He pasado una buena parte de mi vida adulta viviendo en España. El tiempo suficiente para que al entrar en ARCOmadrid me sienta menos como una visita a una institución extranjera y más como un reencuentro con una comunidad familiar de artistas. Madrid fue mi introducción a este país cuando vine por primera vez desde Canadá, y es una ciudad a la que vuelvo con verdadero afecto.
Hay una energía especial durante la semana de la feria: el mundo del arte desciende, los restaurantes se llenan y IFEMA’se transforman en lo que la propia arquitectura de la feria breve llamada ‘metrópolis efímera’; una ciudad que existe durante cinco días, construida enteramente a partir del arte y la conversación.
ARCOmadrid 2026 de un vistazo
En su 45ª edición, ARCOmadrid reunió a 211 galerías de 30 países y a más de 1.300 artistas. Obras que abarcan pintura, escultura, instalación, fotografía, vídeo, nuevos medios y cosas que alegremente se resisten a la categorización.
Llegué en nombre de Format, con la misión de conocer a fondo una de las ferias de arte contemporáneo más importantes de Europa. Lo que encontré allí fue una feria que se plantea realmente grandes preguntas sobre el futuro del arte, la historia de la pintura y lo que significa hacer algo en 2026 que esperas que siga siendo importante en 2045.
Principales conclusiones de ARCOmadrid 2026:
- Tema: ARCO2045: El futuro, por ahora exploró cómo responden los artistas a la incertidumbre en el presente.
- A través de la línea: muchas cabinas ocupadas directamente con la historia del arte (juguetonamente, no con reverencia.)
- Destacados: una mezcla de favoritos que regresan y nuevos descubrimientos pictóricos.
- Marcador de identidad: La fuerza de ARCO Europa-América Latina puente sigue siendo distintivo.
- Nota de mercado: adquisiciones fueron fuertes, pero España 21% arte IVA sigue siendo un punto de presión.
ARCO2045: “El futuro, por ahora”
El tema central de esta 45ª edición fue ARCO2045: El futuro, por ahora,una sección comisariada desarrollada por José Luis Blondet y Malagí Arriola que invitaba a galerías y artistas a imaginar cómo podría ser el arte dentro de dos décadas. No como un ejercicio de bola de cristal, sino como algo más provisional y honesto: una reflexión sobre lo que el arte de los lenguajes está desarrollando hoy, en respuesta a un presente que se siente genuinamente incierto.
El espacio dedicado a la galería de la sección, diseñado por Estudio Angela Juarranz como una estructura que “no ilustra el tiempo, sino que lo despliega”, fue una de las salas más atmosféricas de la feria.
Obras destacadas de ARCO2045
Obras que juegan con el déjà vu, la memoria y la profecía. Paulina Olowska’considera la representación en la fotografía de moda. Candice Lin ofrecía una imagen vibrantemente sombría de lo que está por venir, si tal yuxtaposición fuera posible. Como pintor, siempre me interesa la cuestión de lo que un medio puede transportar y lo que puede decir que otro no puede; ARCO2045 parecía una sección llena de artistas que luchaban seriamente exactamente con eso.
En Format pensamos mucho en el futuro de cómo los artistas presentan su trabajo digitalmente. Hay algo energizante en estar rodeado de artistas que se plantean la misma pregunta subyacente desde una dirección completamente distinta: ¿qué aspecto tiene realmente el trabajo del mañana y cómo le damos cabida hoy?
Cena familiar“, de Candice Lin” se muestra con François Ghebaly, ha sido una de las que se me han quedado grabadas. Lin es una artista interdisciplinar afincada en Los Ángeles, cuya obra se ha expuesto en la Bienal de Venecia y en la Whitechapel Gallery, y cuya práctica encuentra constantemente formas de hacer que las ideas profundamente incómodas se sientan habitadas. Family Dinner es una oscura visión del futuro, y lo sabe. Lo que aprecié fue el humor que subyace en ella, que es muy propio de Lin: la obra no te pide que desesperes, sólo que mires con claridad.
