Non esiste una fotografia oggettiva.
Un recente articolo pubblicato sul *Wall Street Journal* dal titolo “Le foto ritoccate digitalmente rappresentano la realtà o la finzione?” ha affermato che in molte immagini odierne è presente un eccesso di “manipolazione” (ovvero il ricorso a Photoshop), in particolare nel fotogiornalismo e nei concorsi fotografici. Esiste evidentemente uno standard arbitrario (che nessuno sembra in grado di definire oggettivamente) secondo cui, in sostanza, solo un’immagine così come esce dalla fotocamera è considerata autentica o accettabile — soprattutto se si è fotoreporter o se si presenta la propria immagine a un concorso.
L'autrice dell'articolo, Ellen Gamerman, fornisce alcuni esempi di foto ritoccate, tra cui Harry Fisch, che “ha vinto e poi perso il primo premio in un concorso fotografico del National Geographic” per quella foto “La preparazione delle preghiere sul Gange” perché ha rimosso digitalmente un sacchetto di plastica superfluo da una zona irrilevante dell'immagine. Si discute inoltre di Steve McCurry, noto soprattutto per il suo iconico “La ragazza afghana” foto sulla copertina della rivista National Geographic nel 1985. È stato accusato di aver ritoccato digitalmente alcune immagini scattate nel 1983 in Bangladesh e in India.
Nel complesso, trovo tutto ciò assurdo e ritengo che la logica alla base di tali tentativi di definire una “fotografia oggettiva” sia fatalmente viziata. Da un punto di vista puramente scientifico, non esiste assolutamente nulla di simile a una fotografia “oggettiva” — per una miriade di ragioni. Tutte le fotografie mentono, in modo permanente e assoluto. L’unica differenza sta nel grado di falsità e nel numero di aspetti in cui ciò avviene.
Un esempio che combina inquadratura e profondità di campo. Uno dei due fotografi si trova a 6 piedi più lontano (rispetto alla posizione della mia fotocamera) rispetto all’altro, ma la prospettiva accorciata del teleobiettivo da 200 mm sembra raffigurare i due fotografi come se stessero duellando. [©2012 Ed Elliott / Clearlight Imagery]
La prima menzogna: l’inquadramento
La natura stessa della fotografia, dai suoi albori fino ad oggi, ha al suo centro una caratteristica fondamentale: l’inquadratura. Solo una parte di ciò che il fotografo può vedere può essere catturata in un’immagine.
Ogni fotografia presenta quattro bordi. Che i bordi finali che appaiono allo spettatore siano dovuti ai limiti della fotocamera, della pellicola o del sensore di immagine, oppure al ritaglio effettuato durante il processo di editing, è irrilevante. La scelta iniziale dell’inquadratura spetta al fotografo, in sintonia con la fotocamera utilizzata, la quale presenta limiti fisici che non possono essere superati.
La scelta dell’inquadratura è del tutto soggettiva: sono l’occhio, il cervello e l’intuizione del fotografo a decidere, sul momento, dove puntare la fotocamera e cosa includere nell’inquadratura. Ruotare la fotocamera di qualche grado verso sinistra per evitare un palo del telefono antiestetico costituisce una “manipolazione digitale ingiustificata”?”
Probabilmente la maggior parte dei redattori giornalistici e dei giudici dei concorsi fotografici non sarebbe d’accordo. Ma cosa succederebbe se si ottenesse esattamente lo stesso risultato ritagliando l’immagine durante il processo di elaborazione? Già qui iniziamo a riscontrare divergenze nella letteratura.
Se Fisch si fosse semplicemente avvicinato e avesse raccolto il sacchetto di plastica in questione prima di scattare la foto, probabilmente avrebbe meritato il primo premio del National Geographic, ma poiché ha rimosso il sacchetto in fase di post-produzione, la sua fotografia è stata squalificata.
Seguendo questa stessa logica, quando Leonardo da Vinci dipinse il Mona Lisa Dietro di lei c’è una balaustra con due colonne. La posizione di Lisa Gherardini (la presunta modella) tra le colonne presenta una perfetta simmetria, che contribuisce a incorniciare il soggetto. Dipingere richiede tempo; è probabile che di tanto in tanto un uccello si posasse sulla balaustra. Leonardo avrebbe dovuto includere l’uccello o no? Ha forse “manipolato” l’immagine includendo solo le parti che erano importanti per la composizione? Qualche redattore o giudice oserebbe chiederglielo oggi, se fosse possibile?
