Cette liste de 10 films essentiels offre des leçons inestimables sur la narration, le langage visuel et l'art de donner vie à une vision. Une liste de films incontournables pour les cinéastes en herbe et confirmés. Découvrez comment des réalisateurs de renom se sont habilement attaqués à des récits complexes, ont innové avec des budgets limités et ont su trouver un équilibre entre leurs ambitions artistiques et les réalités pratiques pour créer des films inoubliables qui continuent d'inspirer, de divertir et de durer.
Ben Sheetz, le magicien de la vidéo de Format, nous présente sa liste de films essentiels pour les cinéastes, les directeurs de la photographie et les conteurs. Ben a également un podcast consacré à l'art de l'horreur et à tout ce qui est effrayant dans le cinéma. Pour les amateurs d'horreur, Pod People est très agréable à écouter !
Film américain (1999)
Dir. Chris Smith
Lorsqu'on m'a demandé de dresser cette liste, Film américain était pour moi le premier choix évident. Réalisé par Chris Smith, ce documentaire retrace la vie de Mark Borchardt, un cinéaste en herbe de Milwaukee. L'histoire est centrée sur ses efforts pour terminer son court métrage d'horreur à petit budget, Coven (qu'il prononce "Coh-ven" parce que "Coven" ressemble trop à "oven"). Mark n'est pas un cinéaste comme les autres : il nettoie les toilettes pour gagner sa vie, écrit des scénarios dans sa voiture et connaît des revers constants dans sa vie personnelle et professionnelle. Il est désordonné, imparfait et implacablement passionné. Pourtant, malgré le chaos qu'il incarne, sa détermination à créer de l'art est à la fois déchirante et inspirante.
Ce qui rend American Movie si spécial, c'est l'authenticité brute du film. Mark est entouré de gens ordinaires - son oncle excentrique Bill, qui finance le film, et son meilleur ami Mike, qui aide à contrecœur à la production. Leur vie est loin d'être glamour, mais leur lutte commune pour créer quelque chose de significatif est d'une grande beauté. Ayant fait mes études de cinéma à Milwaukee, ce film a une signification personnelle pour moi. Mark monte Coven dans les mêmes salles de montage que celles que j'ai utilisées à l'université du Wisconsin-Milwaukee, et voir Mitchell Hall exactement comme il était dans les années 90 est une expérience surréaliste. American Movie est un témoignage de la puissance de la passion artistique, même lorsqu'elle existe dans des niches obscures. C'est un portrait incroyablement honnête d'un artiste passionné et peu glorieux.
Ce film s'adresse à : tout créatif cherchant à s'inspirer de ce qui peut être fait avec le plus petit budget.
Jiro rêve de sushi (2011)
Dir. Devid Gelb
Jiro Dreams of Sushi est un documentaire fascinant sur Jiro Ono, un maître sushi de 85 ans qui tient un minuscule restaurant étoilé au Michelin dans une station de métro de Tokyo. Avec seulement dix places assises et des réservations faites des mois à l'avance, le restaurant de Jiro est une œuvre de perfection étroitement gérée. Le film, réalisé par David Gelb, explore le dévouement obsessionnel de Jiro pour son métier. Chaque détail, de l'approvisionnement en poisson frais à la perfection de la température et de la texture du riz, est méticuleusement contrôlé. La philosophie de Jiro est simple : répétition, patience et engagement inébranlable envers l'excellence.
Ce qui rend ce film si convaincant pour les artistes, c'est l'accent qu'il met sur le processus. La vie de Jiro est une méditation sur la valeur de l'artisanat et la poursuite de la maîtrise. Il passe des décennies à affiner les mêmes techniques, sans jamais se contenter d'un "assez bon". Ce dévouement trouve un écho profond chez tous ceux qui créent de l'art, qu'il s'agisse de cuisine, de peinture, de cinéma ou d'écriture. Le film explore également la tension entre la tradition et l'innovation, alors que les fils de Jiro s'efforcent de perpétuer son héritage. Jiro rêve de sushi rappelle que le grand art naît de la discipline, de l'attention portée aux détails et d'une volonté incessante de s'améliorer. C'est une célébration de la beauté qui émerge lorsque l'on s'investit à fond dans le processus de création.
Ce film s'adresse à : des documentaristes en herbe et des amateurs de cuisine.
Ed Wood (1994)
Réalisateur Tim Burton
Ed Wood de Tim Burton est un hommage sincère à l'un des cinéastes les plus tristement célèbres d'Hollywood. Ed Wood, souvent surnommé "le pire réalisateur de tous les temps", est surtout connu pour ses classiques cultes tels que Plan 9 from Outer Space et Glen or Glenda. Johnny Depp interprète brillamment le rôle de Wood, qu'il dépeint comme un éternel optimiste refusant de laisser les échecs décourager sa passion pour le cinéma. Malgré son manque de talent, l'enthousiasme de Wood est contagieux et son amour pour le processus créatif transparaît dans chaque image.
