ARCOmadrid 2026 : faits marquants, thèmes et artistes remarquables

J'ai passé une bonne partie de ma vie d'adulte en Espagne. Assez longtemps pour qu'en entrant dans ARCOmadrid, j'aie moins l'impression de visiter une institution étrangère que de retrouver une communauté d'artistes qui m'est familière. C'est à Madrid que j'ai découvert ce pays lorsque j'ai quitté le Canada pour la première fois, et c'est une ville où je reviens avec beaucoup d'affection.

Il règne ici une énergie particulière pendant la semaine de la foire : le monde de l'art s'y installe, les restaurants se remplissent, et les visiteurs se rendent à la foire. IFEMA’Les espaces de la foire se transforment en ce que l'architecture de la foire elle-même a de plus naturel. bref Une ville qui existe pendant cinq jours, entièrement construite à partir d'œuvres d'art et de conversations.

ARCOmadrid 2026 en bref

ARCOmadrid, qui en est à sa 45e édition, a réuni 211 galeries de 30 pays et plus de 1 300 artistes. Les œuvres exposées couvrent la peinture, la sculpture, l'installation, la photographie, la vidéo, les nouveaux médias et les choses qui résistent joyeusement à la catégorisation. 

Je suis arrivée pour le compte de Format, chargée de découvrir l'une des foires d'art contemporain les plus importantes d'Europe. J'ai découvert une foire qui pose véritablement de grandes questions sur l'avenir de l'art, L'histoire de la peinture, et ce que cela signifie de faire quelque chose en 2026 qui, on l'espère, aura encore de l'importance en 2045.

Principaux enseignements d'ARCOmadrid 2026 :

• Thème : ARCO2045 : L'avenir, pour l'instant a exploré la manière dont les artistes réagissent à l'incertitude du présent.
• Ligne de démarcation : de nombreux stands engagés directement avec l'histoire de l'art (avec humour, pas avec révérence).
• Remarques : un mélange de favoris qui reviennent et de nouvelles découvertes picturales.
• Marqueur d'identité : La force de l'ARCO Europe-Amérique latine Le pont reste caractéristique.
• Note de marché : les acquisitions ont été importantes, mais TVA artistique 21% de l'Espagne reste un point de pression.

ARCO2045 : “L'avenir, pour l'instant”.”

Le thème central de cette 45ème édition était ARCO2045 : L'avenir, pour l'instant,une section conçue par José Luis Blondet et Malagí Arriola qui invitait les galeries et les artistes à imaginer ce à quoi l'art pourrait ressembler dans deux décennies. Il ne s'agit pas d'un exercice de boule de cristal, mais de quelque chose de plus provisoire et de plus honnête : une réflexion sur les langues que l'art développe aujourd'hui, en réponse à un présent qui semble véritablement incertain.

L'espace dédié à la galerie de la section, conçu par Estudio Angela Juarranz L'une des salles les plus atmosphériques de la foire a été la salle d'exposition, où l'on a pu voir une structure qui “n'illustre pas le temps, mais le déploie”. 

Œuvres remarquables de ARCO2045

Œuvres jouant sur le déjà vu, la mémoire et la prophétie. Paulina Olowska’L'œuvre de M. Kristof s'intéresse à la représentation dans le domaine de la photographie de mode. Candice Lin offrait une image vibrante et sombre de ce qui nous attend, si une telle juxtaposition était possible. En tant que peintre, je suis toujours intéressée par la question de savoir ce qu'un médium peut porter et ce qu'il peut dire qu'un autre ne peut pas ; ARCO2045 a donné l'impression d'une section remplie d'artistes se débattant sérieusement avec exactement cela.

Chez Format, nous réfléchissons beaucoup à l'avenir de la présentation numérique du travail des artistes. Il y a quelque chose d'énergisant à être entouré d'artistes qui posent la même question sous-jacente dans une direction complètement différente : à quoi ressemble réellement le travail de demain et comment lui faire de la place aujourd'hui ?