Inquadratura grandangolare che mette in risalto la nitidezza della messa a fuoco dal primo piano allo sfondo. Inoltre, l’esagerazione della prospettiva fa apparire la prua dell’imbarcazione molto più alta della poppa. [©2013 Ed Elliott / Clearlight Imagery]
La seconda menzogna: la lente
Non è possibile scattare una fotografia senza un obiettivo. Ogni obiettivo presenta alcune caratteristiche innegabili: la lunghezza focale e l’apertura massima sono le più importanti. Ciascuno di questi parametri conferisce un aspetto fondamentale, e soggettivo, all’immagine che verrà successivamente catturata.
Ogni lunghezza focale mette a fuoco una porzione più o meno ampia dell'inquadratura e, di conseguenza, riduce la profondità di campo. Gli obiettivi grandangolari tendono a mettere a fuoco nitidamente l'intero campo visivo, mentre i teleobiettivi sfocano tutto tranne ciò che il fotografo ha scelto come punto di messa a fuoco principale.
Inoltre, ogni tipo di obiettivo distorce in modo evidente il campo visivo: gli obiettivi grandangolari tendono a esagerare la distanza tra primo piano e sfondo, facendo apparire gli oggetti più vicini nell’inquadratura più grandi di quanto non siano in realtà e quelli lontani ancora più piccoli. I teleobiettivi hanno l’effetto opposto, accorciando l’immagine e appiattendola.
Ad esempio, in una foto scattata con un teleobiettivo a lunga focale che ritrae un albero su un crinale illuminato dalla luna alle spalle, sia l’albero che la luna possono risultare perfettamente nitidi e, a prima vista, sembra che la luna si trovi proprio dietro l’albero, anche se in realtà dista 239.000 miglia.
In definitiva, la scelta dell’obiettivo e dell’apertura è un elemento determinante per il fotografo (o per il suo portafoglio) e ha un effetto enorme sull’immagine scattata con quell’obiettivo e quelle impostazioni. Nessuna di queste scelte può essere considerata una manipolazione “analogica” o “digitale” dell’immagine durante la post-produzione, ma si può sostenere che abbiano un effetto maggiore sul risultato, sul messaggio, sull’impatto e sul tono della fotografia rispetto a qualsiasi intervento successivo in camera oscura (sia esso chimico o digitale).
Velocità dell'otturatore elevata per congelare il movimento. 1/2000 sec. [©2012 Ed Elliott / Clearlight Imagery]
La terza bugia: la velocità dell'otturatore
Ogni esposizione è il risultato di due fattori: la luce e il tempo. La quantità di luce che colpisce un negativo (o un sensore digitale) è determinata esclusivamente dall’apertura selezionata (ed eventualmente da eventuali filtri aggiuntivi posizionati davanti all’obiettivo); la durata durante la quale la luce colpisce il negativo è stabilita dalla velocità dell’otturatore.
Sebbene lo scopo principale dell’impostazione della velocità dell’otturatore sia quello di ottenere la corretta esposizione una volta selezionata l’apertura (per evitare che l’immagine risulti sottoesposta o sovraesposta), la velocità dell’otturatore ha un effetto secondario di grande rilevanza su qualsiasi movimento della fotocamera o degli oggetti presenti nell’inquadratura.
Tempi di posa rapidi (superiori a 1/125 di secondo con un obiettivo standard) congelano praticamente qualsiasi movimento, mentre tempi di posa lenti causano vibrazioni, sfocature e altri artefatti di movimento. Sebbene alcuni di questi possano essere semplicemente fastidiosi, nelle mani di un fotografo esperto gli artefatti di movimento raccontano una storia. Allo stesso modo, un fermo immagine (ottenuto con una velocità dell’otturatore molto elevata) può distorcere la realtà in senso opposto, offrendo all’osservatore un punto di vista che l’occhio umano non potrebbe mai cogliere nella realtà.
L’esposizione prolungata di diverse ore per catturare le scie delle stelle o lo scatto che immortala il movimento sospeso di un proiettile in procinto di perforare un palloncino sono entrambi esempi di manipolazione della realtà, ma avvengono nel momento stesso in cui l’immagine prende forma, non in camera oscura. L’esperienza soggettiva di un pallone da calcio che si deforma nell’istante in cui il piede del calciatore lo colpisce, congelata nel tempo da una velocità dell’otturatore di 1/2000 di secondo, è molto diversa dalla stessa inquadratura del calciatore a 1/15 di secondo, in cui la sua gamba appare come un arco sfocato su uno sfondo nitido di erba. Due storie completamente diverse, solo per la scelta della velocità di scatto.
