Nuestra serie semanal Portfolio Spotlight es un acercamiento a las personas con talento que utilizan los sitios web de Format para mostrar su trabajo. Esta semana entrevistamos a la fotógrafa Michelle Watt.
Tanto si se trata de una sesión comercial como de un proyecto personal, la fotografía de Michelle Watt siempre saca el máximo partido de los detalles. La fotógrafa afincada en Nueva York, que ha publicado trabajos en El New York Times y Village Voice, tiene un ojo único para la composición. Su especialidad son sus series de cuadros dramáticos, imágenes intrincadas, coloristas y decididamente teatrales que cuentan una historia.
En su sitio web, Watt reduce su trabajo fotográfico a unas pocas galerías de encargos, sus obras de tableaux y una galería de imágenes destacadas. Un fondo rosa pálido da un toque refinado a su portafolio, mientras que el uso de fuentes serif y sans serif se hace eco del contraste contemporáneo/clásico de la obra de Watt, que se inspira en fotografía de moda así como pintores del siglo XIX.
Nos pusimos en contacto con Watt para saber más sobre la inspiración que hay detrás de su fotografía y lo que supone montar uno de sus complejos cuadros.
¿Cómo se inició en la fotografía?
Cogí una cámara a una edad temprana, aunque entonces no estaba seguro de que me gustara. Aprendí fotografía en el mundo académico, que defendía las exploraciones intelectuales y veneraba a los fotógrafos modernos de bellas artes, pero nada de eso encajaba realmente con lo que yo quería hacer. Pero cuando eres adolescente, es difícil saber lo que quieres, porque estás probando tantas teorías e ideologías vitales a la vez, que la única forma de saber que vas en la dirección correcta es si alguien te dice: "Sí, vas en la dirección correcta".
Estaba confundido y pensaba que la única fotografía que valía algo tenía que ser esotérica y conceptual. En retrospectiva, creo que siempre buscaba la aprobación de lo que quería fotografiar antes de hacerlo. Quería que alguien me indicara lo que quería hacer y me dijera: "Este es un buen trabajo", lo que me liberaría y me permitiría hacerlo.
Más tarde descubrí que eso es algo que necesito decirme a mí mismo, y mi trabajo más fuerte surge de ese impulso interior. Es el momento en que mi voz interior me dice: "Tengo que hacer esto porque necesito verlo".
En su página web menciona la pintura alegórica del siglo XIX como fuente de inspiración. ¿Podría hablarnos más de ello? ¿Hay algún pintor u obra en concreto que le haya influido?
Me fascina el montaje masivo de detalles. Cuanto más simple es el detalle, más fascinante es. Me encanta sentir la representación del peso físico en movimiento suspendido. El peso de una postura contra la fuerza de una acción. Un golpe dolorosamente suave. La curvatura de un dedo del pie. ¿Qué causa esa resistencia insoportablemente sutil? ¿Se ha fijado alguna vez en cómo el drapeado del terciopelo puede emular visceralmente la flacidez de la piel grasa (los querubines de Rubens)? O entre dos figuras que se retuercen, ¿es intimidad o lucha? A menudo se funden en la misma cosa, provocando un magnetismo inquietante y metafísico. Todo está suspendido en óleo y dispuesto en una composición perfecta. Incluso en los cuadros más pesados, hay una ingravidez.
Todos estos momentos aparentemente discretos adquieren relevancia simplemente porque se plasman en el mismo lienzo para contar una historia. Es la misma emoción que se siente al mirar por la ventana de un rascacielos metropolitano resplandeciente. Estás contribuyendo a una narración más amplia al ilustrar un montón de narraciones más pequeñas que suceden simultáneamente. Una vista épica de componentes cotidianos. Hay poesía en ello.
La pintura flamenca anterior hacía algo parecido cuando representaba seres sagrados realizando actividades diurnas. Seres épicos haciendo cosas no épicas. Uno de mis clásicos favoritos, La balsa de Medusa, pintado por Theodore Géricault en 1819, representa las secuelas de un cataclismo, en lugar del acontecimiento en sí. Es un cuadro sobre las sobras, no sobre el festín en sí. Un plato de cadáveres y algunos vivos colgando. El cuadro carece de héroes, pero es indudablemente heroico. Tiene la friolera de seis metros de altura y es totalmente sobrecogedor contemplarlo desde abajo. Como es tan gigante, se puede nadar en los detalles todo el día.
