanden ist, also lange vor den häufigen Diskussionen über androgyne Körper oder Cyborgs, die heute beliebt sind.
Ein ähnliches Gefühl wie in dem Film Blade RunnerKogelnik versucht, sich einen zukünftigen Körper vorzustellen, ohne genügend Informationen zu haben. Dieser Mangel an Exaktheit sorgt nur für mehr Spiel und mehr fiktives Flair. Zunächst schienen die Bilder ausschließlich wie Pop-Ikonen zu funktionieren und nicht wie eine Untersuchung der Logik einer gemalten Oberfläche. Nach und nach enthüllten die Bilder jedoch immer mehr raffinierte Details, wie kleine skulpturale Elemente und ein interessantes Spiel zwischen dünner Farbe und kräftiger Farbfläche.
Diese Bilder fühlen sich an, als ob Kiki Kogelnik in die Zukunft blicken könnte, als ob sie von einer jungen Malerin in Bushwick heute gemalt würden - vor allem mit ihren Neonfarben und auffälligen figurativen Elementen. Wie Hilma Af Klimt die weit vor ihrer Zeit abstrakte Werke schuf, war Kogelnik ein Gespenst in einer zukünftigen Malereidiskussion.
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