Künstlerportfolio-Websites Tipps und Beispiele

Kaitlyn Jo Smith’s studio practice investigates the socioeconomic impact of emerging technologies on America’s working class. Smith’s practice explores the intersections of work and worship, as well as the ways individuals are conditioned into lives of monotony. By combining traditional photographic processes with emerging technologies, she interrogates the authority of algorithms while fostering dialogue around humanity’s evolving relationship to labor, automation, and technological progress.

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Evelina Paukštytė ist Grafikerin, Malerin, Illustratorin und Keramikerin. 2008 schloss sie ihr Studium der Grafik an der Kunstakademie Vilnius ab. Sie schafft Gemälde, Aquarelle und 3D-Modelle und hat ein Kinderbuch illustriert. Evelina hat dreizehn Einzelausstellungen veranstaltet, den Juozas-Zikaras-Preis (2001) erhalten und 2023 sowie 2025 den „Audience Select Artist“-Preis auf der Kunstmesse ArtVilnius gewonnen.

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Olga Kirienko ist eine zeitgenössische Textilkünstlerin, die in Spanien lebt. Sie schafft handgewebte Wandteppiche und Textilskulpturen, in denen sie sich mit Mythen, Erinnerung und postdigitalen Formen auseinandersetzt.

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I E S H A S H A D A (i-esha shaw-day) ist eine Multimedia-Künstlerin, Malerin, Fotografin, Model, Kreativdirektorin und Performancekünstlerin, die in San Diego, Kalifornien, lebt. Ihre Arbeit verbindet die wissenschaftliche Erforschung von Melanin mit der Gestaltung von Hautdarstellungen auf Leinwand mithilfe unkonventioneller Medien und treibt die Auseinandersetzung mit der Haut als indexikalischem Bild durch die Fotografie voran.

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Jing Qin ist eine Künstlerin, die ursprünglich aus der Gegend des Taihang-Gebirges in China stammt. Sie schafft bewusst eine widersprüchliche Erzählung, indem sie Elemente aus ihrer Fantasie mit alltäglichen Gegenständen aus der realen Welt vermischt. Inspiriert von ihren Erfahrungen der Entfremdung nutzt Qin Ikonografie, Symbolik und einen Hauch von Absurdität, um einen Raum zu schaffen, der eine zugleich mehrdeutige und fließende Mythologie umfasst.

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Kimberly Testa ist eine in Rhode Island, USA, lebende Malerin und intuitive Heilerin. Mit jahrzehntelanger Erfahrung in der bildenden Kunst und der dekorativen Malerei schafft sie vielschichtige, leuchtende Kunstwerke, die Neugier und Harmonie wecken. Jedes Werk dient als Katalysator für das Erwachen und verbindet die Freude am Schaffen mit der transformativen Kraft der Heilung. Kimberlys Kunst überschreitet Grenzen und lädt die Betrachter dazu ein, sich auf eine Reise der Resonanz und Entdeckung zu begeben.

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Björn De Feyter looks for the subjects of his work in his immediate environment and tries to give it a more universal character. References to the world of the housepainter, his father's profession, are frequent. The paint-stained black cloths that his father used to protect furniture and floors at the time are an in exhaustible source of inspiration. Male figures are portrayed in his blurry photos; 'stand-stills' that stimulate the imagination.

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Jialin Long ist eine chinesische bildende Künstlerin, die mit der Kamera arbeitet und in Irland lebt. In ihrer künstlerischen Arbeit beschäftigt sie sich mit Fotografie und bewegten Bildern, um Themen wie Identität, Feminismus und kulturelle Konflikte zu erforschen, die in der heutigen Gesellschaft nachhallen.

