Nell'attuale clima politico, gli artisti trovano il modo di essere coinvolti nella politica. Con un'amministrazione americana che ha definito il sostegno all'arte e alle discipline umanistiche non “prudente”, La popolazione creativa si fa carico di dimostrare che l'arte ha un ruolo vitale nella società.
Il risultato è stato di tutto, dalle azioni individuali, come La denuncia di Richard Prince del suo lavoro di Ivanka Trump, a mostre come Il centro Knockdown’s Donne cattive nel Queens, New York, che ha donato le vendite delle opere d'arte a Planned Parenthood.
Quando le persone sono chiamate a azione in strada, Alcuni artisti potrebbero voler posare i pennelli, chiudere i laptop e unirsi a noi. Ma possono anche usare il loro talento e la loro visione per aiutare un movimento. Per esempio, l'artista Christo ha deciso di abbandonare un progetto che gli è costato $15 milioni di euro, oltre a più di 20 anni di lavoro, in quello che l'artista ha definito il "movimento". New York Times chiamato “La più grande protesta del mondo dell'arte”.” L'intervento di altri artisti sembra imminente.
Il tentativo di eliminare i fondi per l'arte potrebbe rivelare il desiderio dell'attuale amministrazione di mettere a tacere le voci critiche? Nel corso della storia, gli artisti hanno partecipato come reazionari irriducibili ad azioni politiche ingiuste. Sono stati manifestanti espliciti durante la guerra del Vietnam negli anni '60 e '70, oltre a un'infinità di altri casi. Spesso sono la prima comunità a parlare in nome dei diritti umani e contro l'oppressione. Negli ultimi cento anni, gli artisti e le loro azioni sono stati incredibilmente importanti per i diritti LGBTQIA, il femminismo, il pacifismo, i diritti dell'immigrazione e i diritti delle persone di colore.
La storia dell'arte di protesta è vasta e densa. In questa breve panoramica, esaminiamo una selezione di artisti di grande impatto politico del secolo scorso per trarre ispirazione da appelli artistici all'azione. Dai dadaisti alle Guerrilla Girls, ecco i movimenti artistici e gli individui che dovreste conoscere. Uno sguardo al passato per guardare avanti.
Hannah Höch, “Senza titolo (grande mano sulla testa di una donna)”, 1930, fotomontaggio via Artistico
I Dadaisti
Assurdisti politici europei di Zurigo
Negli anni Venti, i dadaisti fondarono il nightclub Cabaret Voltaire come sede di performance art sperimentali e politiche. Hanno anche inventato collage come mezzo di comunicazione accessibile. Utilizzarono il collage per appropriarsi dei giornali in reazione alla Prima Guerra Mondiale. Il gruppo si divise in diverse discipline: scultori, designer, artisti e poeti. Si unirono sotto l'assurdità di un'umanità devastata dalla guerra e realizzarono un'arte reazionaria e senza fronzoli. Tra i dadaisti più influenti si possono citare Hannah Höch, Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Francis Picabia, e Kurt Schwitters.
Diego Rivera, Particolare di “L'insurrezione” 74 x 93 3/4″, 1931 via MoMA
Muralisti messicani
Muralisti per l'appoggio comunista messicano
In Nord America, negli anni Venti, i muralisti messicani erano in rivoluzione contro l'industrializzazione tirannica. Il loro intento era quello di proteggere i diritti dei lavoratori. Artisti come Diego Rivera, dipingevano affreschi pubblici su larga scala che illustravano le lotte del proletariato. Il gruppo si schierò sotto Ideali leninisti e si sono confrontati con la politica attraverso gli standard della storia della pittura. Hanno replicato le strategie pittoriche tradizionali, in particolare dipingendo affreschi su larga scala. Come gli artisti del Rinascimento, comunicarono a masse di persone attraverso le loro scene didattiche e potenti.
