Als Teil der laufenden Artikelserie von Format zum Thema Künstliche Intelligenz beschäftigen wir uns mit den wichtigsten Fragen, wie zum Beispiel dem Potenzial kreativer Zusammenarbeit mit KI.
Die Künstlerin Tiffany April guckt, wie neue Technologien mit alten Methoden zusammenkommen und so neue Wege für Kreative schaffen.
Der Aufstieg der KI im Kreativ-Toolkit
Vor ein paar Monaten hat meine Mutter ein neues Handy bekommen und war total begeistert von der eingebauten KI-Zeichen-App – sie konnte einfach schnell was kritzeln und schon verwandelte es sich wie von Zauberhand in eine Menge verschiedene Stile: Art-Déco-Strichmännchen auf einem Boot, Pop-Art-Strichmännchen auf einem Boot, Barock-Strichmännchen auf einem Boot. Ich sah darin ein weiteres klares Zeichen dafür, dass künstliche Intelligenz sich von einer bahnbrechenden Errungenschaft zu einem neuartigen, alltäglichen Helfer in unserem Leben entwickelt hat. Sie ist jetzt in unseren Apps, Schreibprogrammen und kreativen Softwares wie Photoshop und Canva allgegenwärtig. Für viele ist KI gleichbedeutend mit Unterhaltung und Effizienz; mit der Möglichkeit, auf Knopfdruck etwas zu erschaffen.
Für Künstler gibt's viele Anwendungsmöglichkeiten: KI kann als kreativer Brainstorming-Assistent in Form von Text-zu-Bild-Generierungssoftware wie ChatGPT, Midjourney, DALL-E, ArtListio und Deep Dream Generator (ca. 2015) dienen. In den Modellierungsprogrammen TouchDesigner, Processing und Blender schafft sie die Basis für die Weltgestaltung in code-basierten, generativen Visualisierungen und interaktiven Installationen.
Künstler haben auf dieses Eindringen der KI in kreative Werke mit einer ganzen Bandbreite von Emotionen reagiert: Wut, Angst, Sorge, Akzeptanz, Begeisterung – alle sind berechtigt, denn wie bei jedem Werkzeug sind es die Anwendung und die Absicht, die die Bedeutung und die Auswirkungen bestimmen.
In diesem Artikel schaue ich mir an, wie Künstler mit diesem neuen Tool zusammenarbeiten können. Künstler, die es nutzen wollen, um ihre Ideen weiterzuentwickeln.
Mensch-Maschine-Zusammenarbeit in der Kunst: Fallstudien
Die Lernmuster der KI, ihre funktionalen Grenzen und die Nachahmung von Texturen, natürlichen Formationen und sprachlichen Strukturen der Realität sind Ausgangspunkte für die gemeinsame Arbeit mit menschlicher Kreativität. Künstler wie Mario Klingemann und Refik Anadol zeigen den Hintergrundprozess der KI und generativen Technologien auf, um existenzielle und alternative ökologische, philosophische, soziale und politische Weltanschauungen zu zeigen.
Der wegweisende KI-Künstler Mario Klingemann und der Maler Alberto Barqué-Duran waren wichtige Pioniere bei der Erforschung von KI als kreativer Partner und Inspirationsquelle. In ihrem Projekt “Meine künstliche Muse”(2017) hat Barqué-Duran ein großes Ölgemälde von einer fiktiven Muse gemalt, die aus einem KI-Neuralnetzwerk entstanden ist, das Klingemann mit kunsthistorischen Referenzen entwickelt und trainiert hat. Dabei haben sie sich gefragt, ob die enge Beziehung zwischen Künstler und Muse auch auf eine komplett virtuelle, maschinell erzeugte Figur übertragen werden kann.
Zeitgenössische Künstler nutzen die coole Fähigkeit der KI, riesige Datenmengen zusammenzufassen, um Aspekte unserer Welt zu zeigen, die für uns Menschen sonst zu viel wären. Sie machen diese Daten zu visuellen, akustischen und haptischen Erlebnissen. Einer der Vorreiter hier ist Refik Anadol, der mit großen Datensätzen und Informationsarchiven arbeitet und sie mithilfe von KI-Neuralnetzwerken zu komplexen, sich ständig verändernden Bildern zusammenstellt und umformt.