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Caleb Wheeler ist ein in Los Angeles ansässiger Mixed-Media-Installationskünstler, der gesammelte Materialien und wiederverwertete Objekte zu skulpturalen Formen und Kompositionen verarbeitet. Inspiriert von der Ästhetik früher Zivilisationen und dem Urgedächtnis erforscht er das Wechselspiel zwischen antiken und modernen Kontexten und lädt die Betrachter dazu ein, die Weite der menschlichen Vergangenheit vor dem Hintergrund der Unmittelbarkeit unserer Gegenwart zu betrachten.

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Calvin Lee ist unabhängiger Kurator und Kreativstratege, der Ausstellungen zeitgenössischer Kunst und Kulturprojekte in New York, Chicago und Seoul entwickelt.

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Kat Fajardo ist eine preisgekrönte Comiczeichnerin, die es liebt, verspielte und farbenfrohe Illustrationen, Zines, Gemälde und Graphic Novels über Selbstakzeptanz und die lateinamerikanische Kultur zu gestalten. Sie ist die Schöpferin von „Miss Quinces“ und „Miss Camper“ (Scholastic Graphix) und Illustratorin der Kinderbuchreihe „The Kids in Mrs. Z’s Class“.

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Blazo Kovacevic ist ein zeitgenössischer Künstler, dessen interdisziplinäre Arbeit sich mit den Themen Überwachung, Identität, Migration und Technologie auseinandersetzt – und zwar mithilfe von Skulpturen, Installationen, XR und interaktiven Medien. Seine Projekte verschmelzen physische und digitale Räume und nutzen dabei oft Bildgebungstechnologien und partizipative Erlebnisse, um Systeme der Sichtbarkeit, Kontrolle und menschlichen Wahrnehmung zu untersuchen.

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Rhona Frances ist eine Keramikkünstlerin an der Südküste von Cornwall, die sich auf minimalistische Gefäße mit weichen, femininen Formen spezialisiert hat. Frances arbeitet mit Steinzeugton und formt jedes Stück langsam mit der Handformtechnik des Wälzens, wobei sich die Form durch ruhige Wiederholung entfaltet. Im Mittelpunkt ihrer Arbeit steht – im Gegensatz zur ruhigen, bedächtigen Gestaltung ihrer Gefäße – das Raku-Brennverfahren, eine von Natur aus unbeständige und unvorhersehbare Methode.

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Lawrence Fafard ist ein autodidaktischer, multidisziplinärer Künstler, Fotograf und künstlerischer Leiter aus Montreal. In seiner Arbeit untersucht er die fließenden Grenzen zwischen Fantasie und Realität mithilfe von Fotografie und erweiterten visuellen Erzählungen, die sich mit Fragen zu Geschlecht, Zugehörigkeit und Gemeinschaft beschäftigen. Im Jahr 2025 präsentierte Fafard die Einzelausstellung „Blueprints of Belonging“ bei Entretemps/Meanwhile und nahm an der Gruppenausstellung „Translations“ im Écomusée du fier monde teil...

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Katrina Pallon ist Malerin und Wandmalerin und lebt in Manila auf den Philippinen. Ihre Werke sind bekannt für ihre filigranen Details, exotischen Bildwelten und kunstvollen Muster, die die Schönheit der panasiatischen Kultur verkörpern. Sie hat in privaten Kunstgalerien und bei öffentlichen Gruppenausstellungen in Manila, New York und Singapur ausgestellt.

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Huang Yi (Yee) ist eine taiwanesische Stickkünstlerin und Illustratorin, die mit Handstickerei und Zeichnungen von der Natur inspirierte Kunstwerke schafft. In ihren Werken tauchen oft Pflanzen, Tiere und ruhige Landschaften auf, wobei sie Fäden in Bilder verwandelt, die Geschichten erzählen. Durch Stickerei und Illustration erkundet sie die Schönheit des Alltags und die subtile Verbindung zwischen Mensch und Natur.

