Natalie King, artista indígena multidisciplinar queer 2S, habla sobre la representación y la comunidad en el mundo del arte

¿Puede presentarse y presentar su trabajo? 

Aaniin, me llamo Natalie King. Nací en Newmarket, Ontario, y mi familia es de la Primera Nación de Timiskaming por parte de mi padre. Pertenezco al clan de los osos. Actualmente vivo y trabajo en Toronto y llevo aquí unos 9 años. Trabajo de forma independiente como artista profesional, al tiempo que colaboro con Centro Cultural Xpace como Coordinador de Programación.

Soy Algonquin Anishinaabeg. Así que en mi trabajo reflexiono mucho sobre las historias de las estrellas, sobre el pasado, el presente y el futuro. Mi trabajo es interdisciplinar y abarca el vídeo, la pintura, la escultura, la instalación, el compromiso con la comunidad, el comisariado y la administración artística. 

¿Cómo se inició en el arte y qué le llevó por este camino? 

Desde la infancia, me sentí muy atraída por las artes, muy, muy joven. Y me sentía más feliz y alegre cuando hacía algo o creaba. Por suerte, mis padres me animaron a hacer arte. Mis padres respetaban mucho a los artistas y querían fomentar eso en mí cuando era joven.

Odiaba la escuela. Pero siempre me sentí como en casa en las clases de arte. Y también como persona marginada, creo que es muy importante para nosotros tener espacios donde nos sintamos vistos. Así que para mí, esos espacios de arte siempre fueron el espacio en el que me sentía más creativa y feliz. Y en cuanto empecé a trabajar de forma más seria, encontré ese flujo creativo, cuando te pierdes trabajando o entras en esa especie de estado de flujo. Para mí, eso fue algo que también ayudó a mi salud mental. Así que mi viaje está ligado a: tener unos padres que me apoyaran, que me gustara ir a clases de arte, que me gustara hacer arte y que me atrajera ese estado de flujo de soñar y crear.

Se nota esa sensación de fluidez en su obra. Hay mucho movimiento en las escenas y los cuerpos. 

Sí, hay muchos cuerpos que flotan en el espacio. En mi cultura, como persona de Algonquin Anishinaabeg, muchas de nuestras decisiones vienen de nuestros sueños. Así que los sueños también desempeñan un papel muy importante en mi trabajo, al igual que las historias de las estrellas. Lo que intento es contextualizarlo, mostrarlo.

Existe la visión occidental [de los sueños] de que estamos desbloqueando algo fuera de nuestra experiencia. Pero, en la cosmología indígena, los sueños no se ven como algo diferente de ti. Los sueños forman parte de ti. Se consideran un mensaje de tus antepasados. Así que también te vincula a tu línea de sangre. Creo que en Occidente, concretamente en la sociedad colonial de los colonos, no se ve de la misma manera o no se le da el mismo respeto o valor. 

De niña siempre soñé con hacer arte. Y también creo que tal vez era una forma de calmarme, porque de niña luchaba mucho contra la ansiedad y otras cosas. Creo que también podría haber sido un mensaje para mí en plan: "Deberías hacer esto, es parte de tu curación". 

¿Dónde estudió? ¿Cómo influyó su formación en su obra? 

Empecé la escuela en Colegio Georgiano en Barrie, Ontario. Allí tenían un programa de arte que estaba muy, muy bien porque te daba experiencia en todo tipo de medios con los que trabajar. Tuve la oportunidad de aprender a soldar, crear esculturas, grabar, pintar y dibujar. Se hacía mucho hincapié en la experimentación con todo tipo de medios y era muy práctico, algo que me encantó.

Entonces empecé en Universidad OCAD (Ontario College of Art & Design) en 2015. Estuve en el Programa de Dibujo y Pintura y luego me gradué en 2018. Hubo muchos puntos de partida en mi carrera, pero diría que no habría llegado a donde estoy ahora sin la gente que conocí en OCADU. Cuando empecé en OCADU era súper joven, acababa de mudarme a la ciudad. No conocía a nadie. OCADU me ayudó a establecer muchas conexiones con la comunidad artística de Toronto. Fue agradable estar rodeada de gente que también era queer, que también trabajaba de una manera que me pareció muy emocionante en ese momento.