Candice Lin's “Family Dinner” (Dîner en famille)” présenté avec François Ghebaly, L'œuvre de Lin est une œuvre qui est restée gravée dans ma mémoire. Lin est une artiste interdisciplinaire basée à Los Angeles dont les œuvres ont été exposées à la Biennale de Venise et à la Whitechapel Gallery, et dont la pratique trouve constamment des moyens de faire en sorte que des idées profondément inconfortables se sentent habitées. Family Dinner est une vision sombre de l'avenir, et elle le sait. Ce que j'ai apprécié, c'est l'humour sous-jacent, qui est tout à fait la signature de Lin : l'œuvre ne vous demande pas de désespérer, mais simplement de regarder clairement.

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Quand l'art contemporain parle au passé

Si le thème officiel de la foire était l'avenir, l'une des choses que je n'ai cessé de remarquer sur le stand était quelque chose de plus proche du contraire : le nombre d'artistes qui entretenaient une conversation directe et ludique avec l'histoire de l'art. Non pas avec révérence, non pas avec le genre d'ironie pince-sans-rire qui peut parfois sembler creuse, mais avec le plaisir sincère de quelqu'un qui aime la tradition sur laquelle il s'appuie.

Christian Jankowski et “Neue Malerei-Picasso”.”

Christian Jankowski’La série Neue Malerei-Picasso de Jankowski en est un parfait exemple. Jankowski développe ce corpus d'œuvres depuis 2015 environ, en trouvant des photographies numériques de personnes reconstituant des peintures de maîtres tels que Picasso, Van Gogh, Magritte et en envoyant ces photographies à des réplicateurs de peintures en Chine, puis en exposant les résultats. Les couches conceptuelles sont réellement intéressantes : questions de paternité, d'originalité et de ce que signifie ‘peindre comme’ quelqu'un à l'ère de la reproduction à l'infini. L'œuvre est à la fois drôle et inconfortable. 

Série Art-Histoire-Plaque de Thomas Hirschhorn

Thomas Hirschhorn‘Art-Histoire-Plaque XXV de la Commission européenne, présenté avec Galerie Chantal Crousel, Hirschhorn est un artiste suisse qui a construit toute sa pratique autour de l'utilisation délibérée de matériaux humbles et jetables tels que le carton, le ruban adhésif et le papier d'aluminium. Hirschhorn est un artiste suisse qui a construit toute sa pratique autour de l'utilisation délibérée de matériaux humbles et jetables tels que le carton, le ruban adhésif d'emballage et le papier d'aluminium. Ces matériaux constituent une sorte de déclaration politique sur l'accès, la valeur et les destinataires de l'art. 

La série Art-History-Plaque met cette sensibilité en dialogue direct avec le canon : des images de l'histoire de l'art imprimées et annotées sur du carton, à grande échelle et réalisées à la main. L'effet est irrévérencieux sans être dédaigneux. L'aspect brut du matériau semble même indiquer que l'histoire de l'art appartient à tout le monde, et pas seulement aux institutions qui disposent du budget nécessaire pour la traiter avec révérence. C'est une œuvre généreuse et discrètement radicale.

Collisions archivistiques d'Alberto Baraya

Et puis il y a eu Alberto Baraya’Niños cogiendo fruta y cazador torero sobre Ferrari 330 GT 2+2 (1969) à la Galería Fernando Pradilla - un titre si merveilleusement spécifique qu'il fonctionne presque comme une œuvre en soi. Baraya est un artiste colombien dont la pratique interroge les héritages coloniaux et les systèmes par lesquels nous classons et consommons la culture. La collision iconographique d'enfants cueillant des fruits, d'un chasseur tauromachique et d'une Ferrari très spécifique de 1969 est délibérément déstabilisante. C'est le genre d'œuvre qui reste en vous non pas parce que vous la comprenez parfaitement, mais parce qu'elle ne vous laisse pas arrêter d'essayer.

Le Preludio d'ARYZ et la nécessité de peindre maintenant

ARYZ  (Octavi Arrizabalaga) à l'adresse suivante Galeria Senda est peut-être l'œuvre de cette catégorie qui m'a le plus ému. Ses Série Preludio présente des peintures à l'huile de grand format conçues comme des dialogues visuels avec les grands maîtres de la peinture classique. Il s'agit d'un hommage, selon ses propres termes, au métier de peintre en tant que moyen légitime d'expression et de transmission culturelle. Il existe encore, dans certains coins du monde de l'art, une légère suspicion à l'égard du caractère direct et physique de la peinture. Le Preludio d'ARYZ ne plaide pas en faveur de la peinture. Il est tout simplement, magnifiquement.

