Ibrahim sentou-se com Format para compartilhar suas dicas para documentar seu trabalho artístico e como você pode criar a configuração ideal para documentar seu trabalho em sua casa ou estúdio com um orçamento limitado.
Você pode se apresentar e apresentar seu trabalho?
Meu nome é Ibrahim Abusitta. Sou um artista que mora em Toronto.
Estudei na OCAD University e me formei em fotografia, e foi assim que obtive meu histórico fotográfico.
Eu meio que tropecei na documentação de obras de arte, desde artistas do meu círculo me pedindo para documentar sua arte até ser contratado por galerias e casas de leilão. Eu tinha conexões com o mundo da arte, bem como treinamento técnico em fotografia, então foi assim que desenvolvi minha prática fotográfica.
Que dicas você tem para documentar seu trabalho?
Algumas coisas que eu recomendaria, para a configuração antes de tirar as imagens, seria garantir que você tenha a iluminação certa; isso pode ser uma variedade de coisas que podemos abordar mais tarde.
Certificar-se de que você tem um cartão branco é sempre útil. Um cartão branco é literalmente uma forma plana branca, talvez feita de núcleo de espuma, que você pode usar para refletir a luz. O cartão branco pode ser usado para equilibrar as sombras e tornar a luz mais uniforme.
Conseguir uma configuração de iluminação adequada é uma das coisas mais importantes que você pode fazer para obter uma foto de documentação bem-sucedida, e um cartão branco é uma ferramenta barata e fácil.
Quais são alguns erros que você vê quando as pessoas documentam seu trabalho?
Um dos erros mais comuns que vejo quando as pessoas documentam seu trabalho é que elas usam, sem querer, duas fontes de luz muito diferentes. Por exemplo, você usará a luz de uma janela e a luz interna da sala. Uma é quente (fonte de luz interna) e a outra é fria (a janela). As diferentes luzes afetarão as cores do trabalho artístico de forma diferente, portanto, quando você for editar a foto na pós-produção, terá muita dificuldade para equilibrar a iluminação.
Muitos criativos não têm acesso ao tipo de equipamento que os profissionais usam em seu trabalho. Quais são alguns equipamentos essenciais e acessíveis que você recomendaria para aqueles que não são fotógrafos?
Alguns equipamentos essenciais que eu recomendaria a fotógrafos não profissionais seriam o Photoshop ou algum outro software de edição de imagens. Muitos já têm isso para outras partes de sua prática, mas se você não tiver, talvez queira investir. É essencial que você possa fazer a pós-produção das imagens.
Outra coisa que eu recomendaria, se possível, é um tripé ou algum tipo de tripé improvisado. Há modelos para telefones celulares e para câmeras pequenas. Há até mesmo tripés de mesa se você quiser algo mais acessível. Na verdade, qualquer coisa para estabilizar a câmera. O que você está fazendo com isso é reduzir o movimento da câmera para obter uma imagem nítida.
Se houver mais espaço para o orçamento, eu recomendaria um cartão colorido, que você usaria para realmente confirmar o equilíbrio de cores. Os cartões coloridos são um bônus, mas ajudam muito a equilibrar as cores das imagens. Um cartão colorido é basicamente um cartão com cores primárias (amarelo, ciano e magenta), além de branco e cinza. Você tiraria uma foto dele no ambiente em que está documentando o trabalho artístico. Posteriormente, na pós-produção, você seleciona a cor cinza ou a cor branca nesse cartão de cores, e ele detectará automaticamente a temperatura da fonte de iluminação, e você poderá equilibrar sua pintura ou escultura com muito mais facilidade.
Você tem alguma outra dica para iluminação de documentação?
Portanto, se um artista não tiver um kit de iluminação profissional, há algumas opções que você pode considerar para iluminar seu trabalho. Uma delas seria se você tiver uma janela voltada para o norte. Normalmente, a luz do dia que entra por ali é suave o suficiente e fica bem na sua obra de arte. No entanto, você deve considerar a direção da luz; normalmente, ela não é iluminada de maneira uniforme em toda a obra de arte, e é aí que um cartão branco entra para equilibrá-la. Portanto, você normalmente colocaria o cartão branco em frente à janela e colocaria o trabalho entre eles.
A segunda opção seria controlar a luz em seu quarto e bloquear todo o resto, seja à noite ou se você tiver que escurecer as janelas. Assim, você iluminaria com luzes/lâmpadas/iluminação interna em vez de usar a luz do dia.