Le film est une exploration poignante de la résilience artistique. Wood est confronté à d'innombrables obstacles - budgets dérisoires, acteurs désintéressés et critiques acerbes - mais il ne perd jamais sa flamme. L'un des moments les plus émouvants du film est une rencontre fictive entre Wood et Orson Welles, au cours de laquelle ils discutent des défis de la création artistique. Welles dit à Wood : "Les visions valent la peine qu'on se batte pour elles. Pourquoi passer sa vie à réaliser les rêves de quelqu'un d'autre ?". Cette phrase résume le message central du film : l'art a de la valeur, même s'il n'est pas universellement reconnu ou célébré. Ed Wood est une célébration de l'esprit créatif et de la joie de créer et de faire de l'art indépendamment de toute validation extérieure.
Ce film s'adresse à : les outsiders créatifs qui ont besoin de se rappeler qu'ils peuvent être appréciés à titre posthume.
Légendes locales (2019)
Dir. Matt Farley
Local Legends, écrit, réalisé et interprété par Matt Farley, est un bijou à micro-budget qui offre un regard profondément personnel sur la vie d'un artiste bricoleur. Farley, qui joue une version fictive de lui-même, est un créateur prolifique qui écrit et enregistre des milliers de chansons fantaisistes chaque année. Son travail va des chansons basées sur des noms (comme "Happy Birthday, Jessica") aux chansons excentriques sur les célébrités et le caca. Il réalise également des films à petit budget avec ses amis, souvent dans l'indifférence de son entourage.
Ce qui rend Local Legends si spécial, c'est son honnêteté inébranlable à l'égard du processus de création. L'art de Farley suscite souvent l'apathie ou le ridicule, mais il continue à créer parce que cela lui apporte de la joie. L'une des scènes les plus mémorables du film montre Farley en train de projeter l'un de ses films à une fille qui le quitte à mi-parcours en lui disant que c'est "un peu ridicule". Au lieu d'arrêter le film, Farley regarde le reste seul, en souriant à lui-même. Dans un autre moment, il fait entrer en cachette des CD dans son magasin de disques local et les place sur les étagères du rayon des CD d'occasion, une sorte de "vol à l'envers", comme le dit Farley. Ces moments soulignent l'expression créative de Farley et son désir d'être entendu et vu. Légendes locales est un portrait de la vie créative, qui nous rappelle que l'acte de création est sa propre récompense.
Ce film s'adresse à : tous ceux qui veulent simplement faire leur travail et qu'il soit vu quelque part. Même si ce n'est pas par le biais des grandes chaînes.
Le fardeau des rêves (1982)
Dir. Les Blank
Burden of Dreams est un documentaire sur l'effort herculéen de Werner Herzog pour réaliser Fitzcarraldo, un film qui consiste à tirer un bateau à vapeur de 320 tonnes au-dessus d'une montagne dans la forêt amazonienne. Réalisé par Les Blank, le film montre la détermination inébranlable de Herzog alors qu'il doit faire face à des conditions climatiques extrêmes, à des cauchemars logistiques et au comportement instable de son acteur principal (qui s'est avéré être une personne terrible), Klaus Kinski.
Ce qui rend Burden of Dreams si fascinant, c'est son exploration de l'obsession artistique. La vision de Herzog est à la fois impressionnante et exaspérante, alors qu'il se pousse lui-même et son équipe au bord de l'effondrement. Le film soulève des questions profondes sur le coût de l'ambition artistique et sur la frontière ténue entre le génie et la folie. Pour les artistes, c'est un rappel puissant que le grand travail exige souvent des sacrifices et de la persévérance. La volonté inébranlable de Herzog de réaliser l'impossible est à la fois une source d'inspiration et une mise en garde. Le fardeau des rêves un film à ne pas manquer pour tous ceux qui se sont déjà sentis accaparés par leur vision créative.
Ce film s'adresse à : tous ceux qui aiment Herzog et sa marque de folie spécifique et qui veulent jeter un coup d'œil dans les coulisses.
Construisez votre portefeuille avec Format
Classé #1 par les professionnels du cinéma.
Gros plan (1990)
Dir. Abbas Kiarostami
Close-Up d'Abbas Kiarostami est un mélange révolutionnaire de documentaire et de fiction qui raconte l'histoire de Hossein Sabzian, un homme qui se fait passer pour le cinéaste iranien Mohsen Makhmalbaf. Sabzian, lui-même pauvre et issu de la classe ouvrière, est tellement ému par les films de Makhmalbaf qu'il convainc une famille qu'il est le réalisateur, leur promettant de les faire jouer dans son prochain film. Lorsque sa supercherie est découverte, Sabzian est jugé et Kiarostami filme le procès, en l'entrecoupant de reconstitutions des événements.
Ce qui rend Close-Up si remarquable, c'est son exploration du pouvoir de transformation de l'art. L'imitation de Sabzian n'est pas seulement un mensonge, c'est une tentative de transcender ses circonstances et de se connecter à quelque chose de plus grand. Le film brouille la frontière entre la réalité et la fiction, remettant en question nos notions de vérité et d'authenticité. Dans une scène poignante, Sabzian rencontre le vrai Makhmalbaf, et cette rencontre est à la fois déchirante et rédemptrice. Gros plan est une méditation sur la façon dont l'art peut nous inspirer, nous tromper et finalement nous transformer.
