Notre série hebdomadaire Portfolio Spotlight est un gros plan sur les personnes talentueuses qui utilisent les sites web Format pour présenter leur travail. Cette semaine, nous interviewons la photographe Michelle Watt.
Qu'il s'agisse d'une prise de vue commerciale ou d'un projet personnel, les photographies de Michelle Watt tirent toujours le meilleur parti des détails. Cette photographe basée à New York, qui a publié des travaux dans Le New York Times et Village Voice, a un œil unique pour la composition. Sa spécialité est sa série de tableaux dramatiques, des images complexes, colorées et résolument théâtrales qui racontent une histoire.
Sur son site web, Mme Watt réduit ses photographies à quelques galeries de commandes, à ses tableaux et à une galerie des meilleurs moments. Un arrière-plan rose pâle ajoute une touche raffinée à son portfolio, tandis que l'utilisation de polices avec et sans empattement fait écho au contraste contemporain/classique que l'on retrouve dans le travail de Watt, qui s'inspire des éléments suivants photographie de mode ainsi que des peintres du 19e siècle.
Nous avons pris contact avec Watt pour en savoir plus sur l'inspiration qui se cache derrière ses photographies et sur les étapes de la mise en place de l'un de ses tableaux complexes.
Comment avez-vous commencé à pratiquer la photographie ?
J'ai pris un appareil photo dès mon plus jeune âge, même si je n'étais pas sûr d'aimer cela à l'époque. J'ai appris la photographie dans le cadre d'un cursus universitaire, qui prônait les explorations intellectuelles et vénérait les photographes d'art moderne, mais rien de tout cela ne correspondait vraiment à ce que je voulais faire. Mais à l'adolescence, il est difficile de savoir ce que l'on veut, car on teste tellement de théories et d'idéologies à la fois que le seul moyen de savoir que l'on va dans la bonne direction est que quelqu'un dise : "Oui, tu vas dans la bonne direction".
J'étais confus et je pensais que la seule photographie qui valait quelque chose devait être ésotérique et conceptuelle. Avec le recul, je pense que je cherchais toujours à obtenir l'approbation de ce que je voulais photographier avant de le faire. Je voulais que quelqu'un me montre du doigt ce que je voulais faire et me dise "C'est du bon travail", ce qui me libérait et me permettait de le faire.
Plus tard, j'ai découvert que c'est simplement quelque chose que j'ai besoin de me dire, et que mon travail le plus fort vient de cette pulsion intérieure. C'est le moment où ma voix intérieure me dit : "Il faut que je fasse cette chose simplement parce que j'ai besoin de la voir".
Sur votre site web, vous mentionnez que la peinture allégorique du 19e siècle est une source d'inspiration. Pourriez-vous nous en dire plus à ce sujet ? Y a-t-il des peintres ou des œuvres en particulier qui ont eu une influence sur vous ?
Je suis fasciné par l'assemblage massif de détails. Plus le détail est simple, plus il est captivant. J'aime ressentir la représentation du poids physique en mouvement suspendu. Le poids d'une position contre la force d'une action. Une caresse douloureusement douce. La courbure d'un orteil. Qu'est-ce qui provoque cette résistance insupportablement subtile ? Avez-vous déjà remarqué comment le drapé du velours peut viscéralement imiter le relâchement d'une peau grasse (les chérubins de Rubens) ? Ou encore, entre deux personnages qui se tordent, s'agit-il d'intimité ou de lutte ? Souvent, ils se confondent, provoquant un magnétisme troublant et métaphysique. Tout est suspendu dans l'huile et arrangé dans une composition parfaite. Même dans les tableaux les plus lourds, il y a une apesanteur.
Tous ces moments apparemment discrets deviennent pertinents simplement parce qu'ils sont placés sur la même toile pour raconter une histoire. C'est la même chose que de se trouver face à une tour métropolitaine rutilante et d'observer les fenêtres des gens. Vous contribuez à un récit plus vaste en illustrant une série de récits plus modestes qui se déroulent simultanément. Une vue épique de constituants quotidiens. Il y a de la poésie là-dedans.
La peinture flamande antérieure a fait quelque chose de similaire en représentant des êtres saints effectuant des activités diurnes. Des êtres épiques faisant des choses non épiques. Un de mes classiques préférés, Le radeau de la Méduse, peinte par Théodore Géricault en 1819, dépeint les conséquences d'un événement cataclysmique, plutôt que l'événement lui-même. Il s'agit d'un tableau sur les restes, et non sur le festin lui-même. Une assiette de cadavres et quelques vivants accrochés. Le tableau est dépourvu de héros, mais il est indubitablement héroïque. Il mesure près de 6 mètres de haut et il est tout à fait impressionnant de le contempler de dessous. Sa taille gigantesque permet de se plonger dans les détails toute la journée.