In “Echos der Erde: Ein lebendiges Archiv”In „(2024)“ hat Anadol eine unfassbare Menge an Infos aus LIDAR- und Photogrammetrie-Bildern von Korallenriffen und Regenwäldern zu leicht verständlichen, schnellen Filmen über spekulative generative Evolution zusammengefügt. Das Ergebnis war ein ständiger Fluss von sich schnell verändernden imaginären Arten und Umgebungen, die die Muster, Texturen und Formen des Lebens auf der Erde nachahmen.
Künstler nutzen auch KI und codierte Systeme, um die Präsenz nichtmenschlicher Lebewesen und elementarer Systeme durch Pflanzensignale, Schallwellen und nonverbale, sensorische Kommunikation sichtbar zu machen. In Yunchul Kims verbundenen kinetischen Skulpturen "Chroma V" und “Argos – Geschwollene Sonnen”Cluster von Glasröhre-Sensoren in “Argos – Geschwollene Sonnen”Wenn subatomare Teilchen entdeckt werden, blinkt ein Licht auf und löst die wellenförmige Bewegung der schillernden Schuppen aus, die die schlangenförmige Gestalt von “Chroma V” in der Galerie bedecken.
Mona Safari's SYMBIONT Das Projekt nutzt Paare von SYMBIONTs – weiche, roboterartige, seesternähnliche Formen mit einer strukturierten Silikonoberfläche –, um menschliche Berührungen und Lebenszeichen von einem SYMBIONT in Herzschläge, Vibrationen oder Krabbelbewegungen im anderen SYMBIONT umzuwandeln und auszutauschen. Ihr Design für die Mensch-Computer-Interaktion untersucht die Gemeinsamkeiten zwischen menschlicher und nicht-menschlicher sensorischer Kommunikation und hebt die Bedeutung und Präsenz nonverbaler Verbindungen in natürlichen Ökosystemen hervor.
Genauso wichtig sind die Künstler, die auf die Probleme der KI hinweisen. kann nicht Künstler wie Jake Elwes und Charlie Tapp Die technischen und kreativen Schwächen der KI aufdecken – von der wackeligen Illusion gefälschter Medien bis hin zu Algorithmen, die komplexe musikalische Harmonien verflachen. Stephanie Dinkins hebt das wichtige Thema von rassistische Darstellung Lücken in der Datenerfassung, die Raum für marginalisierte Perspektiven schaffen, die von voreingenommenen KI-Systemen übersehen werden. Ähnlich verhält es sich mit dem kollektiven zzyw Umgeht die algorithmischen Echokammern der sozialen Medien, indem es Systeme bevorzugt, die Infos außerhalb des geschlossenen Kreislaufs vorhersagbarer Inhalte organisieren.
Jeder dieser Künstler, egal ob er die Verarbeitungsleistung der KI oder die Nachahmung der Realität und menschlicher Fähigkeiten in den Vordergrund stellt, nutzt das Werkzeug der KI für seine eigene kreative Forschung.
Die existenzielle Angst vor KI-Kunst anerkennen
Die größte Sorge bei der KI ist, dass sie qualifizierte menschliche Arbeit entwertet, indem sie sie durch leere Kopien ersetzt. Autoren, Designer und sogar Models – die jetzt ersetzt werden durch vollständig KI-generiert Composites – müssen sich mit der Realität schrumpfender Jobsektoren auseinandersetzen. Die zunehmende Präsenz von KI sorgt für mehr Frust mit unserer Aufmerksamkeitsökonomie, weil sie unsere Online-Räume mit sinnlosem KI-‘Schund’ und Deepfakes überflutet. Erst gestern meinte mein Partner, wir sollten “Mind Cage (2025)” auf unsere Beobachtungsliste setzen. Es stellte sich heraus, dass es sich um eine KI-Fälschung handelte. Und dann gibt es noch die ethischen und urheberrechtlichen Fragen rund um Training von KI anhand von Kunstwerken und die Verwendung von Deepfake-Abbildern (“Mind Cage” soll Angelina Jolie, Leonardo DiCaprio und Tom Hardy zeigen).
