L'idea di arte evoca spesso un'immagine di lavoro solitario. I cliché dell'artista solitario nel suo studio, alternativamente colpito dall'ispirazione o in preda alla malinconia, occupano la storia dell'arte. Se questo archetipo può essere adatto a processi che richiedono periodi di intensa concentrazione, come la scrittura e la pittura, è anche vero che ci sono molti tipi di lavoro creativo, come la musica e la performance, in cui la collaborazione è integrata. Nelle arti visive è anche vero che alcuni scambi possono non essere accreditati: la conversazione tra artista e curatore, o il tira e molla tra scrittore ed editore. Lavorare all'interno di un collettivo di artisti, una struttura di lavoro di gruppo prevalente dal XX secolo fino al mondo dell'arte contemporanea, è un modo per espandersi da questi modelli di pratica, mettendo in primo piano lo scambio e il processo decisionale condiviso all'interno del processo creativo.
Che cos'è un collettivo di artisti?
Un collettivo di artisti è generalmente un gruppo di artisti che realizzano opere o si organizzano insieme. Non esiste un unico modello di collettivo artistico: alcuni collettivi di artisti assumono un nome comune, mentre altri evidenziano i nomi dei singoli membri. I collettivi possono riunirsi per perseguire interessi artistici comuni, ma spesso sono anche fondati per affrontare questioni sociali o condividere risorse, all'interno di un'infrastruttura fai-da-te, per continuare la pratica artistica. I collettivi di artisti possono essere formati per creare lavori basati su progetti, dove i membri mantengono anche pratiche individuali al di fuori del collettivo. In alcuni collettivi, i membri del gruppo cambiano nel tempo: i membri fondatori lasciano il gruppo e altri si uniscono dopo la sua fondazione. Alcuni collettivi di artisti, compresi esempi di alto profilo della storia recente, sono anche collaborazioni a lungo termine che diventano fondamentali per il profilo e l'eredità di ciascun artista.
La pratica collettiva comporta dei vantaggi, ma anche delle sfide. Lavorare con altre persone spesso significa aumentare il lavoro amministrativo, oltre al potenziale di disaccordo, differenze nello stile di comunicazione e scontri di ego. Allora, perché scambiare la libertà decisionale individuale con le dinamiche di gruppo e le discussioni via e-mail? I seguenti esempi di collettivi di artisti rispondono a questa domanda.
Perché unirsi a un collettivo di artisti:
Per soldi, fama e glamour - Idea generale
Leggendario nel profilo e di vasta influenza, General Idea è stato un collettivo attivo tra il 1969 e il 1994 composto dagli artisti Felix Partz, Jorge Jontal e AA Bronson. Conosciuti per il loro caratteristico umorismo ironico e per le loro prese di posizione parodistiche sui mass media, i lavori di General Idea comprendono performance, video, installazioni e arte postale. Nati dal movimento della controcultura degli anni Sessanta, questi temi influenzano pesantemente i primi lavori di General Idea, che in seguito verranno associati all'arte attivista realizzata in risposta alla crisi dell'AIDS negli anni Ottanta e Novanta. Due dei membri di General Idea, Felix Partz e Jorge Jontal, sono morti per malattie legate all'AIDS nel 1994. Una delle loro opere più iconiche, Imagevirus (1989-91), ha addirittura anticipato il fenomeno dell‘’immagine virale". Il blocco quadrato ripetuto di Imagevirus si è modellato sul modello di Robert Indiana L'amore (1967), che sostituisce le lettere ‘LOVE’ con ‘AIDS’ ed è stato diffuso come una presa di possesso visiva dello spazio pubblico. Imagevirus ha occupato molti spazi al di fuori della galleria, spesso tappezzando (letteralmente) le superfici, ed è stato riprodotto in particolare sul pannello per immagini Spectacolor di Times Square. (Fonte: Galleria Nazionale del Canada.)