En realidad, el mismo año que estaba haciendo la tesis [en la OCADU], había perdido a mi hermano. E hice por primera vez una pintura figurativa, que era diferente de lo que estaba trabajando en ese momento. Era la primera vez que hacía un cuadro grande que trabajaba específicamente en conversaciones o narraciones en torno a figuras. Eran figuras personificadas de mi hermana, mi hermano y yo en esta especie de jardín, en la tierra. Fue una de las primeras veces en las que me dije: "Espera un momento, siento algo, algo fuerte que me empuja en esta dirección". No fue hasta esa pieza que pensé: "Ahora estoy contando una historia, desde mi punto de vista, que nadie más puede contar". A partir de ahí empecé a desarrollar mi estilo de figuras. 

¿Puede hablarnos del impacto que los mentores indígenas han tenido en su práctica?

Asistí a un taller con Festival de Cine Queer de Torontoy fue entonces cuando empecé a trabajar con vídeo. Y llegué a trabajar con TJ Cuthand. Es un increíble artista transindígena que lleva trabajando desde los años 90 y más allá. Me enseñó a usar la cámara y a editar y me mostró el trabajo de muchos otros artistas indígenas queer con los que creo que no estaba familiarizado en absoluto.

Antes de eso, crecí en una ciudad muy pequeña. Crecí en un lugar llamado River Drive Park. Digo Newmarket, porque es donde nací. Pero en realidad crecí en un lugar que tenía tres calles y un montón de maizales. Tenía a mi familia, que era indígena. La familia de mi padre es muy grande. Tiene 20 hermanos y luego tienen hijos. Así que, aunque tenía esta gran comunidad familiar, no encontraba a otras personas queer que estuvieran en mi órbita en aquel momento. No fue hasta que me mudé a Toronto cuando empecé a establecer esos contactos y a conocer a esas personas.

Pero incluso dentro de una comunidad como Toronto, puede resultar difícil tener ese sentido de comunidad. Sólo ahora, en 2023, la ciudad acoge su segundo powwow de los dos espíritus. Después de la primera, hablé con muchas personas homosexuales -otros artistas indígenas homosexuales- y me dijeron: "Vaya, ha sido una de las primeras veces que he visto a tantas personas indígenas homosexuales en el mismo sitio". Creo que eso es lo que me ha faltado durante mucho tiempo. Y ahora que soy un poco mayor, he tenido tiempo de hacer esas conexiones. 

Al observar su obra, hay una serie de imágenes consistentes: cuerpos de color y cuerpos queer/femeninos en conjunción con elementos mágicos o fantásticos. Puede hablarnos de estas imágenes y de la importancia que tienen en su obra?

Quiero que mi trabajo sea lo más abierto y accesible posible. Me encanta la idea de las cosas que brillan, centellean o estallan. Me gusta la idea de desarmar a los espectadores. Creo que me centro en la alegría queer, la alegría indígena. Pero también quiero que la gente reflexione sobre el proyecto del colonialismo. Quiero que la gente piense en lo mucho que cuesta hacer estas imágenes y sacar esa alegría cuando hay tantas cosas que pretenden destruirnos. Empecé a trabajar sobre el hecho de que veo a las personas LGBTQ+ como líderes y realmente quería destacar que merecemos respeto y soberanía y poder sobre nuestros propios cuerpos. 

Empecé a pensar en las formas en que transformamos no sólo los pensamientos sobre el género y la familia, sino también las formas en que somos perspicaces y tenemos mucho que decir en cuanto al funcionamiento del mundo. Quería que eso fuera lo más destacado. 

Para mí, gran parte de la idea es que estos cuerpos [en mis cuadros] están llenos, se cuidan, se cuidan unos a otros, existen juntos en armonía. Como cuerpos queer -cuerpos indígenas queer- tienen plena soberanía sobre sí mismos. Pueden elegir sus estructuras familiares y tienen vidas ricas y fructíferas. Así que para mí es... tal vez no tengamos eso ahora, pero es una especulación de cómo sería si lo tuviéramos. 