Es gab schon immer Widerstand zu großen technologischen Veränderungen, von der Erfindung des Autos, des Telefons und der Druckerpresse bis hin zur Fotografie. Kutscher hatten wahrscheinlich einiges über die Erfindung des Autos zu sagen. Diese tiefgreifenden Veränderungen im Alltag schreiben unsere Sicht auf die Realität neu, verändern unsere Werte und führen zu großen Umwälzungen in der Arbeitswelt. Technologische Entwicklungen werden beängstigend, wenn sie den Wert des individuellen kreativen Beitrags jedes Einzelnen zur Gesellschaft bedrohen. Diese Veränderungen sind jedoch ein fester Bestandteil der Menschheitsgeschichte und haben uns die Möglichkeit eröffnet, neue Dimensionen unserer Welt zu entdecken.
Karl Blossfeldts mikroskopische Pflanzenfotos aus den 1900er Jahren haben die Pflanzenmorphologie in ein ganz neues Licht gerückt. Frühe Film-, Video- und Digitalkunst haben die Ära eingeläutet, in der wir unsere Wahrnehmung der Realität durch Kamerawinkel, Schnitte und die Manipulation elektromagnetischer und digitaler Signale in zeitbasierten Erzählungen analysieren.
Das Video des Videokünstlers Nam June Paik “TV-Magnete”(1960er Jahre) hat mit großen Magneten, die er auf Fernsehern platzierte, die elektronischen Bilder des Fernsehers in abstrakte, verzerrte Lichtformen verwandelt. Greg Hills Videoarbeit ’Windows”(1978) hat Schwarz-Weiß-Videoaufnahmen in Echtzeit mit einem Analog-Digital-Synthesizer umgewandelt, was dazu führte, dass die Originalbilder in malerischen, psychedelischen Farbpaletten pixelig zerfielen. Paik und Hill haben die ihnen zur Verfügung stehende Technologie genutzt, um uns die Welt durch die ‘Augen’ digitaler und computergestützter Daten sehen zu lassen, in der Pixel und Zahlen Farbe, Bewegung und geometrischen Raum definieren und visuelle Darstellungen fließend und instabil sind.
Genauso wie jeder dieser technologischen Wandel neue Perspektiven auf unsere Realität eröffnet hat, die mit menschlicher Wahrnehmung und handwerklichem Können allein nicht möglich wären, ermöglicht uns KI/generative Kunst, Daten in einem Ausmaß zu visualisieren, das weit über die Kapazitäten des menschlichen Gehirns hinausgeht. Diese Software gibt neuen Schwung Walter Benjamin Das Problem mit der Aura und die Rolle von Originalität und Einfluss bei der Authentizität; und im weiteren Sinne die Frage, ob das eigentliche Problem der KI-Kunst nicht die Aura des Objekts ist, sondern die Aura des Künstlers und der Kreativität an sich.
Originalität vs. Einfluss: Kreativität im Zeitalter der KI neu denken
In meiner Arbeit zeige ich, wie dünn die imaginären Grenzen zwischen Menschen und nicht-menschlichen Wesen sind, indem ich die Wirkung von Technologie, organischem Leben und elementaren Kräften in den Vordergrund stelle. Deshalb finde ich es wichtig, zu erforschen, warum Diese Fortschritte lösen bei mir eine Gegenreaktion aus, und ich überlege, wie ich sie dekonstruieren kann.
Systeme wie ChatGPT lernen und generieren aus internen Speicherbanken, genau wie wir. Wenn ich in der Kunstschule mal eine kreative Blockade hatte, habe ich mich wieder der Collage zugewandt, um auf meine Quelle bedeutungsvoller persönlicher und kultureller Symbolik zuzugreifen und einen Fluss unbewusster freier Assoziationen anzuregen, die aus den Büchern, Filmen, Kunstwerken, historischen Momenten, Erinnerungen, Videospielen und der Musik stammen, die ich im Laufe meines Lebens aufgenommen habe.