Senza mai sminuire le proprie ambizioni, il gruppo ha descritto le motivazioni che lo hanno spinto a formare un collettivo, affermando: “Volevamo essere ricchi, volevamo essere famosi, volevamo essere affascinanti, volevamo essere artisti. E sapevamo che se fossimo stati famosi, se fossimo stati glamour, avremmo potuto dire: ‘Siamo artisti’ e saremmo stati.” (fonte: CBC.) General Idea continua a essere un modello per gli artisti che lavorano in collettivi, dimostrando che l'esperienza vissuta, l'ambizione e la spinta possono essere una forte forza unificante.
Esigere responsabilità - Guerilla Girls
Il collettivo di artisti The Guerilla Girls, autodefinitosi “La coscienza del mondo dell'arte”, è noto per aver sovvertito gli spazi pubblicitari pubblici nel proprio lavoro e attivismo. Fondato nel 1985, le Guerilla Girls sono un collettivo anonimo di artiste femministe, identificate da un abbigliamento iconico, che comprende sempre una maschera da gorilla che nasconde il volto, e famose per aver sconvolto gli spazi museali. La loro pratica continua affronta la disuguaglianza di genere nel mondo dell'arte attraverso una lente intersezionale (fonte: Sito web delle Guerilla Girls.)
Coinvolgendo il pubblico e le istituzioni attraverso la provocazione, una delle loro opere più note è un banner che chiede: ‘Le donne devono spogliarsi per entrare al Met. Museum’? Appropriandosi dell'immagine di una donna nuda tratta dal dipinto neoclassico di Ingres La Grande Odalisca (1814), il gruppo ha sostituito la testa della modella con la tipica maschera da gorilla delle Guerilla's Girls, che fissa minacciosamente lo spettatore. Accanto alla figura, il manifesto elenca le statistiche raccolte dalle Guerilla Girls sul numero di donne artiste rappresentate nella collezione del Metropolitan Museum of Art, contrapponendo questi numeri alla percentuale di opere esposte che raffigurano corpi femminili. Originariamente progettata per un cartellone pubblicitario, questa immagine è stata notoriamente utilizzata come pubblicità sugli autobus di New York. Il progetto del banner è apparso per la prima volta nel 1989, ma è stato ripubblicato anche nel 2005 e nel 2012, ogni volta con un nuovo conteggio delle statistiche. La longevità delle Guerrilla Girls dimostra che un forte senso di giustizia sociale può unire menti simili in azione, come un collettivo che persegue una causa.
Unirsi nel mezzo dell'isolamento - Collettivo Array
Al di fuori di questi gruppi storici, i collettivi di artisti continuano a circolare nell'arte contemporanea e a mobilitarsi su questioni sociali a livello internazionale. In particolare, nel 2015 il collettivo di artisti BGL ha rappresentato il Canada alla Biennale di Venezia. Per sottolineare l'urgenza di un lavoro collaborativo che sostenesse un cambiamento sistemico durante un periodo di sconvolgimento come quello della pandemia del 2021, la giuria del Turner Prize ha scelto di nominare tutti i collettivi di artisti nella rosa dei candidati. Nel comunicato stampa per l'annuncio della shortlist del 2021, il Turner Prize ha sottolineato che i candidati ’riflettono la solidarietà e la comunità in risposta alla pandemia“. (fonte: Tate Britain). Tra i 5 collettivi nominati per il premio, quello composto da 11 persone Array Collettivo si è aggiudicato il premio di 25.000 sterline.
L'installazione vincente del Collettivo Array, Il ballo di Druthaib (2021), riecheggiava la natura sociale della loro pratica e metteva al centro l'atto del riunirsi. L'installazione ha ricreato un síbín, noto anche come bar clandestino, arredato con oggetti che fanno riferimento all'attivismo del gruppo. Con sede nell'Irlanda del Nord, l'attivismo di Array risponde al contesto politico della divisione settaria irlandese, dove le storiche divisioni tra cattolici e protestanti portano alla segregazione basata sulle differenze religiose. In particolare, questa divisione è stata al centro dei Troubles in Irlanda del Nord durante la seconda metà del XX secolo, e le tensioni persistono. I lavori passati e presenti dell'Array Collective citano mitologie pre-cristiane per richiamare un sistema di credenze condiviso nella loro regione; il gruppo si esprime anche sull'accesso all'aborto e sui diritti delle persone queer. Affrontare queste fratture, Il ballo di Druhaib è pervaso da una sensazione di calore e accoglienza. Alla domanda sulla scelta di ricreare un bar come progetto, uno dei membri di Array ha risposto: “Dove preferiresti essere, in una galleria d'arte o in un pub?”. (fonte: il Guardian.) Gli insegnamenti della pandemia sono utili agli artisti anche dal punto di vista pratico, in quanto possiamo riflettere su come la cultura più ampia approccia il lavoro e la costruzione di comunità. Ci sono opportunità per i collettivi di occupare lo spazio digitale e di riunirsi utilizzando piattaforme remote.