Uma terceira opção seria investir em algumas luzes nas quais você poderia colocar exatamente a mesma lâmpada, ou seja, você teria duas lâmpadas iguais para equilibrar o trabalho do lado esquerdo e do lado direito.
Se estiver usando um tripé, você não se preocupará tanto com o brilho da luz, pois poderá fazer uma exposição mais longa.
Que tipo de iluminação você recomendaria? Você pode usar uma lâmpada normal?
Acho que você poderia usar uma lâmpada normal e se sair bem, especialmente se tiver o Photoshop ou uma ferramenta de pós-processamento semelhante.
Você pode usar luzes quentes ou frias. O segredo é não misturar as luzes porque, na pós-produção, você corrige tudo isso. A maioria dos equipamentos profissionais fotografa no lado frio. Portanto, se for possível, opte por lâmpadas frias.
Como você lida com sombras ou brilho quando está documentando o trabalho?
Normalmente, você precisa olhar para a obra de arte e avaliar por que o brilho está ocorrendo e em que ângulo você deixa de ver o brilho. O segredo é compensar a sua posição com a câmera e a posição da luz. Às vezes, você precisa ir mais alto ou mais baixo em relação à obra até parar de ver o brilho pelo ângulo da câmera.
Em seguida, na pós-produção, você pode equilibrar as coisas ao colocar o trabalho em keyston para dar a impressão de que você está bem na frente dele.
Você pode explicar o que é keystone?
Keystoning é o ajuste do ângulo e da inclinação do trabalho na pós-produção. Imagine que você está olhando para um retângulo de frente. Agora imagine que você precisa que ele se incline para trás ou para frente. Isso é algo que você geralmente precisa fazer quando projeta uma imagem de um projetor em uma parede e precisa que as coisas fiquem quadradas. Portanto, a keystoning consiste basicamente em mudar a perspectiva dos cantos de um retângulo ou quadrado em direção ou para longe do visualizador até que eles formem ângulos de 90º novamente.
Que conselho você tem para foco ou nitidez? Como você evita imagens borradas?
O segredo para evitar uma imagem borrada seria usar um tripé. Ou um tripé improvisado e configurar a câmera para uma contagem regressiva de dois ou dez segundos para que, depois que você pressionar o botão do obturador, qualquer tremor que esteja ocorrendo diminua quando o temporizador de dez segundos chegar.
Depois de tirar a foto, aumente o zoom e confirme se a imagem está nítida.
Você mencionou tripés improvisados, quais são alguns exemplos de tripés improvisados?
Por isso, tive que fazer todos os tipos de tripés improvisados em diferentes cenários. Você pode usar qualquer coisa resistente e plana: um tampo de mesa, uma pilha de livros, qualquer coisa que possa segurar o telefone ou a câmera no lugar. Às vezes, é tão fácil quanto ter apenas o tampo da mesa e o que você precisa para levantar ou abaixar a câmera.
O fato de você não estar segurando-a com as mãos significa que terá menos chances de ter uma imagem borrada.
Como você captura a textura da superfície de uma obra?
Minha recomendação para capturar a textura da superfície em um trabalho é que a fonte de luz venha de cima da obra de arte, lançando uma sombra sob a textura. Isso é algo a que estamos acostumados quando recebemos a obra em uma galeria, portanto, parece "certo" para nós. A fonte de luz está sempre vindo de cima.
O que você recomenda para a composição das fotos?
Para a composição das fotos, eu diria para você ter em mente que estamos apenas documentando o trabalho, e não se trata de uma foto artística. Portanto, sua composição deve maximizar o tamanho da obra de arte dentro do quadro. Quanto maior for a imagem, mais detalhes você capturará. Basta centralizá-la e preencher o quadro o máximo que você puder.
E se você estiver documentando algo como uma exposição ou uma obra de arte em um ambiente específico? Você tem dicas para documentar in situ?
Minha recomendação para a composição de uma foto de uma instalação de exposição é tentar não deixar a lente muito larga e centralizar a imagem no quadro no eixo vertical.
Você também deve considerar o ponto de vista do visitante da galeria como sua foto. Portanto, você não deve usar ângulos baixos, nem altos, e deve ter variedade. Você deve buscar detalhes, ampliar a imagem e proporcionar ao espectador a experiência do espaço.
Você tem dicas para fotografar trabalhos tridimensionais?
Minha maior dica para fotografar arte tridimensional seria montar um cove, que é um pano de fundo curvo que permite que você fotografe sua obra de arte sem ver a linha do horizonte. Um cove é basicamente um pedaço de papel sem costura que você coloca em um ângulo curvo a partir da parede ou do suporte. Você pode ir a uma loja de materiais de arte local ou a uma loja de suprimentos para aluguel de fotos e comprar um rolo de papel branco largo.