Anciens favoris et nouvelles découvertes

L'une des choses que je préfère dans un salon de cette envergure, c'est la combinaison de la découverte d'œuvres que vous aimez déjà et de la découverte d'artistes que vous ne saviez pas que vous recherchiez.

Elga Heinzen et Laura Garcia Karras (un stand qui mérite qu'on s'y attarde)

Elga Heinzen a été un véritable plaisir à retrouver, présentée ici en dialogue direct avec le travail de Laura Garcia Karras au Galerie Anne-Sarah Bénichou une association qui s'est avérée être l'une des plus discutées de la foire. La combinaison était véritablement inspirée : Les formes abstraites des années 1970 de Heinzen, d'une puissance tranquille, côtoient les grandes peintures florales hypnotiques de Garcia Karras. Les œuvres de Garcia Karras vous séduisent par leur intensité chromatique avant que vous ne remarquiez l'étrangeté sous-jacente ; celles de Heinzen gagnent votre attention grâce à un autre type de patience. Ensemble, ils ont créé un stand qui mérite que l'on s'y attarde.

Nouveaux peintres à suivre : Travis Macdonald et Antonio Montalvo

Parmi mes nouvelles découvertes, Travis Macdonald m'a complètement arrêté. Il y a quelque chose dans sa façon de manier la peinture qui me semble immédiatement distinctif. Il fait partie de ces artistes dont on regarde une œuvre en se disant : "Je peux apprendre beaucoup de cette personne". Antonio Montalvo a été une autre découverte : une pratique qui équilibre la rigueur formelle avec une réelle présence émotionnelle. Ces deux peintres créent une sorte de luminosité à laquelle je vais réfléchir dans le cadre de ma propre pratique. 

Galeries d'Amérique latine à ARCOmadrid

La diversité des œuvres exposées est une source d'inspiration. Plus de 30% des galeries internationales venaient d'Amérique latine, une dimension d'ARCO qui la rend différente de toutes les autres foires européennes, et l'une des choses que j'aime le plus. La section Profils de l'art latino-américain, organisée par José Esparza Chong Cuy, La Commission européenne a présenté des propositions d'artistes uniques émanant de 11 créateurs. 

Gabriel Branco

Gabriel Branco’La jeune artiste originaire de São Paulo a réuni des photographies et des peintures à l'huile et à la cire d'abeille ancrées dans la vie quotidienne de la périphérie de la ville, le baile funk, le commerce de rue, l'architecture populaire, le tout rendu dans des glacis chromatiques lumineux qui suspendent le regard. 

Harold Mendez

Harold Mendez, présenté avec Galerie des mécènes et Commonwealth et Conseil, L'artiste a apporté un poids différent : sa pratique se situe à l'intersection de la mémoire, de la matérialité et de ce que l'histoire laisse derrière elle dans les objets. La structure curatoriale d'un artiste et d'une proposition exige que l'on ralentisse et que l'on regarde, plutôt que de parcourir une vingtaine d'œuvres sur un stand. 

Points forts de El Apartamento Booth

El Apartamento est un autre stand que je n'ai pas voulu quitter. La galerie fondée à La Havane, qui dispose désormais d'un siège à Madrid, a construit son identité autour des propositions les plus incisives en matière d'art cubain et espagnol, et à ARCO, cette double orientation était pleinement mise en évidence.

Ariel Cabrera Montejo‘Les peintures de M. Kroes sont véritablement originales : à partir d'archives historiques cubaines, il prend les héros officiels de l'indépendance cubaine et les replace dans leur corps, créant ainsi quelque chose de sensuel, d'ironique, d'humain, qui ne ressemble en rien à leurs portraits “officiels”. La technique est imprégnée de la tradition académique espagnole et italienne, ce qui crée une merveilleuse tension avec le caractère subversif du contenu. 

Los Bravú-Le duo Dea Gómez et Diego Omil opère sur un territoire adjacent : leur travail figuratif mêle la virtuosité néo-maniériste à la fantaisie surréaliste, aux bandes dessinées, aux collages et aux textures de la culture urbaine et vernaculaire. Leur peinture En la grieta brilla el deseo (2025) a remporté le prix ARCO 2026 de la Communauté de Madrid et participera au concours de l'Union européenne. Museo Centro de Arte Dos de Mayo collection. 