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Jessica Alazraki ist eine in New York lebende Latinx-Künstlerin, die sich der zeitgenössischen figurativen Malerei widmet. Im Mittelpunkt ihres Schaffens stehen handgemalte Ölgemälde, die sich mit Familienleben, häuslichen Räumen, kulturellem Gedächtnis und alltäglichen Ritualen auseinandersetzen. Durch Ausstellungen, Künstlerresidenzen, öffentliche Kunstaufträge und ihre Lehrtätigkeit trägt ihre Arbeit zu aktuellen Diskussionen über Repräsentation, Sichtbarkeit und figurative Malerei in der amerikanischen Kunst bei.

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Felix Treadwell ist ein in London lebender Künstler, der nach seinem Bachelor-Abschluss in Malerei am Camberwell College of Arts einen Master-Abschluss in Malerei am Royal College of Art erwarb und 2014 den Hix Award erhielt, bevor er ein Residenzprogramm an der Kyoto Seika University absolvierte. Obwohl er stets gut gelaunt und ein bisschen kindlich ist, hat sich seine Bildsprache in den letzten Jahren ein wenig gewandelt und tendiert nun zu intensiver Pinselführung und einfachen, comicartigen Bildern mit großäugigen Figuren.

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Andy Cherewick wurde in Detroit, Michigan, geboren und malt seit fast dreißig Jahren. Derzeit lebt und arbeitet er in Athens, Georgia, und schafft wunderschöne Acrylgemälde.

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In seiner minimalistischen abstrakten Kunst interpretiert Javaloyas die Malfläche neu, indem er furniertes Sperrholz durch Pressbiegen, Schneiden, Bohren und Polieren in konvexe Formen verwandelt. Durch diesen Prozess wird die Leinwand zu einem Bogen umgeformt, der einem Segment eines unvollständigen Kreises ähnelt. Tatsächlich taucht dieses kreisförmige Motiv immer wieder als malerisches Element in seinen Werken auf – in Form von Punkten, Kreisen, Kugeln oder Löchern. Diese treten in einen Dialog mit der Materialität des Sperrholzes und loten die Spannung zwischen Form und Gestalt aus.

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Stefania Andreev studiert derzeit Malerei an der Rhode Island School of Design. In ihren Arbeiten beschäftigt sie sich vor allem mit dem Selbst, Mythologie, Frauen, Natur und Landschaft sowie mit der Vermittlung persönlicher Emotionen und Gefühle. Andreevs bevorzugte Medien sind Acrylfarben und Aquarell. Derzeit arbeitet sie an einem fortlaufenden Projekt über Frauen in der griechischen Mythologie und ihrer zeitgenössischen und persönlichen Interpretation ihrer Geschichten.

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Als lebenslanger Kunstliebhaber lässt sich Diego immer wieder von den innovativen Köpfen und vielfältigen Perspektiven historischer wie zeitgenössischer Künstler inspirieren. Seine Leidenschaft für Kunst, Design und Reisen beflügelt seine Neugier und sorgt dafür, dass er immer auf dem Laufenden ist, was die neuesten Trends und Strömungen angeht. Er ist fasziniert von der Fähigkeit des menschlichen Geistes, Ideen zu entwickeln, und von der innewohnenden Schönheit unserer unvollkommenen Schöpfungen. Diegos Werke wurden bereits vielfach in ganz North Carolina und am Times Square in New York City ausgestellt.

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Jan Alice ist eine in Nashville lebende Aquarellmalerin, die für ihre ätherischen Porträts von Erwachsenen, Kindern und Haustieren bekannt ist. Derzeit lässt sie surreale Elemente in ihre Bilder einfließen und malt auch Begleittiere, die sie „Daimons“ nennt. Keeling malt nur das, was sie anspricht, und vertraut darauf, dass das Persönliche auch universell sein kann.