Construye una cartera que parezca preparada para el futuro.
Format ayuda a los artistas a presentar su trabajo con un portafolio profesional y un sitio web fácil de actualizar a medida que evoluciona tu práctica. Crea tu cartera hoy mismo.
Cuando el arte contemporáneo habla con el pasado
Aunque el tema oficial de la feria era el futuro, una de las cosas que más me llamó la atención fue algo más parecido a lo contrario: cuántos artistas mantenían una conversación directa y juguetona con la historia del arte. No con reverencia, ni con el tipo de ironía inexpresiva que a veces puede parecer vacía, sino con el auténtico placer de alguien que ama la tradición sobre la que bromea.
Christian Jankowski y “Neue Malerei-Picasso”.”
Christian Jankowski’La serie Neue Malerei-Picasso de Jankowski es un ejemplo perfecto. Jankowski lleva desarrollando este conjunto de obras desde aproximadamente 2015, encontrando fotografías digitales de personas que recrean cuadros de maestros como Picasso, Van Gogh o Magritte y enviando esas fotografías a replicadores de pintura en China, para luego exponer los resultados. Las capas conceptuales son realmente interesantes: cuestiones de autoría, originalidad y lo que significa ‘pintar como’ cualquiera en una era de reproducción infinita. La obra es divertida e incómoda a partes iguales.
Serie Arte-Historia-Plaqué de Thomas Hirschhorn
Thomas Hirschhorn‘Art-History-Plaque XXV , mostrado con Galería Chantal Crousel, pertenece a este mismo hilo, pero llega a él desde una dirección completamente distinta. Hirschhorn es un artista suizo que ha construido toda su práctica en torno al uso deliberado de materiales humildes y desechables, como cartón, cinta de embalar y papel de aluminio. Los materiales son una especie de declaración política sobre el acceso, el valor y para quién es el arte.
La serie Art-History-Plaque pone esa sensibilidad en diálogo directo con el canon: imágenes históricas del arte impresas y anotadas en cartón, a gran escala y enfáticamente hechas a mano. El efecto es irreverente sin ser desdeñoso. En todo caso, la crudeza del material parece argumentar que la historia del arte pertenece a todos, no sólo a las instituciones con presupuesto para tratarla con reverencia. Es una obra generosa y discretamente radical.
Colisiones de archivos de Alberto Baraya
Y luego estaba Alberto Baraya’Niños cogiendo fruta y cazador torero sobre Ferrari 330 GT 2+2 (1969) en la Galería Fernando Pradilla, un título tan maravillosamente específico que casi funciona como una obra en sí mismo. Baraya es un artista colombiano cuya práctica cuestiona los legados coloniales y los sistemas a través de los cuales clasificamos y consumimos la cultura. La colisión iconográfica de niños recogiendo fruta, un cazador de toros y un Ferrari muy concreto de 1969 es deliberadamente desestabilizadora. Es el tipo de obra que se queda contigo no porque la entiendas del todo, sino porque no te permite dejar de intentarlo.
El Preludio de ARYZ y el Caso de Pintar Ahora
ARYZ (Octavi Arrizabalaga) en Galería Senda fue quizá la obra de esta categoría que más me conmovió. Su Serie Preludio presenta óleos de gran formato concebidos como diálogos visuales con los grandes maestros de la pintura clásica. Es un homenaje, según sus propias palabras, al oficio de pintor como medio legítimo de expresión y transmisión cultural. Todavía existe, en algunos rincones del mundo del arte, un ligero recelo hacia la franqueza y fisicidad de la pintura. El Preludio de ARYZ no aboga por la pintura. Simplemente lo es, magníficamente.
Viejos favoritos y nuevos descubrimientos
Una de las cosas que más me gustan de una feria de esta envergadura es la combinación de encontrarte con obras que ya te gustan y tropezarte con artistas que no sabías que estabas buscando.
