Fui a Feria de arte Frieze con la mente abierta y un cuaderno en la mano. Cuando encontraba una obra que me conmovía o me provocaba una reacción memorable, anotaba los nombres y los detalles. Más tarde, en casa, me sorprendió descubrir que casi todos los artistas garabateados en mi cuaderno eran mujeres. Fue totalmente involuntario.
Excepto Eva LeWitt la mayoría de los artistas de esta lista definitivamente no son talento emergente. Sin embargo, pasan desapercibidos para la mayoría de los amantes del arte. Judith Linhares, por ejemplo, es conocida y respetada en Nueva York, pero aún no ha recibido el reconocimiento internacional que merece. Irma Blank, una artista europea que contribuyó decisivamente al desarrollo del arte conceptual esotérico, acaba de salir de una carrera aislada en Italia. La obra de Kiki Kogelnik en Galería Simone Subal ocupó su stand de Frieze con pinturas y dibujos psicodélicos realizados en los años sesenta. Su obra podría encajar fácilmente en cualquiera de las actuales exposiciones de pintura del centro de la ciudad. Además, las laboriosas pinturas y dibujos de Jessica Dickinson están recibiendo por fin la atención que merecen. Fue emocionante ver a Dickinson representada por dos galerías en la feria.
Frieze Nueva York se celebra cada mes de mayo en Randall's Island Park, al otro lado del East River de Manhattan. Reúne a las principales galerías de arte moderno y contemporáneo del mundo, innovadoras secciones comisariadas, un célebre ciclo de conferencias, encargos de artistas para lugares concretos y los restaurantes más famosos de la ciudad". Aunque no suelo ser fan de las ferias de arte, ésta siempre ha demostrado merecer el viaje.
Estas son las mujeres artistas que han acaparado la atención este año en Frieze con obras sutiles, maduras y reflexivas.
Irma Blank
Irma Blank es una artista de origen alemán que vive y trabaja en Italia. Formó parte del movimiento de arte conceptual esotérico en Europa. Ha expuesto regularmente en Europa durante más de 65 años y sólo recientemente ha obtenido reconocimiento internacional por su obra.
Fue emocionante ver sus sutiles obras basadas en la escritura expuestas en un stand destacado en Frieze. Aunque en años posteriores la obra de la artista se orientó hacia pinturas monocromáticas más atrevidas a gran escala, esta serie más pequeña llamada "Radical Writing" (Escritura radical) se realizó únicamente durante diez años. En la obra que aparece arriba, recrea la acción de escribir, sin el contenido literal. Cada "palabra" escrita se corresponde con una respiración.
En un método como meditación caminando, practica la escritura meditativa, para separar la obra de su propia subjetividad. Una búsqueda que puede o no ser imposible. Su obra recuerda a la de otros sabios artistas como Agnes Martin. La obra de Blanks es coherente, provocadora y repetitiva. Su ética produce series inquietantemente bellas y desconcertantes.
Ursula Schulz-Dornberg
Galería Luisotti presentó la obra de Ursula Schilz-Dornberg en Frieze. Primero me cautivó la serie de fotografías en blanco y negro de extrañas arquitecturas. marquesinas alrededor de Armenia. Las impresiones en gelatina de plata captaban estos no-lugares extraños vacíos o albergando a personas abatidas que esperaban.
Se instalaron dieciséis fotografías en blanco y negro en una cuadrícula en la pared, cada una de ellas representando una ventana rendija de la capilla con luz entrando en el oscuro espacio interior. Las imágenes se tomaron en diferentes momentos, indicados por el ángulo cambiante de la luz. Esta sencilla estrategia para mostrar cómo la luz afecta al lugar y representa el tiempo resultó mágica.
Joanne Greenbaum
Las opiniones sobre las desinhibidas abstracciones coloristas de Joanne Greenbaum pueden ser polarizantes. Su obra emplea múltiples formas de pintar o dibujar. Puede coger un pincel, verter pintura, dar la vuelta al lienzo, dibujar con rotuladores o cualquier otro rotulador de colores o herramienta para hacer marcas. Esta actitud flexible hacia la creación de imágenes y materiales es difícil de digerir para algunos. ¿Por qué lo hace? ¿De qué se trata? Su negativa a responder y su ímpetu por hacer es precisamente lo que me parece interesante. No siempre necesitamos cuestionar la validez: el carácter lúdico de la obra de Greenbaum no está pensado para ser criticado, sino simplemente para ser disfrutado.
Eva LeWitt
Escribí el nombre de Eva LeWitt antes de saber que en realidad era Sol Lewitt...la hija del artista. Ser el vástago de un artista tan venerado no debe ser fácil, pero la obra expuesta por VI, VII en Frieze, donde se exponen "nuevos talentos apasionantes", se sostiene por sí sola.
