Ver Fiesta: Películas imprescindibles para fotógrafos

Como fotógrafos, a menudo trabajamos en un mundo de fotogramas únicos. Buscamos el momento decisivo, componemos nuestras tomas y capturamos el tiempo con el clic del obturador. Sin embargo, a menudo una narrativa convincente requiere más que una sola imagen: se basa en una secuencia, un estado de ánimo y un arco narrativo. Como fotógrafo, me atraen las películas como fuente de inspiración para mi trabajo, especialmente ahora que la línea entre las imágenes fijas y las imágenes en movimiento se está difuminando, y la etiqueta fotógrafo comienza a implicar camarógrafo. 

Nueva función de vídeo Flex Block de Format es una respuesta a esta evolución creativa, que permite mezclar y superponer contenidos multimedia dentro de tu portafolio.

Aquí tienes algunas de las mejores películas para artistas visuales y películas imprescindibles para fotógrafos que más me han impactado como fotógrafo atraído por películas que comprenden el medio fundamental, ya sea por su enfoque o por su temática.

Esta lista no incluirá los clásicos, ya que esas listas ya existen. Se trata de películas que todo fotógrafo debería ver cuando haya agotado las otras listas. Esta lista es mi selección de las mejores películas para fotógrafos, en las que los directores comprenden el poder de las imágenes fijas y en movimiento, o en las que la fotografía desempeña un papel crucial en la narrativa.

Guerra Civil (2024) Dir. Alex Garland

A pesar de su nombre y sus implicaciones en un panorama político muy dividido, esta no es una película sobre política. Alex Garland tiene cuidado de mantener la naturaleza exacta de las ideologías en oposición vaga y sin afiliación partidista.

Esta es una historia sobre la creación de imágenes, en la que los valores del periodismo documental se enfrentan a la práctica de la creación de contenidos. Dentro de ese choque se encuentra una fricción generacional. La vieja guardia de documentalistas contra la nueva guardia: una generación que lo documenta todo.

Dunst personifica el género de la fotografía periodística como un documento objetivo de la verdad, una verdad complicada y violenta que la ha dejado increíblemente agotada. Interpretando a un personaje basado en la fotoperiodista Lee Miller, ella lleva el peso de la película, como una fotógrafa agobiada por la carga de su propio archivo.

La tensión entre lo establecido y lo nuevo encuentra su contrapartida en Jessie, la fotógrafa más joven que se abre paso en el grupo de periodistas itinerantes de Lee. Trabaja con una cámara de 35 mm, totalmente impracticable para la forma en que se publican las noticias hoy en día, lo que obliga a Jessie a revelar químicamente las fotos sobre el terreno y escanearlas con tu teléfono. Es una elección que parece más una afectación que una auténtica pasión por un proceso que nunca habría aprendido como primera toma de contacto con el medio. No es la primera vez que el público comprende que Jessie elige deliberadamente el estilo por encima del sentido.

Garland emplea un dispositivo narrativo visual perfecto a medida que los personajes se mueven dentro de escenas de acción y violencia; tras el disparo de la cámara de un personaje, la fotografía resultante llena la pantalla. Dirigiéndose directamente a los fotógrafos, Garland ilustra los diferentes enfoques que adoptan los personajes: sus ángulos, lo que eligen fotografiar. En las imágenes de Lee vemos un intento de distancia objetiva o contexto humanizador, y en las de Jessie, una captura confrontativa y al estilo gonzo del dolor y el miedo.

Los momentos en los que Lee mantiene la cámara inmóvil, dejando una escena sin documentar, se vuelven aún más profundos. Algunos pueden interpretar esto como un personaje que se rinde, pero como fotógrafo yo lo veo como un personaje que se ha convertido en más consciente de lo que estás haciendo, de tu impacto en el sujeto, en el espectador y en ti misma..

Para los fotógrafos, en particular, hay aquí una tesis clara sobre la moral, la ética y los métodos de tomar fotografías en momentos de agitación humana. La secuencia crucial de la película se produce cuando Lee muestra moderación y se niega a tomar una fotografía, mientras que la ambición de Jessie, que antepone la imagen a todo lo demás, conduce a consecuencias nefastas. Es una poderosa obra moral que nos hace enfrentarnos a la pregunta esencial: ¿cuál es el verdadero coste de la imagen tomada y quién paga en última instancia por ella? 

La Jetee (1962) Dir. Chris Marker

La Jetée Es una película imprescindible para los fotógrafos que están aprendiendo la historia de este medio y para los cineastas que desean ampliar sus conocimientos sobre películas influyentes.

