Watch Party : Films essentiels pour les photographes

En tant que photographes, nous travaillons souvent dans un univers composé d'images individuelles. Nous recherchons le moment décisif, composons nos clichés et capturons l'instant grâce à un simple clic. Pourtant, un récit captivant nécessite souvent plus qu'une seule image : il repose sur une séquence, une ambiance et un arc narratif. En tant que photographe, je suis attiré par les films qui m'inspirent dans mon travail, surtout maintenant que la frontière entre les images fixes et les images animées s'estompe, et que l'étiquette photographe commence à impliquer vidéaste. 

Nouvelle fonctionnalité vidéo Flex Block de Format est une réponse à cette évolution créative, permettant un mélange et un chevauchement des contenus multimédias au sein de votre portfolio.

Voici quelques-uns des meilleurs films pour les artistes visuels et des films incontournables pour les photographes qui m'ont le plus marqué en tant que photographe attiré par les films qui comprennent ce médium fondamental, que ce soit dans leur approche ou dans leur sujet.

Cette liste ne contient pas les classiques – ces listes existent déjà –, mais plutôt les films que tout photographe devrait voir après avoir épuisé les autres listes. Il s'agit de mon sélection des meilleurs films pour les photographes, dans lesquels les réalisateurs comprennent le pouvoir des images fixes et animées, ou dans lesquels la photographie joue un rôle crucial dans le récit.

guerre civile (2024) Réalisé par Alex Garland

Malgré son titre et ses implications dans un paysage politique très divisé, ce film ne traite pas de politique. Alex Garland prend soin de rester vague quant à la nature exacte des idéologies opposées et ne les associe à aucun parti politique.

Il s'agit d'une histoire sur la création d'images, dans laquelle les valeurs du journalisme documentaire s'opposent à la pratique de la création de contenu. Ce conflit s'accompagne d'une friction générationnelle. La vieille garde des documentaristes contre la nouvelle génération, qui documente tout.

Dunst incarne le genre de la photographie journalistique en tant que document objectif de la vérité, une vérité complexe et violente qui l'a rendue incroyablement lasse. Interprétant un personnage inspiré de la photojournaliste Lee Miller, elle porte le film, en tant que photographe accablée par le poids de ses propres archives.

La tension entre l'ancien et le nouveau trouve son pendant chez Jessie, la jeune photographe qui s'immisce dans le groupe de journalistes itinérants de Lee. Elle travaille avec un appareil photo 35 mm, totalement inadapté aux méthodes actuelles de publication de l'information, ce qui oblige Jessie à développer ses clichés sur le terrain et à les numériser avec son téléphone. Ce choix ressemble davantage à une affectation qu'à une véritable passion pour un procédé qu'elle n'aurait jamais appris en tant que novice dans le domaine. Ce n'est pas la première fois que le public comprend que Jessie privilégie délibérément le style au détriment du sens.

Garland utilise un dispositif narratif visuel parfait alors que les personnages évoluent dans des scènes d'action et de violence ; après le déclenchement de l'obturateur de l'appareil photo d'un personnage, la photo qui en résulte remplit l'écran. S'adressant directement aux photographes, Garland illustre les différentes approches adoptées par les personnages : leurs angles, ce qu'ils choisissent de photographier. Nous voyons dans les images de Lee une tentative de prendre une certaine distance objective ou d'humaniser le contexte, tandis que celles de Jessie sont une capture conflictuelle, à la manière d'un reporter gonzo, de la douleur et de la peur.

Les moments où Lee tient son appareil photo immobile, laissant une scène non documentée, deviennent d'autant plus profonds. Certains peuvent interpréter cela comme un personnage qui abandonne, mais en tant que photographe, je vois cela comme un personnage qui est devenu plus consciente de ce qu'elle fait, de son impact sur le sujet, le spectateur et elle-même.

Pour les photographes, en particulier, il y a ici une thèse claire sur la morale, l'éthique et les méthodes à adopter pour prendre des photos dans des moments de troubles humains. Le moment clé du film survient lorsque Lee fait preuve de retenue, refusant de prendre une photo, tandis que l'ambition de Jessie, qui privilégie l'image avant tout, conduit à des conséquences sinistres. C'est une puissante pièce morale qui nous confronte à une question essentielle : quel est le véritable coût de l'image prise, et qui en paie finalement le prix ? 

La Jetée (1962) Réalisation : Chris Marker

La Jetée est un film incontournable pour les photographes qui étudient l'histoire de ce médium et les cinéastes qui aiment approfondir leurs connaissances sur les films influents.