Debo mencionar que, echando la vista atrás a la cobertura de prensa de los primeros trabajos de LeWitt, está claro que esta nueva obra expuesta puede suponer un gran salto adelante. Algunas de las obras anteriores de LeWitt, comprensiblemente debido a su edad, parecían juveniles y un poco obvias. Estas nuevas piezas utilizan caucho, vinilo transparente y de color cortado en las mismas proporciones que el revestimiento de vinilo, acetato, espuma y tela rellena.
Los materiales no remiten al machismo de antepasados minimalistas como el famoso Richard Serra. En su lugar, utilizan materiales flexibles, comunes y sintéticos. Su flexibilidad y actitud flácida parecen apuntar a la personificación de los objetos y a su potencial falacia. La cualidad humana de estas instalaciones de objetos a gran escala es su cualidad más cautivadora.
Yamini Nayar
Me sorprende ver por primera vez a Yamini Nayar expuesta por la Jhaveri Contemporáneo en Frieze, teniendo en cuenta que es estadounidense y reside en Brooklyn. Nayar comprime diferentes medios y actitudes en un simple gesto fotográfico. Utiliza collage, desechos, material escultórico y pintura para crear cuadros que luego son fotografiados en su iteración final.
Los resultados son vertiginosos, sin escala y densos. El resultado final son fotografías de objetos ricos y variados, imposibles de recortar o separar. Las imágenes se vuelven circulares por naturaleza, ya que el espectador no puede discernir un principio o un final. El carácter indescifrable de la obra se atribuye al efecto homogéneo de la fotografía. Nayar aprovecha con elegancia, y tal vez con frustración, los bordes de la fotografía.
Judith Linhares
Judith Linhares era el stand que buscaba específicamente en Frieze. Su obra podría parecerse un poco a Dana Schutzmucho más joven, que se ha convertido en objeto de acalorados debates recientemente. Pero, como exclaman mis amigos pintores, como si se refirieran a un ídolo del hip hop de los 90, Linhares es el gángster original.
Su obra está llena de imágenes personales y kitsch. Impregna campechanía y chabacanería, pero de un modo que crea una atracción familiar hacia el lenguaje y la historia. Los colores brillantes, casi enfermizamente dulces, se aplican en impasto grandes pinceladas. Las imágenes de gatos, pájaros y mujeres que se levantan el vestido para mostrar su ropa interior (¿una metáfora de la pintura?) casi parecen brillar en sus superficies multicolores. Bailan y se hacen realidad sólo con su insistencia en el maravilloso manejo de la pintura. Su obra se encuentra en algún lugar entre sus raíces en el circo de animadores de Los Ángeles y la memoria de los libros de cuentos.
Jessica Dickenson
El proceso pictórico de Jessica Dickenson gira en torno al tiempo. Sobre una pesada superficie de polímero de piedra caliza y madera contrachapada coloca capas de pintura como si fuera barro primigenio. Tarda aproximadamente un año en completar un solo cuadro. Aplica capas y raspa la pintura de la superficie una y otra vez, hasta que la obra empieza a hacerse a sí misma. Los cuadros tienen una vitalidad propia. Su largo tiempo de trabajo y su relación con las manos de la artista complican su posición. Su superficie se asemeja a una piel desgastada. Sus marcas indiciales se relacionan con la extraña temporalidad transformadora de su elaboración.
Kiki Kogelnik
La obra de Kiki Kogelnik me golpeó como una pastilla de ácido. Su color ardiente, sus patrones giratorios y sus cuerpos en transformación me llenaron de energía en una explosión pop. La obra revela un espíritu futurista y de exploración. Lo más impresionante es que esta obra fue creada en los años 60 y 70, mucho antes de las frecuentes discusiones sobre cuerpos andróginos o cyborgs que son populares hoy en día.
Teniendo una sensación similar a la película Blade RunnerKogelnik intenta imaginar un cuerpo futuro sin suficiente información. Esta falta de exactitud sólo proporciona más juego, y más destellos ficticios. Al principio, los cuadros parecían funcionar exclusivamente como iconos pop más que como una investigación sobre la lógica de una superficie pintada. Sin embargo, los cuadros fueron revelando poco a poco detalles más sofisticados, como pequeños elementos escultóricos, y un interesante juego entre la pintura fina y la superficie de colores vivos.
Estos cuadros dan la impresión de que Kiki Kogelnik podría mirar hacia el futuro, como si los hubiera pintado un joven pintor de Bushwick de hoy, sobre todo por su combinación de colores neón y sus destacados elementos figurativos. Como Hilma Af Klimt que creó obras abstractas mucho antes de su tiempo, Kogelnik fue un espectro en una futura discusión sobre pintura.
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