El fotógrafo Chris Marker explora la memoria y el poder de la imagen singular mediante la realización de una película compuesta íntegramente por fotografías fijas. Aunque se podría argumentar que todas las películas rodadas en película son exactamente eso, una serie de fotogramas fijos, Marker lleva este concepto al extremo y enfatiza la naturaleza singular de los fotogramas. La narrativa de la película no se impulsa mediante un flujo continuo de acción, sino mediante una secuencia de fotografías estáticas en blanco y negro, cada una de las cuales es un recuerdo del pasado del protagonista o una visión de un futuro posible.

Una película en la que el viaje en el tiempo se convierte en una metáfora de la nostalgia, el sentimiento y el poder del documento del tiempo. La película se centra en un hombre atormentado por un momento concreto que presenció en un aeropuerto cuando era niño, un momento al que ahora debe regresar para salvar el futuro de la humanidad. Las fotografías fijas actúan como un sustituto perfecto del funcionamiento de la memoria: fragmentada, poderosa y, a menudo, ligada a una única imagen indeleble. Para los fotógrafos, esta película es un poderoso recordatorio de que cada fotograma que capturan tiene el potencial de transmitir toda una historia.

Recuerdo (2000) Dir. Christopher Nolan

Los giros y vueltas de la película de Christopher Nolan, coescrita con Jonathan Nolan, se basan en la falta de fiabilidad de la memoria, o en la ausencia de ella. Leonard, interpretado por Guy Pearce, sufre una forma única de amnesia que te impide formar nuevos recuerdos a largo plazo. Mediante tatuajes, notas y, lo más importante, fotografías, Leonard busca a la persona responsable de la muerte de su esposa.

Un aspecto fundamental de la película es la realidad de que las fotografías pueden ser manipuladas y utilizadas con fines manipuladores. El contenido de una fotografía puede ser escenificado o retocado, y las consecuencias psicológicas y físicas de las imágenes alteradas pueden ser devastadoramente reales. 

Para un fotógrafo, Recuerdo es una oscura lección sobre la naturaleza de la “verdad”. La estructura fragmentada y no lineal de la película es una metáfora visual de un archivo desorganizado, que obliga al público a reconstruir la narrativa a partir de pistas dispersas y, a menudo, engañosas. Nos recuerda que una imagen, cuando se saca de su contexto, puede ser un testigo peligroso y poco fiable.

Mención especial también para Oppenheimer, como una clase magistral de narración. 

Nunca estuviste realmente aquí (2017) Dir. Lynne Ramsay

La directora Lynne Ramsay es una maestra en crear atmósferas y expresiones sutiles, capaz de transmitir mucho con pocos diálogos. Al dividir las películas de Ramsay en imágenes fijas, se aprecia su enfoque meditado de la composición como narradora. Aunque se graban en formato digital, Ramsay toma prestada la estética de la película fotográfica para el color y la atmósfera (inicialmente quería grabar en película, pero las limitaciones de tiempo la obligaron a utilizar el formato digital).

Una película inquietante sobre el trastorno de estrés postraumático y el exsoldado afectado que llora la pérdida de su identidad, buscando y necesitando un deber que le impida sucumbir a su autodestrucción. Su madre le proporciona el impulso suficiente hasta que se desarrollan los acontecimientos de la película, dejándolo finalmente desorientado y necesitando una forma de servir. Las imágenes de la película son una lección magistral sobre el uso del color y la luz para transmitir estados emocionales, algo de lo que los fotógrafos pueden aprender directamente. Ramsay utiliza rojos saturados y azules profundos para exteriorizar la confusión interna del personaje, creando un lenguaje visual familiar como abreviación emocional, tan poderoso como el escaso diálogo.

Extraña querida (2023) Dir. Giovanni Ribisi

La primera incursión de Giovanni Ribisi en la dirección adoptó un enfoque ambicioso al rodar en película y contar una historia no lineal. El aspecto de la película es nostálgico y podría pertenecer a cualquier momento de los últimos quince años. Al optar por rodar en película, Ribisi imbuye la historia de una cualidad atemporal, una textura física que resulta inmediatamente evocadora. 

Esta elección deliberada resalta el contraste entre la estética clásica de la película y su estructura narrativa moderna y fragmentada. Para los fotógrafos, esta película demuestra el poder del medio y cómo la elección del material fílmico puede definir la estética y transmitir gran parte de la calidad emocional de una imagen. 