¿Qué más inspira su fotografía?
En lugar de recopilar "fotos de inspiración" para crear mood boards, últimamente he estado jugando con la idea de las asociaciones de imágenes. Es tan sencillo que casi parece una tontería. Es como esos tests de manchas de tinta en los que te dan una mancha y te preguntan qué es lo primero que se te viene a la cabeza. Del mismo modo, tomo un objeto que estoy mirando (normalmente el tema o sujeto de una sesión fotográfica) y enumero libremente las primeras cosas que me vienen a la cabeza.
La mayoría de las veces, los elementos (o gestos) resultantes son realmente extraños y no tienen nada que ver con el objeto, pero al final pueden tener sentido en una imagen de una forma que no se puede racionalizar. Se trata de colocar unos junto a otros objetos que normalmente no se te ocurriría emparejar para trascender los propios objetos individuales. A menudo, estas combinaciones acaban siendo sencillas.
Ejercito este músculo cada vez que saco a pasear a mi perro. Hoy he visto una exuberante hiedra verde trepando por una pared y he pensado en un pulpo gigante escalando el edificio. Tendré que utilizar esta combinación en una sesión fotográfica. Este proceso es una forma más activa de crear que una forma reactiva de regurgitar.
La idea surgió de la necesidad de mejorar en la dirección artística. Quería crear algo nuevo en lugar de recrear algo que ya existía. El truco está en encontrar algo intermedio entre las dos cosas, algo que sea tuyo, pero que siga siendo relacionable.
¿Podría hablarnos un poco del proceso que hay detrás de las tomas de sus cuadros?
El proceso es largo y lento. Por lo general, espero a absorber toda la materia prima posible antes de ejecutar. Investigo mucho sobre el tema, profundizo en mitologías (escritas y representadas) que abarcan diferentes culturas, leo relatos cortos, veo películas y series de televisión con temas relevantes, desarrollo las capas narrativas con mis colaboradores (estilistas, escenógrafos, etc.), que son enormemente valiosos para la creación de cada pieza, y practico la creación de narraciones sobre desconocidos en público.
A veces hago bocetos, pero soy bastante malo dibujando, así que acabo haciendo bocetos en mi mente. Me gusta elegir actores en lugar de modelos porque los actores son expertos en transmitir autenticidad en la pose. Les doy motivaciones para que las interpreten, que normalmente implican a otro personaje. Los agrupo para que creen micronarrativas que den textura a la narración general. En última instancia, construyo una composición que induce al ojo a moverse por el encuadre para que el espectador avance en la historia.
Dado que cada obra es de gran envergadura, con una narrativa precisa y de múltiples capas, un presupuesto extremadamente limitado, más de una docena de miembros del equipo y de artistas, y complicados montajes en exteriores, se necesita una cantidad abrumadora de tiempo, ansiedad y paciencia para disponer todas las piezas móviles y encajarlas. Todo el proceso es desalentador.
¿Cómo utiliza su sitio web para apoyar su trabajo creativo?
Como fotógrafo en activo, en realidad debería limitar el uso de mi sitio web a mostrar el tipo de trabajo que quiero conseguir, del mismo modo que lo hace un portfolio book. Pero como la web es también la principal plataforma en la que muestro proyectos de varias imágenes o series fotográficas a largo plazo, es difícil no dejarse llevar y limitarse a mostrar todas las últimas cosas chulas en las que he estado trabajando.
En cierto modo, como el formato del sitio web me permite mostrar mis series de manera significativa, me siento impulsado a crear más series. Un poco al revés, pero el proceso funciona.
¿En qué está trabajando ahora?
Actualmente estoy trabajando en mi próxima pieza de tableau (pista: sirenas y marineros) y en una serie de aventuras poco convencionales de varios viajes de escalada que he realizado en la última década.
Nombre dos artistas o fotógrafos a los que deberíamos seguir.
Últimamente estoy obsesionado con la obra de Erik Madigan Heck Vacaciones en familia para Stern Alemaniay Todd Antony Dekatora serie de camioneros japoneses en sus cabinas ornamentadas.
¿Cree que su cartera de Format debería aparecer en nuestra serie Portfolio Spotlight? Envíenos un enlace para que le tengamos en cuenta.
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