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Imanis künstlerische Praxis untersucht schwarze, trans-Körperlichkeit und das Fleisch als Heilungsmethoden und Orte der Wissensproduktion. Er beschäftigt sich mit generationenübergreifendem Trauma, Geschlecht, Genre, Entwurzelung und Entfremdung, Auslöschung, (Un-)Sichtbarkeit, Verantwortlichkeit, Liebe und Emotionen. Über verschiedene künstlerische Medien hinweg konzentriert sie sich auf Subkulturen und marginalisierte Erfahrungen des schwarzen (städtischen) Lebens anhand ihrer gelebten Erfahrungen, verkörperten Erinnerung und Formen der Archivierungspraxis.

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Katherine Pickering ist eine bildende Künstlerin, die auf dem Gebiet der Syilx in Kelowna, British Columbia, lebt. In ihrer Arbeit beschäftigt sie sich mit Abstraktion durch Materialexperimente sowie textile und skulpturale Verfahren. Ihre Werke wurden in Kanada und international ausgestellt. Sie ist Dozentin für Kreativwissenschaften an der UBC Okanagan.

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Noah Thomas Miller ist ein interdisziplinärer Künstler aus Illinois, der mit Film, Malerei, Holzbearbeitung oder einer Kombination verschiedener Materialien arbeitet, um Erinnerungen festzuhalten und Geschichten zu erzählen. Er besuchte das Memphis College of Art und arbeitete als Archivar, Designer und Art Director für Museen in Tennessee. Er hatte mehrere Einzel- und Gruppenausstellungen in Memphis und Nashville und stellte über die ZAZ10 Gallery eine Videoinstallation am Times Square in New York City aus.

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Kate McQuillen hat in New York City, Brüssel, Toronto, Amsterdam und Chicago ausgestellt und wird von der Massey Klein Gallery in New York (NY) vertreten. Ihre Arbeiten wurden auf Kunstmessen wie der Armory Show, Untitled Miami und Art Toronto gezeigt. McQuillen wurde im „Sound & Vision“-Podcast sowie in der „Brooklyn Rail“, bei „Art in Print“, „Hyperallergic“, im „Chicago Reader“, im „Toronto Globe and Mail“ und im „Poetry Magazine“ vorgestellt. Ihr Atelier befindet sich bei „Prints of Darkness“ in Queens, NYC.

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Arnold Barretto (geb. 1996, Indien) ist Analogfotograf, Designer, Grafiker und Buchkünstler. Barretto arbeitet hauptsächlich mit analogen Verfahren und betont dabei den taktilen Charakter der Bildgestaltung sowie die stille Intimität von Druckerzeugnissen. In seinen Arbeiten beschäftigt er sich mit Themen wie Identität, Raum und Sehnsucht, wobei der Fokus auf dem Persönlichen liegt. Sein Ansatz wurzelt zudem in der Körperlichkeit der Materialien und lädt zu einer langsameren, nachdenklicheren Auseinandersetzung ein.

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Zaynab ist eine autodidaktische Künstlerin, die hauptsächlich mit fotografischen Objekten arbeitet. In ihren Arbeiten beschäftigt sie sich immer wieder mit den Themen Verwandtschaft, Erinnerung, Materialität und dem Göttlichen. Mit einem Gespür für die Frage nach Intimität und einer Vorliebe für das Undurchsichtige bleibt sie dem Unfassbaren treu. Zusammen bilden ihre Projekte ein Gesamtwerk, das die Form von Kapiteln, Variationen oder Ableitungen annimmt, geleitet vom Leitmotiv der Zuneigung, und die sich gegenseitig und unendlich in den Klängen widerspiegeln.

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Sara Poer ist Fotografin und interdisziplinäre Künstlerin, deren Arbeit sich auf alternative fotografische Verfahren, materielle Erinnerung und die stille Beharrlichkeit weiblicher Arbeit konzentriert. Mit Cyanotypie, Anthotypie, Textilien und Fundstücken erforscht sie, wie Geschichten durch Materialien und im Laufe der Zeit bewahrt und verändert werden.

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