ISO basso (50) per ottenere una grana relativamente fine e la migliore risoluzione possibile (si tratta di una foto scattata con un cellulare). [©2015 Ed Elliott / Clearlight Imagery]
La quarta bugia: sensibilità della pellicola/del sensore (ISO)
Come se il naso di Pinocchio non fosse già abbastanza lungo, ecco un’altra distorsione della realtà che ogni immagine racchiude come elemento fondamentale: la sensibilità della pellicola o del sensore. Abbiamo già parlato dell’esposizione come prodotto dell’intensità della luce per il tempo di esposizione; rimane ancora un altro parametro da considerare.
Un’esposizione cosiddetta “corretta” è quella che presenta un equilibrio dei valori tonali e che (più o meno) riproduce i valori tonali della scena fotografata. Ciò significa essenzialmente che i neri, le ombre, i mezzitoni, le luci e i bianchi sono tutti visibili e ben distinti nella fotografia risultante, e che i valori di contrasto sono più o meno in linea con quelli della scena originale.
La sensibilità della pellicola (o del sensore digitale) è fondamentale a questo proposito. Una pellicola molto sensibile consentirà di ottenere un'immagine corretta con un'esposizione inferiore (ovvero un'apertura minore, una velocità dell'otturatore più elevata o entrambe), mentre una pellicola “lenta” (poco sensibile) richiederà il contrario.
Un corollario alla sensibilità della pellicola è la grana (nella pellicola) o il rumore (nei sensori digitali). Se desiderate un negativo a grana fine e estremamente nitido, dovete utilizzare una pellicola a bassa sensibilità. Se avete bisogno di una pellicola ad alta sensibilità in grado di produrre un’immagine accettabile in condizioni di scarsa illuminazione senza flash, ad esempio per il fotogiornalismo o per attività di sorveglianza, dovete utilizzare una pellicola ad alta sensibilità e accettare, in alcuni casi, una grana delle dimensioni di un chicco di riso. La vita è tutta una questione di compromessi.
Ancora una volta, il risultato finale è soggettivo e dipende interamente dall’abilità del fotografo esperto, ma ciò avviene completamente al di fuori della camera oscura (o di Photoshop). Due scene identiche scattate con pellicole ISO (o impostazioni del sensore) molto diverse tra loro daranno risultati molto diversi. Un ISO basso produrrà un’immagine molto nitida e super-realistica; mentre un ISO molto alto risulterà sgranato, un po’ sfocato e, se portato all’estremo, potrà tendere al surrealismo. [Nota tecnica: la parte aritmetica della classificazione ISO corrisponde alla precedente scala di classificazione ASA; io utilizzo la nomenclatura attuale.]
Nella fotografia non esiste una verità oggettiva
La fotografia è sempre un'illusione. Utilizzando un obiettivo, un elemento fotosensibile di qualche tipo e una scatola che limita l'immagine alla sola luce che passa attraverso l'obiettivo, una fotografia è una rappresentazione di ciò che si trova davanti all'obiettivo. Nient'altro.
Distorta e limitata dalle scelte del fotografo in merito al punto di vista, all’obiettivo, all’apertura del diaframma, alla velocità dell’otturatore, alla pellicola o al sensore e così via, l’immagine risultante, se realizzata correttamente, riflette al massimo la visione interiore del fotografo o la sua percezione della scena originale.
Una delle grandi sfide della fotografia è che, a prima vista, molte immagini sembrano essere solo una copia della realtà e quindi prive di valore artistico intrinseco. Niente potrebbe essere più lontano dalla verità. È solo che quell’arte si nasconde proprio sotto gli occhi di tutti.
È la nostra convinzione collettiva, soggettiva e errata che le fotografie siano veritiere e rappresentino fedelmente la realtà che si trovava davanti all’obiettivo: questa è la radice del problema. Partiamo ingenuamente dal presupposto che ci si possa fidare delle foto, che esse ci mostrino l’unica visione possibile della realtà. È ora di crescere, di accettare che la fotografia, proprio come tutte le altre forme d’arte, sia innanzitutto un prodotto dell’artista.
Ed Elliott è un fotografo che vive a New York. Visita il suo portfolio online qui. Tutte le foto contenute in questo articolo sono di Ed Elliott.
Questo articolo è stato pubblicato originariamente qui e ripubblicato con il permesso dell'autore.