Quelles sont les autres sources d'inspiration de votre photographie ?
Au lieu de compiler des "photos d'inspiration" existantes pour créer des tableaux d'humeur, j'ai récemment joué avec l'idée d'associations d'images. C'est tellement simple que cela en devient presque idiot. C'est un peu comme le test de la tache d'encre, où l'on vous donne une tache d'encre et où l'on vous demande la première chose qui vous vient à l'esprit. De la même manière, je prends un objet que je regarde (généralement le thème ou le sujet d'une prise de vue) et j'énumère librement les premières choses qui me viennent à l'esprit.
Le plus souvent, les objets (ou les gestes) qui en résultent sont vraiment bizarres et n'ont pas grand-chose à voir avec l'objet, mais ils peuvent finalement avoir un sens dans une image d'une manière que vous ne pouvez pas rationaliser. Il s'agit de placer l'un à côté de l'autre des objets que l'on ne penserait normalement pas à associer afin de transcender les objets individuels eux-mêmes. Souvent, ces combinaisons finissent par être simples.
J'exerce ce muscle chaque fois que je promène mon chien. Aujourd'hui, j'ai vu du lierre verdoyant ramper le long d'un mur et j'ai pensé à une pieuvre géante escaladant le bâtiment. J'aurai certainement besoin d'utiliser cette combinaison lors d'une prise de vue. Ce processus est une façon plus active de créer que de régurgiter en réaction.
L'idée est née de la nécessité d'améliorer la direction artistique. Je voulais créer quelque chose de nouveau au lieu de recréer quelque chose qui existait déjà. L'astuce ultime consiste à trouver quelque chose entre les deux, quelque chose qui vous est propre, mais qui est toujours relatable.
Pourriez-vous nous parler un peu du processus qui sous-tend vos prises de vue de tableaux ?
Le processus est long et lent. J'attends généralement d'absorber le plus de matière possible avant de me lancer. Je fais beaucoup de recherches sur le sujet, je me plonge dans les mythologies (écrites et dépeintes) de différentes cultures, je lis des nouvelles, je regarde des films et des séries télévisées aux thèmes pertinents, j'étoffe les couches narratives avec mes collaborateurs (stylistes, décorateurs, etc.) qui sont d'une valeur inestimable pour la création de chaque pièce, et je m'entraîne à créer des récits sur des inconnus en public.
Parfois, je fais des croquis, mais comme je suis assez nulle en dessin, je finis par dessiner dans ma tête. J'aime faire appel à des acteurs plutôt qu'à des mannequins, car les acteurs sont experts dans l'art de transmettre l'authenticité dans la pose. Je leur donne des motivations à jouer, qui impliquent généralement un autre personnage. Je les regroupe de manière à ce qu'ils créent des micro-narrations qui donnent de la texture à la narration plus large. Enfin, je construis une composition qui incite l'œil à se déplacer dans le cadre afin de faire avancer le spectateur dans l'histoire.
Parce que chaque pièce est d'une telle ampleur, qu'elle implique une narration précise à plusieurs niveaux, un budget extrêmement limité, plus d'une douzaine de membres de l'équipe et de talents, et des lieux de tournage compliqués, il faut énormément de temps, d'anxiété et de patience pour mettre en place toutes les pièces mobiles et les assembler. L'ensemble du processus est très intimidant.
Comment utilisez-vous votre site web pour soutenir votre travail créatif ?
En tant que photographe professionnel, je devrais vraiment limiter l'utilisation de mon site web à la présentation du type de travail que je souhaite obtenir, de la même manière qu'un portfolio. Mais comme le site web est aussi la principale plateforme sur laquelle je présente des projets multi-images ou des séries de photos à long terme, il est difficile de ne pas se laisser emporter et de ne pas montrer tous les derniers trucs sympas sur lesquels j'ai travaillé.
D'une certaine manière, parce que le format du site web me permet de présenter mes séries d'une manière significative, je suis poussé à créer plus de séries. C'est un peu étrange, mais le processus fonctionne !
Sur quoi travaillez-vous en ce moment ?
Je travaille actuellement sur mon prochain tableau (indice : sirènes et marins) et sur une série d'aventures non conventionnelles tirées de divers voyages d'escalade que j'ai effectués au cours de la dernière décennie.
Citez deux artistes ou photographes que nous devrions suivre.
Dernièrement, j'ai été obsédée par l'ouvrage d'Erik Madigan Heck intitulé Vacances en famille série pour Stern Allemagneet de Todd Antony Dekatora série de camionneurs japonais dans leurs cabines décorées.
Vous pensez que votre portfolio Format devrait être présenté dans notre série Portfolio Spotlight ? Envoyez-nous un lien pour être pris en considération.
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