Pensare con quattro cervelli e otto mani - Collettivo Mataaho
Oltre al successo di Array Collective con il premio Turner, il lavoro collettivo ha continuato a ricevere attenzione e riconoscimenti internazionali. La scorsa estate, il Mataaho Collective di Aotearoa (Nuova Zelanda) ha vinto il Leone d'Oro alla Biennale di Venezia 2024. Composto da 4 membri del gruppo di origine Māori (Erena Arapere-Baker, Sarah Hudson, Bridget Reweti e la dottoressa Terri Te Tau), questo collettivo descrive il proprio modo di lavorare come derivante da un‘’unica paternità", con un'attenzione particolare per le opere di artisti di ogni genere. ‘approccio a quattro cervelli e otto mani.’
Il lavoro del collettivo assume spesso la forma di tessuti di grandi dimensioni. Il loro lavoro è stato esposto a Venezia, Takapau, è stata un'installazione tessile presentata inizialmente al Te Papa Tongarewa (Museo della Nuova Zelanda), dove i membri di Mataaho hanno potuto accedere e studiare i tessuti realizzati da produttori con antenati Māori in comune. I modelli tessuti all'interno Takapau ha ripreso le strutture e i disegni di questi riferimenti selezionati, che il gruppo ha dovuto decostruire mentalmente e prototipare prima di creare l'opera finale su larga scala. L'impegno del Mataaho Collective con le tessiture tradizionali richiama anche gli insegnamenti generazionali insiti nelle pratiche artigianali e i discorsi contemporanei sul recupero delle conoscenze indigene. Mentre il gruppo si è impegnato nelle prime fasi con la tessitura tradizionale, l'opera finale ha giocato con le convenzioni essendo tessuta con cinghie fluorescenti da camion, strizzando l'occhio alla storia operaia del gruppo (fonte: il Guardian.) Il Mataaho Collective espande il quadro della collaborazione per includere apertamente le generazioni passate di maker, dimostrando che la continuazione delle tradizioni e la condivisione delle competenze possono essere sia un concetto che uno scopo.
Per la condivisione delle competenze, il dialogo e il sostegno tra pari
Come nel caso del Mataaho Collective, oltre a rappresentare un mezzo per perseguire interessi comuni e lavorare creativamente come gruppo, i collettivi presentano il vantaggio pratico di condividere competenze e risorse e di creare opportunità per i membri del gruppo. Array Collective gestisce uno studio condiviso in cui alcuni dei suoi membri hanno uno spazio a Belfast, mentre General Idea ha contribuito a creare un'infrastruttura all'interno della comunità artistica di Toronto. Arte Metropole, uno spazio gestito da artisti fondato da General Idea, continua a sostenere il lavoro di altri artisti, preservando l'eredità del collettivo.
Per gli artisti che sono alle prime armi con il lavoro in collettivi, c'è l'ulteriore vantaggio di condividere il lavoro di amministrazione tra i membri del gruppo in base ai punti di forza, ma anche di unire le forze per riflettere l'un l'altro sull'importanza di continuare a lavorare con il proprio lavoro. È molto più facile scrivere una proposta di sovvenzione quando si può fare brainstorming con gli altri, e lavorare con gli amici può anche aiutare a rispondere alla temuta domanda ‘perché lo sto facendo’. Sebbene lavorare in un collettivo d'arte richieda più comunicazione e compromessi, i membri del collettivo sono spesso ricompensati per i loro sforzi con la condivisione delle competenze, il sostegno tra pari e, occasionalmente, la gioia di uscire insieme.