La narrativa no lineal, con sus perspectivas cambiantes y escenas desordenadas, da la sensación de estar reconstruyendo una historia a partir de dos fotógrafos diferentes que cubren el mismo evento desde sus propias perspectivas y sesgos, hasta que finalmente convergen en los mismos momentos cruciales. Esta es una de las mejores películas para artistas visuales que trabajan con cine y buscan inspiración.

Nada (2003) Dir. Vincenzo Natali

Como orgulloso canadiense, tengo la obligación legal de asegurarme de que 35% de todo el contenidoTodo lo que consumo es canadiense (estoy bastante seguro de que así lo establece nuestra Constitución) y me tomo muy en serio tu deber cívico. 

Lo cual me parece bien, ya que somos una productora modesta y con poco presupuesto, y me resulta más interesante el esfuerzo por hacer algo diferente y extraño que los cineastas que ejecutan a la perfección una fórmula. El director Vincenzo Natali, creador de películas de terror. Empalme y Cubo, es muy bueno en lo extraño. Aquí haciendo una salida cómica en la película. Nada con una de las secuencias iniciales más divertidas, atractivas y eficazmente expositivas que he visto nunca en una película. Un collage animado de fotografías muestra a los personajes principales, su relación y su historia, preparando maravillosamente una película que es realmente genial durante las dos primeras terceras partes y que se descarrila un poco en la última; de nuevo, respeto el hecho de ver algo realmente diferente.

Para los fotógrafos, esta secuencia inicial es un ejemplo inspirador de narración visual. Demuestra cómo se puede utilizar una serie de fotografías fijas en la realización cinematográfica: una de mis primeras tareas en una clase de cine fue precisamente esa, y es un ejemplo perfecto de lo que se puede lograr con un uso sencillo pero creativo de tu archivo fotográfico.

La narrativa de la película explora la compleja relación que tenemos con los lugares que ocupamos y el cosas tenemos, los deseos, las necesidades, los celos y los recuerdos que lleváis, y lo que ocurre cuando os despojáis de ellos, lo que ocurre cuando poco a poco todo te conviertes en nada.  

Cubo (1997) Dir. Vincenzo Natali

Una doble función de Vincenzo Natali, una vez más, no bromeaba sobre el mandato CanCon. Este es uno de los mejores ejemplos de lo que un director puede hacer con limitaciones y, por extensión, de lo que un fotógrafo puede hacer con un espacio y un presupuesto limitados. Utilizando una sola habitación, Natali empleó la iluminación y geles de colores para dar la sensación de que había muchas, todas ellas contenidas en una estructura cúbica de habitaciones cambiantes. Conceptualmente, piénsese en ello como un cubo de Rubik.

Las habitaciones se mueven y se entrelazan mediante compuertas a intervalos que los protagonistas atrapados en su interior no pueden predecir inicialmente. La cinematografía es claustrofóbica en ocasiones; la profundidad de campo, la lente de la cámara y las luces bajas y de colores se utilizan para denotar el cambio en la perspectiva de los personajes y la habitación. Los efectos visuales son sorprendentemente efectivos para 1997. 

Todos los personajes despiertan sin recordar cómo llegaron a sus respectivas habitaciones. Necesitados de comida, agua y una vía de escape, deben atravesarlas si quieren tener alguna esperanza de sobrevivir. Algunas habitaciones son mortales, otras seguras. Solo las secuencias de números que aparecen en las aberturas de las puertas pueden indicar cuál es cuál, si se descifran correctamente. Una narrativa que insinúa un experimento a gran escala. A falta de una palabra mejor, la atmósfera de esta película se me quedó grabada durante tres meses, y la recuerdo realmente como un solo fotograma. Es un testimonio de la capacidad del director para crear una atmósfera inquietante con muy poco, y es imprescindible para los aficionados al género de terror.

De imágenes fijas a historias

Las películas de esta lista son un testimonio del poder de la narración visual, ya sea a través de una sola imagen estática o de una secuencia de movimiento fluida. Para cualquiera que esté interesado en Aprender del cine como fotógrafo, estas selecciones ofrecen profundas lecciones. Desde la exploración de temas en películas sobre fotografía para entender Composición visual en las películas, cada uno de ellos ofrece información única y valiosa.

Tanto si eres un fotógrafo que quiere ampliar su negocio como un cineasta que quiere mostrar tu mejor trabajo en Internet, el nuevo servicio de Format bloque flexible La función de vídeo integrará perfectamente el vídeo en tu portafolio online, creando una experiencia dinámica y envolvente para tu público. Desde clips cortos hasta narrativas completas, nunca ha sido tan fácil contar tu historia a tu manera. 

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