Mis obras son una mezcla de fantasía y realidad a la vez. ¿Y qué significa que todas nuestras intersecciones sean sostenidas y respetadas? Estos cuerpos pretenden representar eso. Yo no diría que son particularmente masculinos o femeninos, aunque muchos de ellos tienen un código femenino. Yo diría que representan una feminidad queer, que a menudo existe fuera de los roles tradicionales de género de hombres y mujeres. Así que estas personas existen en un mundo en el que esas formas anticoloniales y especializadas de dar espacio a las personas de dos espíritus y queer, que eran tan importantes antes del proyecto de colonización, tienen ahora este espacio para florecer en estos futuros especulativos. 

Pienso en cómo sería para mí, como indígena queer, ver estas imágenes cuando era niña. ¿Cómo habría sido esa experiencia si las hubiera visto entonces? Por eso me parece importante o urgente. Por eso me parece importante o urgente. Y pienso en las niñas indígenas y en cómo ven mi trabajo. Y creo que a muchos niños también les atrae mucho mi trabajo, lo que también es emocionante. 

Lo primero y más importante es que me guste hacer mi trabajo. Porque si no disfruto del proceso, siento que eso le quita la alegría al trabajo. En mi práctica intento centrarme específicamente en la alegría. Sí, hay traumas y muchas cosas que nos dificultan la existencia, pero también intento pensar qué aspecto tiene la libertad. Y esto es una extensión de esos pensamientos, sentimientos e ideas hacia la libertad.

¿Cómo ha influido en su práctica el uso de Format?

Empecé a usar Format cuando era estudiante y no estaba muy familiarizada con la programación. Para mí era una manera muy fácil, práctica e intuitiva de hacer lo que quería con mi práctica artística. Lo he estado usando desde entonces y he sido capaz de crear una tienda. Todo es muy fácil. He sido capaz de ajustar mi sitio web con el tiempo y una especie de construir una marca o como quieras decirlo. Sí, me encanta. Me encanta. Es genial.

¿Qué consejo daría a los artistas aspirantes o emergentes? 

Cuídate. Lo más importante, y por encima de todo, es tu salud y tu bienestar mental. En cuanto a mi práctica artística, la clave para mí es la paciencia y la empatía conmigo misma. Centrarme en los objetivos, en tus objetivos, pero no ser dura contigo misma cuando surgen contratiempos, porque casi siempre los hay. Para mí se trataba de encontrar la alegría. 

¿Qué le espera en el horizonte? 

Continuar el trabajo que estoy haciendo en Xpace, ampliando las habilidades existentes y apoyando a los artistas emergentes. También estoy creando mis propias obras y desarrollando y aprendiendo en mi estudio. En el futuro me esperan interesantes exposiciones colectivas e individuales y oportunidades de residencia. Y espero poder seguir fomentando la comunidad, la conexión, la tutoría y el apoyo al tiempo que amplío mi práctica artística. Este año me esperan varias cosas interesantes. 

El año que viene haré una residencia curatorial para Galería TPW. Trabajaré con otros artistas queer de dos espíritus, trans e indígenas creando un recurso que se utilizará para la juventud queer indígena, que se compartirá en enero de 2024. También estoy Comisariado de una exposición en el Centro Cultural Xpaceque se inaugura el 26 de mayo de 2023. Y luego tengo unas cuantas exposiciones colectivas e individuales a finales de este año y hasta el año que viene. Así que sí, un montón de cosas emocionantes y espero hacer esas conexiones. Creo que lo más divertido para mí es establecer contactos significativos con otras personas que piensan como yo y con otras personas.

¿Cuáles son sus próximas exposiciones? 

Tengo un espectáculo en el Galería Robert McLaughlin en noviembre de 2023. Y luego tengo una exposición en la Galería Onsite en enero de 2024. Haré un mural a gran escala para el edificio de Artes y Ciencias de la Universidad McMaster, en el que participarán estudiantes indígenas de la universidad. También me esperan otras cosas estupendas que aún no puedo anunciar, pero siempre estoy ilusionada con el futuro y con lo que está por venir. 

Disfrute y adquiera la obra de Natalie King a través de su sitio web de carteras en líneacreado con Formaty síguela en Instagram para estar al día de sus próximos eventos.