Jacob Lawrence, “Una delle più grandi rivolte razziali avvenne a East St. Louis”. via NPR
Jacob Lawrence
Pittore sociale afroamericano
Jacob Lawrence è uno dei più importanti artisti visivi americani. Ha realizzato serie di opere illustrative incentrate su momenti storici che catturano la disuguaglianza razziale. L'immagine qui sopra fa parte della sua imponente collezione di dipinti di 60 pezzi, denominata La serie delle migrazioni. La serie illustra le cause, i disordini e i risultati della grande migrazione degli afroamericani dal Sud alle città del Centro-Nord. La migrazione ebbe luogo dopo che il Jim Crow aveva minacciato le loro vite e le loro uguaglianze nel sud. Lawrence dipinse instancabilmente su cartone e semplice legno con tempere colorate. I dipinti esprimono momenti del viaggio, compresi quelli più caldi che mostrano la famiglia e il cameratismo. Ma soprattutto descrive i momenti di violenza e oppressione sia nel Sud che nel Nord. Lawrence ha continuato a realizzare numerose altre serie su temi storico-sociali ed è stato un prolifico collaboratore dell'American Art.
Gordon Parks, “American Gothic, Washington, D.C.”, 1942, stampa alla gelatina d'argento via Galleria Metivier
Gordon Parks
Fotografo documentarista sui diritti civili degli afroamericani
Gordon Parks è stato un prolifico fotoreporter, regista, scrittore e umanitario. È stato un artista di spicco negli anni 1940-70 e ha lavorato fino alla sua morte, avvenuta nel 2006. Ha documentato i diritti civili, la disuguaglianza razziale e la povertà. Come uno dei primi cineasti afroamericani, Parks è stato anche la quintessenza dello sviluppo del “cinema".“Blaxploitation”. La maggior parte dei film di questo genere erano essenzialmente film d'azione rivolti al pubblico nero. Tuttavia, il suo lavoro politico di maggior impatto è probabilmente rappresentato dalle immagini della povertà nera scattate negli anni Quaranta. Formalmente composte e ossessionanti, le opere descrivono una comunità impoverita che doveva essere messa in evidenza per ottenere un cambiamento. Parks è stato fondamentale per lo sviluppo della fotografia sociale e politica. ’
Danny Lyon “Arrest of Taylor Washington” Atlanta , 1963, Stampa 1967, Stampa vintage alla gelatina d'argento - 10 x 8 pollici (25,4 x 20,3 cm)
Danny Lyon
Fotografo di strada americano
Nell'estate del 2016, Danny Lyon ha realizzato una retrospettiva meglio tardi che mai, intitolata *Danny Lyon: Messaggio al futuro al Whitney Museum of Art. La galleria esponeva fotografie storiche di persone di colore arrestate durante le proteste degli anni “60, immagini del recente Movimento Occupy e un filmato in stile intervista intitolato ”One Man One Vote: Danny Lyon in conversazione con Julian Bond". Guardando le nuove immagini accostate a quelle del movimento per i diritti civili, è chiaro che non abbiamo fatto molti progressi. Lyon ha trascorso gli ultimi sessant'anni a fotografare alcuni dei momenti di maggiore tensione sociale. Momenti in cui le persone lottano per i loro diritti e la reazione delle comunità contro di loro. Molte delle sue immagini sono utilizzate come fotografie di riferimento per il movimento dei diritti civili. Come artista associato alla fotografia di strada americana, il suo lavoro si distingue per aver fornito una documentazione necessaria ai movimenti dagli anni Sessanta a oggi sulle questioni razziali e sui diritti umani. Ha lavorato come fotografo disonesto, non affiliato a nessuna grande testata giornalistica. Non è stato solo un fotografo dell'attivismo, ma ha anche lavorato instancabilmente con i movimenti come partecipante e organizzatore.
William Kentridge, fotogramma di “Felix in Exile”, 1994, animazione disegnata a mano via Gallerie Serpentine
William Kentridge
Animatore politico sudafricano
William Kentridge è un artista sudafricano. La sua pratica basata sul disegno utilizza narrazioni e immagini per esprimere preoccupazioni sui diritti umani. Spesso si concentra su Johannesburg, un luogo pieno di problemi industriali, politici ed economici. L'opera più nota Felix in esilio è un'animazione che rappresenta una critica, piena di rimorsi, del panorama politico della città. La breve animazione consiste in oltre quaranta disegni che vengono cancellati e ridisegnati in successione per animare scene complesse. Kentridge illustra una città industriale abbandonata e piena di dolore e sofferenza dei corpi neri. Il film esprime profonda preoccupazione, dolore e perdita per le conseguenze dello stato sociale e politico della città. Questa è solo una delle tante opere realizzate da Kentridge con la sua tecnica unica. Continua a creare opere politiche emotivamente cariche sulle sfumature del dolore che si traducono nella negazione dei diritti umani.