Le photographe Chris Marker explore la mémoire et le pouvoir de l'image singulière en réalisant un film composé exclusivement de photographies fixes. Bien que l'on puisse affirmer que tout film tourné sur pellicule est exactement cela, une série d'images fixes, Marker pousse ce concept à l'extrême et met en avant la nature singulière des cadres. Le récit du film n'est pas porté par un enchaînement fluide d'actions, mais par une séquence de photographies statiques en noir et blanc, chacune représentant un souvenir du passé du protagoniste ou une vision d'un avenir potentiel.

Un film où le voyage dans le temps devient une métaphore de la nostalgie, du sentiment et du pouvoir du document temporel. Le film est centré sur un homme hanté par un moment unique dont il a été témoin dans un aéroport lorsqu'il était enfant, un moment auquel il doit maintenant retourner afin de sauver l'avenir de l'humanité. Les photographies fixes illustrent parfaitement le fonctionnement de la mémoire : fragmentée, puissante et souvent liée à une image unique et indélébile. Pour les photographes, ce film est un rappel puissant que chaque image que nous capturons a le potentiel de raconter toute une histoire.

Souvenir (2000) Réalisé par Christopher Nolan

Les rebondissements du film de Christopher Nolan, coécrit avec Jonathan Nolan, reposent sur le caractère peu fiable de la mémoire, voire son absence. Leonard, incarné par Guy Pearce, souffre d'une forme unique d'amnésie qui l'empêche de former de nouveaux souvenirs à long terme. À l'aide de tatouages, de notes et, surtout, de photographies, Leonard recherche la personne responsable de la mort de sa femme.

Au cœur du film se trouve la réalité selon laquelle les photographies peuvent être à la fois manipulées et utilisées à des fins de manipulation. Le contenu d'une photographie peut être mis en scène ou retouché, et les répercussions psychologiques et physiques des images modifiées peuvent être d'une réalité dévastatrice. 

Pour un photographe, Souvenir est une sombre leçon sur la nature de la “ vérité ”. La structure fragmentée et non linéaire du film est une métaphore visuelle d'archives désorganisées, obligeant le public à reconstituer le récit à partir d'indices épars, souvent trompeurs. Cela nous rappelle qu'une image, lorsqu'elle est sortie de son contexte, peut être un témoin dangereux et peu fiable.

Une mention spéciale également pour Oppenheimer, véritable chef-d'œuvre en matière de narration. 

Tu n'étais jamais vraiment là (2017) Réalisé par Lynne Ramsay

La réalisatrice Lynne Ramsay est une maître dans l'art de créer une atmosphère et dans la subtilité de l'expression, capable de transmettre beaucoup d'informations narratives avec peu de dialogues. En décomposant les films de Ramsay en images fixes, on constate son approche réfléchie de la composition en tant que conteuse. Bien que tournés en numérique, Ramsay emprunte l'esthétique de la pellicule pour les couleurs et l'atmosphère (elle souhaitait initialement tourner sur pellicule, mais les contraintes de temps l'ont obligée à passer au numérique).

Un film obsédant sur le syndrome de stress post-traumatique et l'ancien soldat affecté qui pleure la perte de son identité, cherchant et ayant besoin d'un devoir à accomplir pour ne pas succomber à son autodestruction. Sa mère lui fournit suffisamment d'élan jusqu'à ce que les événements du film se déroulent, le laissant finalement sans attaches et à la recherche d'un moyen de servir. Les images du film sont une véritable leçon de maître dans l'utilisation de la couleur et de la lumière pour transmettre des états émotionnels, ce dont les photographes peuvent s'inspirer directement. Ramsay utilise des rouges saturés et des bleus profonds pour extérioriser le tumulte intérieur du personnage, créant un langage visuel familier qui sert de raccourci émotionnel, aussi puissant que les dialogues épurés.

Étrange chérie (2023) Réalisé par Giovanni Ribisi

Pour ses débuts en tant que réalisateur, Giovanni Ribisi a adopté une approche ambitieuse en tournant son film sur pellicule et en racontant une histoire non linéaire. Le style du film est nostalgique et pourrait provenir de n'importe quelle période des quinze dernières années. En choisissant de tourner sur pellicule, Ribisi confère à l'histoire un caractère intemporel, une texture physique qui évoque immédiatement le passé. 

Ce choix délibéré souligne le contraste entre l'esthétique classique du film et sa structure narrative moderne et fragmentée. Pour les photographes, ce film démontre la puissance du médium et montre comment le choix du support peut définir l'esthétique et transmettre une grande partie de la qualité émotionnelle d'une image. 