Ähnlich wie Ameisen und Bienen, die ein kollektives Bewusstsein haben, haben auch wir Menschen ein kollektives Unterbewusstsein, das die Basis dafür bildet, wie wir lernen und kreativ sind. Dieses wird durch kulturelle und soziale Rahmenbedingungen beeinflusst, die unsere Denkweisen und Ziele leiten. KI könnte man als eine Art Superversion unseres Schwarmbewusstseins sehen – eine riesige Festplatte, die menschliches Wissen, Erinnerungen und Ressourcen speichert und uns einen einzigartigen kreativen Zugang zu unserer gesammelten Kultur gibt. Viele der Künstler, die ich erwähnt habe, bringen uns dazu, genauer darüber nachzudenken, wie wir Kreativität definieren. Kann man die musterbasierten Kreationen der KI als Kunst bezeichnen? Und wenn ja, wer ist dann der Künstler – der Mensch oder die Maschine? Jerry Saltz’ Rezension von Refik Anadols “Ohne Aufsicht”Die Ausstellung „” im MoMA (2023) hat eine Sichtweise auf diese Gefühle gezeigt, wobei Saltz das Werk in seinen bissigen Kommentaren mit einer glorifizierten Lavalampe verglichen hat.
Für mich als Künstler ist der entscheidende Unterschied zwischen menschlicher Kreativität und der von KI der Vergleich von generierten Bildern und Traumbilder. KI und Menschen lernen ähnlich, und unsere kreativen Ergebnisse werden von unseren gemeinsamen persönlichen Erinnerungen geprägt, oft ohne dass wir es merken. Allerdings ist KI nicht objektiv ‘kreativ’ im gleichen Sinne wie Menschen.
Es kann lernen, Muster zwischen Reizen zu erkennen, zum Beispiel, indem es die Aufforderung, eine Strichfigur zu zeichnen, und ‘Muse’ mit bestimmten Eigenschaften verbindet, aus denen es ein Bild machen kann. Ähnlich wie in unseren Traumlandschaften, wo unser Verstand Gefühle mit visuellen Darstellungen verbindet, zum Beispiel Angst = Spinnen. Die menschliche Kreativität kann jedoch über die ihr vorgegebenen Muster hinausdenken und Einflüsse und Inspirationen bewusst mit einer sinnvollen Absicht überarbeiten und kombinieren. KI kann die Handlung der Kreativität nur nachahmen.
Was die Rolle des Künstlers angeht: Ist die Zusammenarbeit mit KI anders als die Dynamik von Interaktive Computerkunst der 1980er- und 1990er-JahreOder sozial engagiert relationale ästhetische PerformancesBeide haben sich auf die direkte Beteiligung und das Feedback von Menschen verlassen und das kreative System des Künstlers mit externen Inputs verbunden. Das Ergebnis oder die Bedeutung, die das Werk hatte, lag nicht komplett in den Händen der Künstler.
Künstler und Theoretiker Margot Lovejoy, hat zu dieser Veränderung in der kreativen Dynamik gesagt, dass der Künstler bei der Zusammenarbeit zu “einem Akteur wird, der keine bestimmten Bilder macht, sondern neue Wege findet, um neue Bilder und Erfahrungen zu schaffen”.”
Die Arbeit mit digitalen Rendering-Programmen oder KI-generativen neuronalen Netzen ist einfach eine andere Art der Kreation, bei der der Künstler eher die Rolle eines Moderators hat. KI findet und folgt Mustern, sie denkt nicht konzeptionell über die Kunst nach, die sie macht. Es braucht immer noch die Zusammenarbeit zwischen dem Künstler, der die Richtung vorgibt, und der KI, die folgt.
KI-Ressourcen, um deine kreative Arbeit zu erweitern
Wenn du daran interessiert bist, KI zu nutzen, um deine kreative Arbeit zu erweitern, gibt es ein paar coole Orte, an denen du dich über KI-Praktiken austauschen und diskutieren kannst. Hier ist eine Liste mit Tutorials und Online-Community-Ressourcen, die ich beim Umgang mit digitalen Rendering-Programmen als hilfreich empfunden habe.
Willst du mehr über die komplexe Beziehung zwischen KI und Kunst erfahren? Schau dir diese zum Nachdenken anregenden Artikel von unseren Experten an:
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Mitwirkende
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Tiffany April is a visual artist using painting, assemblage, and digital-based installations to capture the transitory and mutually affective relationship between human and more-than-human beings, both digital and (im)material. Informed by research into the interrelations between human and non-human biology, morphology, evolution and ecology, April considers the human body as a continuum between the ecological and digital to question categorizations of “Otherness”; an exploration rooted in her embodied experience as a queer and neurodiverse individual. April uses sensuality and simplicity of forms woven in space to decenter identifiers of the human and place the sensing body on the same plane as the technological and the organic. She completed her MFA at the University of Ottawa, and her BFA in Studio Arts at Concordia University.