Ana Mendieta; Senza titolo; 1974
Ana Mendieta
Artista performativa femminista
Ana Mendieta è nata a Cuba ma è emigrata negli Stati Uniti all'età di 12 anni per sfuggire alla rivoluzione cubana. È stata una figura importante nello sviluppo della body art femminista. Ha spesso combinato il suo corpo in installazioni di land art e performance utilizzando materiali naturali, oltre ai suoi capelli e al suo sangue. Una delle sue opere più note è Senza titolo (Trapianto di peli sul viso) (1976) in cui ha tagliato i peli del viso dei partecipanti maschi per adornare il proprio volto con i resti. L'opera commenta la natura performativa del genere. Il suo lavoro si è concentrato sui temi del femminismo, del corpo, dell'appartenenza culturale, del luogo e della mortalità. La sua opera prende la forma di performance, installazioni, film, opere librarie e pezzi sonori. Ana Mendieta è morta prematuramente. pensiero popolare che il marito e artista Carl Andre l'abbia gettata dalla finestra del suo appartamento di New York. Tuttavia, le accuse non sono mai state formulate e la sua morte è ufficialmente considerata un incidente.
“Una Guerrilla Girl posa davanti a un cartellone pubblicitario del 2002 che critica gli Academy Awards non lontano da dove vengono consegnati a Hollywood”. via NYT
Ragazze guerrigliere
Artisti femministi anonimi
Nel 1985, le Guerrilla Girls sono entrate in azione come manifestanti anonime con la maschera da gorilla. Combattevano la mancanza di riconoscimento e di inclusione delle donne e delle persone di colore nel mondo dell'arte. Le Guerrilla Girls sono ancora attive oggi, mentre continuiamo ad affrontare questi problemi, e le identità dei membri sono ancora nascoste. Il gruppo di attiviste usa pseudonimi di artiste morte per mantenere vivo il proprio lavoro. Il gruppo protesta, parla e si esibisce pubblicamente, in istituzioni artistiche e gallerie private. La loro identità nascosta aiuta a proteggere i membri dal rischio di rovinare le loro carriere artistiche principali. Spesso criticano le grandi istituzioni finanziate con fondi pubblici e le gallerie private per la mancanza di retribuzione e di inclusione degli artisti emarginati. Sono noti soprattutto per manifesti, cartelloni pubblicitari, volantini e libri intelligenti e umoristici. Il lavoro utilizza un design grafico stilistico per presentare rapidamente statistiche chiare sul deficit di sostegno.
Judy Chicago “The Dinner Party”, 1974-79. Ceramica, porcellana, tessuto, 576 × 576 pollici.
Laboratorio di studio femminista
A cura di Judy Chicago, Sheila Levrant de Bretteville e Arlene Raven
Il Feminist Studio Workshop è stato un programma autosufficiente gestito dalle fondatrici dell'associazione Feminist Studio. Edificio Donna a Los Angeles. Tra i fondatori ci sono tre donne: La celebre artista femminista Judy Chicago, che ha progettato la famosa opera femminista per eccellenza degli anni Settanta. La cena di gala; Progettista grafico Sheila Levrant de Bretteville che ha realizzato infinite immagini a sostegno del femminismo; e la storica dell'arte femminista Arelene Raven, che nel 1989 scrisse “Art in the Public Interest” (L'arte nell'interesse pubblico), che affronta gli stessi problemi di oggi. Il Women's Building e il Feminist Studio Workshop sono esistiti dal 1973 al 1991. Il Feminist Studio Workshop è stata una delle prime scuole d'arte femminili indipendenti incentrate sui laboratori. I tre membri fondatori l'hanno avviato dopo essersi stufati di lavorare in scuole a prevalenza maschile. CalArts. Lo spazio è stato un'iniziativa importante per lo sviluppo di altre artiste femministe e di opere d'arte realizzate da donne. Lo spazio comprendeva una galleria, una libreria, un caffè e spazi di lavoro.
Carrie Mae Weems. Da “The Kitchen Table Series”, 1990
Carrie Mae Weems
Fotografo e videoartista
Carrie Mae Weems è una delle artiste più importanti del nostro tempo. Weems ha trascorso una vita a perseguire un lavoro che esplora la razza, il genere, la classe e l'attivismo. Lavora con la fotografia, il video, la parola e i tessuti. Il suo lavoro descrive le questioni quotidiane con immagini poetiche e un'acuta chiarezza sul peso della condizione umana. La serie del tavolo da cucina è probabilmente il suo progetto fotografico più noto. L'opera descrive i momenti che accadono all'interno degli spazi domestici tra i generi e la famiglia. Il suo lavoro è ricco di sottili descrizioni del potere e dell'intimità. Cattura magnificamente il modo in cui il personale è politico.