Ce film s'adresse à : des documentaristes à la recherche de méta-narrations.
F comme Fake (1973)
Dir. Orson Welles
F for Fake d'Orson Welles est une exploration ludique, défiant les genres, de l'art, de l'illusion et de l'authenticité. Le film retrace l'histoire du faussaire Elmyr de Hory, de son biographe Clifford Irving (qui a ensuite falsifié l'autobiographie de Howard Hughes) et de Welles lui-même, qui réfléchit à sa propre carrière en tant que maître de la tromperie.
Au fond, F for Fake est une célébration de l'art de raconter des histoires. Welles soutient que tout art est, d'une certaine manière, une contrefaçon, un remix des influences et des idées qui l'ont précédé. Le film remet en question la notion d'originalité, suggérant que l'important n'est pas de savoir si quelque chose est "vrai", mais si cela résonne. Pour les artistes, F comme Faux est un rappel libérateur que l'"authenticité" est une farce - la créativité consiste à conserver ses influences et à se les approprier. L'esprit et le charme de Welles font de ce film un plaisir à regarder, et son message est aussi pertinent aujourd'hui qu'il l'était en 1973.
Ce film s'adresse à : des écrivains et des cinéastes qui aiment jouer avec la vérité.
L'artiste est présent (2012)
Dir. Matthew Akers
The Artist Is Present documente la rétrospective révolutionnaire de Marina Abramović au MoMA en 2010, au cours de laquelle elle a joué sa pièce du même nom. Pendant plus de 700 heures, Abramović est restée assise en silence sur une chaise tout en invitant les visiteurs à s'asseoir en face d'elle et à partager un moment de connexion. Le film, réalisé par Matthew Akers, capte l'intensité émotionnelle de la performance, ainsi que le poids physique et mental qu'elle fait peser sur Abramović.
Ce qui rend ce film si puissant, c'est son exploration de l'art éphémère. L'œuvre d'Abramović n'existe que dans l'instant, mais elle laisse un impact durable sur ceux qui en font l'expérience. Le film se penche également sur ses performances antérieures, qui impliquaient souvent une endurance physique et émotionnelle extrême. L'artiste est présent témoigne de la physicalité des œuvres d'Abramovic et de la présence nécessaire pour créer des expériences artistiques à forte résonance émotionnelle.
Ce film s'adresse à : des cinéastes et des artistes qui cherchent à traduire l'expérience éphémère.
Les cinq obstacles (2003)
Dir. Lars von Trier
Dans The Five Obstructions, Lars von Trier met son mentor, le cinéaste Jørgen Leth, au défi de refaire cinq fois son court métrage de 1967, The Perfect Human. Chaque itération s'accompagne d'une nouvelle série de contraintes. Les contraintes vont de la technique (aucun plan de plus de 12 images) au concept (refaire le film dans "l'endroit le plus misérable de la planète").
Les réponses de Leth aux défis de von Trier révèlent comment les limites peuvent inspirer l'innovation. Il s'agit d'une exploration fascinante de la manière dont la créativité franchit les obstacles. Pour les artistes, Les cinq obstacles montre comment le fait de travailler avec des contraintes nous pousse à innover au-delà de nos ressources ou des circonstances pour donner vie à nos visions.
Ce film s'adresse aux artistes obstinés qui aiment les défis.
Murder Party (2007)
Réalisateur Jeremy Saulnier
En tant qu'animateur du podcast sur les films d'horreur Pod PeopleJe me devais d'inclure au moins un film d'horreur et Murder Party me semble être le choix idéal pour terminer cette liste. Le premier long métrage de Jeremy Saulnier est une comédie d'horreur qui raconte l'histoire d'un groupe d'artistes new-yorkais prétentieux qui kidnappent un homme et prévoient de l'assassiner dans le cadre d'un projet artistique. Le film est une farce hilarante de la suffisance du monde de l'art, alors que les plans des artistes se transforment rapidement en chaos.
Qu'est-ce qui fait que Murder Party est son charme bricolé et sa satire acérée. Saulnier ne se prend pas trop au sérieux, et le film rappelle que l'art devrait être une question d'expression personnelle plutôt que de s'intégrer à la clique de la foule artistique. Pour les artistes, c'est un coup de pouce ludique pour rejeter l'absurdité du monde de l'art qui se prend au sérieux et éviter de renifler ses propres pets, pour ainsi dire. Une leçon pour éviter d'être trop sérieux et avoir le sens de l'humour envers soi-même et son travail.
Ce film est pour : tous ceux qui aiment s'amuser avec une satire de l'horreur.
Bientôt disponible
Nos listes de films essentiels pour les animateurs, les photographes et les écrivains.
Plus d'articles comme celui-ci :
5 livres que tout artiste devrait lire