Se você não puder montar uma enseada em casa, outra opção é ter apenas uma superfície ampla e evitar a borda do papel. O segredo aqui é fotografar a escultura sem que você veja uma linha do horizonte. As linhas do horizonte (como onde o piso encontra a parede) podem ser uma grande distração em uma peça 3D, pois você tem essas linhas cortando visualmente o trabalho. Eliminar a linha do horizonte permite que você veja a escultura por si só.
A outra recomendação é instalar um tripé, manter a câmera no mesmo lugar e girar a obra de arte pelo menos quatro vezes para que o espectador tenha uma visão completa de três sessenta pontos da obra de arte. Ao manter a câmera no mesmo lugar, é o seu trabalho que se move, não o espectador.
Que conselho você tem para edição e retoque? Quais são os principais programas ou ferramentas que você usa?
Meu conselho para edição e retoque seria assistir a muitos tutoriais [no YouTube] especificamente sobre o que você precisa aprender para essa tarefa específica; o maior deles é "como fazer a correção de cores".
A outra ferramenta que é usada com frequência para documentação é a ferramenta de transformação, na qual você pode distorcer a perspectiva ou deformar as bordas. Isso permite que você faça com que seu trabalho 2D pareça quadrado novamente. Pode ser muito difícil evitar a distorção em suas fotos, portanto, essa ferramenta permite que você corrija isso.
E o programa que eu sempre uso seria Adobe Photoshop. Se você puder obter esse software, ele será muito útil. Existem outras variações desse programa, mas o photoshop é o padrão do setor.
Você tem alguma dica específica quando está usando o celular para fotografar o trabalho?
Tenho uma dica muito importante para fotografar com telefones celulares: você precisa limpar a lente. Nós manuseamos nossos telefones o dia todo em nossas mãos, portanto, nossos dedos estão constantemente sobre a lente. Portanto, a primeira coisa que você deve fazer é limpar bem a lente.
A outra dica é aproveitar o temporizador automático e o bloqueio de foco, que você pode fazer pressionando e segurando na tela, para que a câmera não mude o foco sempre que vir algo novo na frente da lente.
Você tem alguma outra dica para documentação?
Há muita automação que pode ocorrer entre as configurações da câmera, as configurações do Photoshop e, portanto, para alguém que não tem as habilidades e ainda está aprendendo, aproveite algumas das configurações automáticas. O mesmo vale para a correção de cores. Se você não conseguiu obter um cartão de cores, pode usar um balanço de branco automático e, em nove de dez vezes, o resultado é perfeito. Se você achar que está errado, há ajustes manuais que podem ser feitos, mas, pelo menos, o automático o deixa mais próximo do melhor resultado.
Se você não tiver dinheiro para comprar um cartão colorido, há também algo chamado cartão cinza, que é apenas uma cor cinza, e é isso que o software usará. Se você tiver um cartão cinza ou um cartão colorido, a pós-produção será muito mais rápida e o equilíbrio de cores será mais fácil e preciso.
Acima de tudo, tente fazer a pós-produção no espaço com seu trabalho ou logo após a sessão de fotos, quando a experiência do trabalho estiver fresca. Ter o trabalho artístico em mãos para garantir que o equilíbrio de cores seja o mais próximo possível é um grande bônus.
Você tem alguma dica para fotógrafos profissionais que estejam começando a trabalhar com documentação?
Minha grande dica para os fotógrafos que desejam documentar o trabalho é que o melhor método de iluminação é disparar os estroboscópios para o teto e fazer com que a luz retorne para o trabalho. Isso permite que a luz seja mais suave e não muito forte.
Eu também recomendaria a qualquer fotógrafo que usasse um software de captura chamado Capture One. Dessa forma, você pode fotografar da câmera diretamente para o laptop de uma maneira que eles chamam de "tethered". Isso é mais fácil do que fotografar com a câmera e olhar para a parte de trás da tela, pois o monitor da câmera digital geralmente tem qualidade inferior à que você obterá quando olhar para ele no laptop. Portanto, com esse método, você pode ir direto para a fonte da imagem final e saber se a imagem está boa ou não.
Aprecie o trabalho de Ibrahim Abusitta em seu site site de portfólio on-line, criado com Formatonde você também pode entrar em contato com ele para documentar seu trabalho. Siga-o em Instagram para ver seus trabalhos mais recentes e a cobertura de eventos.
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