Elga Heinzen y Laura García Karras (una cabina en la que merece la pena quedarse)
Elga Heinzen fue un auténtico placer volver a encontrarla, mostrada aquí en diálogo directo con la obra de Laura García Karras en el Galería Anne-Sarah Bénichou un binomio que resultó ser uno de los más comentados de la feria. La combinación era realmente inspirada: Las poderosas formas abstractas de Heinzen de los años 70 junto a las grandes e hipnóticas pinturas florales de García Karras. La obra de García Karras te seduce con intensidad cromática antes de que te des cuenta de la extrañeza subyacente; la de Heinzen se gana tu atención con otro tipo de paciencia. Juntos formaban un stand en el que merecía la pena detenerse.
Nuevos pintores a seguir: Travis Macdonald y Antonio Montalvo
Entre mis nuevos descubrimientos, Travis Macdonald me detuvo por completo. Hay algo en su forma de manejar la pintura que me parece inmediatamente distintivo. Es uno de esos artistas de los que miras una obra y piensas: puedo aprender mucho de esta persona. Antonio Montalvo fue otro hallazgo: una práctica que equilibra el rigor formal con una presencia emocional real. Ambos pintores crean una especie de luminosidad sobre la que voy a reflexionar en mi propia práctica.
Galerías latinoamericanas en ARCOmadrid
La diversidad de las obras expuestas fue inspiradora. Más del 30% de las galerías internacionales procedían de América Latina, una dimensión de ARCO que la hace diferente de cualquier otra feria europea, y una de las cosas que más me gustan de ella. La sección Perfiles | Arte Latinoamericano, comisariada por José Esparza Chong Cuy, presentó propuestas unipersonales de 11 creadores.
Gabriel Branco
Gabriel Branco’El debut de la joven artista paulista con Galatea fue todo un acontecimiento: reunió fotografía y pinturas al óleo y a la cera de abejas arraigadas en la vida cotidiana de la periferia de la ciudad, el baile funk, el comercio callejero, la arquitectura popular, plasmados en luminosas veladuras cromáticas que suspenden la mirada.
Harold Méndez
Harold Méndez, se muestra con Galería de mecenas y Mancomunidad y Consejo, El artista, por su parte, aportó otro tipo de peso: su práctica se sitúa en la intersección de la memoria, la materialidad y lo que la historia deja tras de sí en los objetos. Es una estructura curatorial de un artista, una propuesta que exige que te detengas y mires realmente, en lugar de escanear un stand con veinte obras.
Lo más destacado de El Apartamento Booth
El Apartamento era otro stand del que no quería salir. La galería fundada en La Habana, que ahora también tiene una sede en Madrid, ha construido su identidad en torno a las propuestas más incisivas del arte cubano y español, y en ARCO ese doble enfoque estaba en plena exhibición.
Ariel Cabrera Montejo‘Las pinturas del artista son algo genuinamente original: trabajando a partir de archivos históricos cubanos, toma a los héroes oficiales de la independencia cubana y los vuelve a meter en sus cuerpos, creando algo sensual, irónico, humano y nada parecido a sus retratos “oficiales”. La técnica está impregnada de la tradición académica española e italiana, lo que crea una maravillosa tensión con lo subversivo que es el contenido real.
Los Bravú-el dúo formado por Dea Gómez y Diego Omil- operan en un territorio adyacente: su obra figurativa mezcla el virtuosismo neomanierista con la fantasía surrealista, el cómic, el collage y las texturas de la cultura urbana y vernácula. Su pintura En la grieta brilla el deseo (2025) ganó el premio ARCO 2026 de la Comunidad de Madrid y entrará en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo colección.