Nacho Martín Silva-Le peintre madrilène traite l'atelier comme une sorte d'archive où les images et les tentatives s'accumulent au fil du temps jusqu'à ce qu'elles trouvent leur moment, leur signification arrivant tardivement. Il y a quelque chose de très compréhensible dans cette philosophie, et son travail au stand présentait exactement cette qualité : réfléchi, stratifié, sans précipitation. Un stand qui semblait être l'un des plus vivants de la foire.

Points rouges, achats institutionnels et TVA artistique espagnole 21%

Il y a eu beaucoup de points rouges tout au long de la foire. Des acquisitions institutionnelles ont été annoncées par le Museo Reina Sofía, l'IVAM, la Communauté de Madrid, le gouvernement régional d'Andalousie et de nombreuses fondations privées. 

Ce qui a été vendu et pourquoi c'est important

La Reina Sofía a investi à elle seule plus de 400 000 euros dans 17 œuvres de 14 artistes, dont 9 femmes. Pour qui est attentif à la santé de l'écosystème de l'art contemporain, c'est significatif : de grandes institutions qui achètent à des artistes vivants, dans une foire, en public, c'est l'affirmation de toute la chaîne, de l'atelier à la collection.

La tension de la TVA (le contexte et les demandes des galeries)

Il convient de noter que cette édition d'ARCOmadrid s'est déroulée dans un contexte de tension réelle au sein du secteur artistique espagnol. Ayant vécu et exposé dans ce pays, cela n'a rien d'abstrait pour moi. Les galeries espagnoles ont exprimé leur mécontentement à l'égard de la situation du pays en matière d'art. 21% TVA sur les achats d'œuvres d'art. C'est le taux le plus élevé d'Europe, contre 5-8% en France, en Italie, en Allemagne et au Portugal. Les galeristes et les artistes ont mis en scène protestations et des fermetures temporaires de musées à cause de cette disparité pendant la période précédant la foire. 

Les points rouges étaient réellement encourageants ; la conversation sur la TVA nous rappelle que l'enthousiasme pour l'art ne se traduit pas automatiquement par des conditions équitables pour les personnes qui le produisent et le vendent. Les deux choses étaient vraies en même temps dans cette édition, et je pense qu'il serait malhonnête d'écrire sur l'ARCO sans reconnaître les deux.

Ce que l'on ressent quand on y est (et pourquoi l'IRL compte toujours)

À Format, nous existons dans l'espace numérique, à l'écoute de ce que les artistes et les créateurs présentent en ligne, et nous réfléchissons sérieusement à la manière dont une plateforme peut servir les créatifs au plus haut niveau. Pour moi, être à ARCOmadrid est un correctif utile et joyeux au fait de passer trop de temps devant un écran.

Rien ne remplace le fait de se tenir devant un tableau. Aucun rouleau d'alimentation ne reproduit ce que l'on ressent lorsqu'on entre dans une cabine et que l'on a le souffle coupé, ou que l'on passe vingt minutes devant une œuvre que l'on ne peut expliquer entièrement. 

La temporalité d'une foire donne l'impression qu'il est urgent de voir et d'apprendre le plus possible avant qu'elle ne disparaisse. Cette “ville” existe pendant cinq jours. Ensuite, les œuvres retournent dans le monde. Elles retournent dans les studios, les collections, les institutions et les entrepôts, dispersés dans trente pays. Jusqu'à la prochaine édition, où une autre version de la même ville sera construite et où la conversation se poursuivra.

Dernier avis : Pourquoi ARCOmadrid est toujours indispensable

Cette continuité mérite d'être soulignée : l'ARCO fait cela depuis 45 ans. La foire a survécu aux tendances, aux crises économiques et à des mouvements entiers dans le domaine de l'art contemporain. 

Ce qui la rend essentielle, ce n'est pas seulement la qualité des galeries ou des acquisitions institutionnelles, c'est le fait qu'elle est véritablement irremplaçable en tant que point de rencontre entre l'Europe et l'Amérique latine, entre l'histoire et l'émergence, entre l'œuvre et les personnes qui s'y intéressent.

• 211 galeries
• 30 pays
• 1 300 artistes
• Une abondance de points rouges
• Un thème sur l'avenir qui, d'une certaine manière, rend le présent plus vivant.

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