Le récit non linéaire, avec ses changements de perspective et ses scènes désordonnées, donne l'impression d'assembler une histoire à partir de deux photographes différents couvrant le même événement selon leurs propres perspectives et préjugés, jusqu'à ce qu'ils convergent finalement vers les mêmes moments clés. C'est l'un des meilleurs films pour les artistes visuels qui travaillent avec le cinéma et recherchent l'inspiration.

Rien (2003) Réalisé par Vincenzo Natali

En tant que fier Canadien, je suis tenu par la loi de veiller à ce que 35% de tout le contenuTout ce que je consomme est canadien (je suis presque certain que cela figure désormais dans notre Constitution), et je prends mon devoir civique très au sérieux. 

Cela me convient parfaitement, car nous sommes une petite structure à petit budget, et ce qui m'intéresse davantage que les cinéastes qui appliquent parfaitement une formule, c'est l'effort de faire quelque chose de différent et d'étrange. Le réalisateur Vincenzo Natali, à l'origine de films d'horreur Épissure et Cube, est très doué pour les choses étranges. Ici, il fait une sortie comique dans le film. Rien avec l'une des séquences d'ouverture les plus drôles, les plus attrayantes et les plus efficaces que j'ai jamais vues dans un film. Un collage animé de photographies présente les personnages principaux, leurs relations et leur histoire, préparant magnifiquement un film qui est vraiment génial pendant les deux premiers tiers, mais qui déraille un peu dans la dernière partie. Encore une fois, je respecte le fait de voir quelque chose de vraiment différent.

Pour les photographes, cette séquence d'ouverture est un exemple inspirant de narration visuelle. Elle montre comment une série de photographies peut être utilisée dans la réalisation d'un film. L'un de mes premiers devoirs dans un cours de cinéma consistait justement à faire cela, et c'est un exemple parfait de ce qu'il est possible de réaliser en utilisant de manière simple mais créative ses archives photographiques.

Le récit du film explore la relation complexe que nous entretenons avec les lieux que nous occupons et le choses ce que nous avons, les désirs, les besoins, les jalousies et les souvenirs qu'ils portent en eux, et ce qui se passe lorsqu'ils sont dépouillés, ce qui se passe lorsqu'ils sont peu à peu tout devient rien.  

Cube (1997) Réalisé par Vincenzo Natali

Encore une fois, un double programme de Vincenzo Natali. Je ne plaisantais pas au sujet de l'obligation de contenu canadien. C'est l'un des meilleurs exemples de ce qu'un réalisateur peut faire avec des contraintes, et par extension, de ce qu'un photographe peut faire avec un espace et un budget limités. À partir d'une seule pièce, Natali a utilisé l'éclairage et des gélatines colorées pour donner l'impression qu'il y en avait plusieurs, toutes contenues dans une structure cubique de pièces mobiles. Conceptuellement, imaginez un Rubik's cube.

Les pièces se déplacent et s'emboîtent à intervalles réguliers, ce que les protagonistes piégés à l'intérieur ne peuvent pas prévoir au départ. La cinématographie est parfois claustrophobe ; la profondeur de champ, l'objectif de la caméra et les lumières basses et colorées sont utilisés pour indiquer les changements de perspective des personnages et des pièces. Les effets spéciaux sont étonnamment efficaces pour 1997. 

Les personnages se réveillent tous sans aucun souvenir de la manière dont ils se sont retrouvés dans leurs chambres respectives. Ayant besoin de nourriture, d'eau et d'une issue pour s'échapper, ils doivent traverser ces chambres s'ils veulent avoir une chance de survivre. Certaines chambres sont mortelles, d'autres sont sûres. Seules les séquences de chiffres inscrites sur les portes d'entrée peuvent les indiquer, à condition d'être déchiffrées correctement. Un récit qui suggère une expérience à grande échelle. Faute d'un meilleur mot, l'ambiance de ce film m'a marqué pendant trois mois, et je m'en souviens vraiment comme d'une seule image. Cela témoigne de la capacité du réalisateur à créer une atmosphère troublante avec très peu de moyens, et c'est un film incontournable pour les fans du genre horreur.

Des images fixes aux récits

Les films figurant dans cette liste témoignent de la puissance de la narration visuelle, qu'il s'agisse d'une image unique et statique ou d'une séquence fluide de mouvements. Pour toute personne intéressée par apprendre du cinéma en tant que photographe, ces sélections offrent des leçons profondes. De l'exploration des thèmes dans films sur la photographie à la compréhension composition visuelle dans les films, chacune d'entre elles apporte des informations uniques et précieuses.

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