Nacho Martín Silva-el pintor madrileño cuya práctica trata el estudio como una especie de archivo con imágenes e intentos que se acumulan con el tiempo hasta que encuentran su momento, su significado que llega tarde. Hay algo muy relacionado con esa filosofía, y su trabajo en el stand tenía exactamente esa cualidad: meditado, estratificado, sin prisas. Un stand que parecía uno de los más vivos de la feria.
Puntos rojos, compras institucionales y el IVA del arte español 21%
Hubo muchos puntos rojos a lo largo de la feria. Se anunciaron adquisiciones institucionales del Museo Reina Sofía, el IVAM, la Comunidad de Madrid, la Junta de Andalucía y múltiples fundaciones privadas.
Qué se vendió y por qué importa
Sólo el Reina Sofía invirtió más de 400.000 euros en 17 obras de 14 artistas, nueve de ellos mujeres. Para cualquiera que preste atención a la salud del ecosistema del arte contemporáneo, esto es significativo: que grandes instituciones compren a artistas vivos, en una feria, en público, es una afirmación de toda la cadena que va del estudio a la colección.
La tensión del IVA (el contexto y lo que pedían las galerías)
Vale la pena señalar que esta edición de ARCOmadrid tuvo lugar en medio de una tensión real dentro del sector artístico español. Habiendo vivido y expuesto aquí, esto no me resulta abstracto. Las galerías españolas se han manifestado sobre la 21% IVA en compras de arte. Es el más alto de Europa, frente al 5-8% de Francia, Italia, Alemania y Portugal. Galeristas y artistas organizaron protestas y cierres temporales de museos por la disparidad en los prolegómenos de la feria.
Los puntos rojos eran realmente alentadores; la conversación sobre el IVA es un recordatorio de que el entusiasmo por el arte no se traduce automáticamente en condiciones equitativas para las personas que lo hacen y lo venden. Ambas cosas eran ciertas a la vez en esta edición, y creo que sería deshonesto escribir sobre ARCO sin reconocer ambas.
Qué se siente al estar allí (y por qué la vida real sigue siendo importante)
En Format, existimos en el espacio digital al pulso de lo que los artistas y creadores presentan en línea, y pensamos seriamente en cómo una plataforma puede servir a los creativos al más alto nivel. Estar en ARCOmadrid es, para mí, un útil y alegre correctivo a pasar demasiado tiempo delante de una pantalla.
No hay nada que pueda sustituir a estar delante de un cuadro. Ningún rollo de pienso reproduce lo que se siente al entrar en una cabina y que se te corte la respiración, o al pasar veinte minutos delante de una obra que no puedes explicar del todo.
La temporalidad de una feria ofrece la urgencia de ver y aprender todo lo que puedas antes de que desaparezca. Esta “ciudad” existe durante cinco días. Después, las obras vuelven al mundo. De vuelta a estudios y colecciones e instituciones y almacenes, dispersas por treinta países. Hasta la próxima edición, cuando se construya otra versión de la misma ciudad, y la conversación continúe.
Conclusión: Por qué ARCOmadrid sigue siendo esencial
Esa continuidad merece ser nombrada; ARCO lleva 45 años haciendo esto. La feria ha sobrevivido a tendencias, crisis económicas y movimientos enteros en el arte contemporáneo.
Lo que la mantiene esencial no es sólo la calidad de las galerías o las adquisiciones institucionales, sino el hecho de que es realmente insustituible como punto de encuentro entre Europa y América Latina, entre lo histórico y lo emergente, entre la obra y las personas que se preocupan por ella.
- 211 galerías
- 30 países
- 1.300 artistas
- Abundancia de puntos rojos
- Un tema sobre el futuro que, de algún modo, hacía que el presente pareciera más vívido.
ARCOmadrid 2026 no decepcionó.
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Colaborador
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Erica Beyea estudió Bellas Artes en el Ontario College of Art & Design, y se licenció con matrícula de honor en la Universidad NSCAD.
En 2014, fundó Girls’ Art League en Toronto. Desde 2017 vive entre el este de Canadá y España. Actualmente reside en Zaragoza, España.