Nancy Spero. “Search and Destroy”, particolare, 1967 Guazzo e inchiostro su carta, 24 x 36 pollici.
Nancy Spero
Pittrice femminista politica
Nancy Spero è stata in trincea come femminista durante gli inizi del Movimento delle donne negli anni Sessanta. I suoi dipinti/disegni gestuali su larga scala illustrano le reazioni emotive alla guerra e alle questioni femminili. Sebbene sia considerata una pittrice, l'artista rifiuta l'uso della pittura su tela in quanto sinonimo di pittori maschi misogini. Ha invece optato per una varietà di materiali da disegno per creare opere politiche intense, crude e illustrative. Discutendo del suo Serie Guerra lavora con Stephanie Buhmann per Il Brooklyn Rail, Con i War Paintings, ho dovuto capire come dipingere un “manifesto‘ contro la guerra e la violenza. Dal 1966 al 1970 ho lavorato in fretta e furia. Non ho più faticato con i colori a olio e la tela. Ho usato gouache, acquerelli, inchiostri da disegno e carta’. Ha anche ha lanciato torte in faccia alla gente per protesta, quindi siamo grandi fan.
Immagine d'archivio via
PAD/D
Gruppo di artisti attivisti con sede a New York
Negli anni Ottanta il gruppo newyorkese PAD/D è sceso in strada e negli archivi. Il nome del gruppo sta per Political Art Documentation and Distribution. Il gruppo aveva il mandato di “fornire agli artisti un rapporto organizzato con la società, dimostrare l'efficacia politica della creazione di immagini e fornire un quadro all'interno del quale gli artisti progressisti potessero discutere e sviluppare alternative al sistema artistico tradizionale”. Creavano eventi, distribuivano informazioni, partecipavano a proteste, creavano opere d'arte da utilizzare nelle manifestazioni, pubblicavano newsletter, tenevano forum ed erano coinvolti in tutto ciò che combinava arte e protesta.
Martha Rosler. “Gladiatori dalla serie Bringing the War Home: House Beautiful”, 2004, fotomontaggio.
Martha Rosler
Fotomontaggio politico intelligente
Martha Rosler è un'artista americana. Lavora con il fotomontaggio, il video, la fotografia, il testo, la performance e l'installazione per creare commenti politici da una visione femminista. Il mandato che unisce la sua pratica multidisciplinare è il suo forte senso politico e l'occhio fervido sui media. Spesso utilizza l'appropriazione per creare immagini satiriche e potenti. Il suo lavoro cattura e commenta concisamente momenti di ingiustizia, sfumature di violenza e questioni di disuguaglianza. Il suo lavoro è diventato più popolare negli anni Settanta, ma Rosler è attiva come sempre. Senza dubbio realizzerà opere che riguardano il clima politico americano attuale.
Felix Gonzalez-Torres, “Senza titolo”, 1991. Cartellone. Veduta dell'installazione del progetto Billboard di Felix Gonzalez-Torres.
Felix Gonzalez-Torres
Artista concettuale cubano-americano
Felix Gonzales-Torres è stato un importante artista concettuale che ha affrontato questioni sociali e politiche attraverso il minimalismo. Ha utilizzato un'ampia gamma di materiali per esprimere le sue premesse visive concettuali, utilizzando pile di carta, caramelle, luci a filo e puzzle. Come uomo gay che viveva a New York negli anni '80, ha realizzato molte opere che commentavano in modo compassionevole la proliferazione dell'AIDS nella sua comunità. Il suo lavoro utilizzava approcci sottili, concisi e potenti per discutere della mortalità e della natura fugace della vita. L'opera qui sopra, Senza titolo (1991), raffigura l'immagine di un letto vuoto. Quest'opera, nella più elegante semplicità, parla della perdita di un amante e di come la morte ci circondi nei luoghi di tutti i giorni dopo la perdita. Il suo lavoro ha spesso questa capacità di usare materiali e allusioni quotidiane e di creare un profondo effetto emotivo.
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