Il professionista creativo di oggi è un vero e proprio fuoriclasse multidisciplinare. Non solo deve possedere competenze eccellenti nel proprio settore di specializzazione — illustrazione, copywriting, grafica e l’elenco potrebbe continuare — ma deve anche avere le capacità necessarie per compiere il salto dall’aula al mondo del lavoro. Ci vogliono acume imprenditoriale, competenze amministrative e un ampio ventaglio di “soft skill” anche solo per conquistarsi un posto in un panorama sempre più affollato e competitivo.
Abbiamo intervistato cinque professionisti del settore creativo dell’OCAD University, la terza più grande tra le 40 università specializzate in arte e design del Nord America, per discutere di come il loro ateneo stia rispondendo alle esigenze imposte da un mercato in continua evoluzione. Oggi più che mai esiste un panorama mediatico aperto ed entusiasmante in cui i creativi possono esercitare la propria professione. Le scuole d’arte stanno ancora preparando gli studenti a cogliere queste opportunità, o sono in ritardo rispetto alle esigenze dei tempi?
Geoff Snack
Geoff Snack, docente e direttore della strategia
Ho notato una tendenza verso le applicazioni commerciali e la formazione professionale nell'ambito dell'educazione artistica, sia dal punto di vista dell'offerta formativa che delle motivazioni degli studenti, in particolare nel campo dei media digitali.
Ho sentito opinioni contrastanti al riguardo. Alcuni ritengono che ciò sia negativo e che un’istituzione artistica debba concentrarsi esclusivamente sulla formazione degli studenti in materia di teoria, storia e tecnica. Non sono d’accordo. Acquisire competenze che vanno oltre la teoria, la storia e la tecnica è fondamentale per comprendere come tali competenze possano essere applicate. Con la recente popolarità dei contenuti brandizzati e il crescente coinvolgimento dei marchi nel mondo dell’arte, oggi esistono percorsi più accessibili per l’applicazione commerciale delle competenze acquisite alla scuola d’arte.
Ciò che manca sono le competenze secondarie e “trasversali” necessarie affinché un individuo possa affermarsi in un ambiente lavorativo e portare avanti un’attività da libero professionista. In altre parole, le scuole devono fornire maggiori competenze per consentire alle persone di passare dal lavoro creativo alla leadership creativa. Per leadership creativa intendo coloro che sono in grado di generare idee, elaborare strategie e guidare un team nella produzione di idee e lavori creativi.
Sembra che oggi ci siano più studenti interessati alla generalizzazione piuttosto che alla specializzazione rispetto a cinque anni fa: si tratta di una risposta diretta ai cambiamenti del mercato e alle nuove modalità di consumo dei media. I marchi devono ora creare contenuti visivi accattivanti, pertinenti e distintivi. Man mano che il mercato cambia e i contenuti unici diventano sempre più essenziali, crescono le opportunità per i creativi di mettere a frutto le proprie competenze per guidare la produzione di contenuti. Ciò alimenta la domanda di creativi multidisciplinari e generalisti. Gli istituti devono rispondere a questo cambiamento e offrire agli studenti l’opportunità di acquisire un insieme di competenze più diversificato, in linea con le esigenze del mercato attuale.
Ariel Riske
Ariel Riske, copywriter
Avendo recentemente conseguito la laurea presso il corso di Design Publicitario dell’OCAD, ho avuto modo di riflettere sulla struttura del percorso di studi e su come mi auguro che possa evolversi. Naturalmente è necessario possedere una preparazione in storia dell’arte e competenze di base in diversi ambiti, ma l’eccessiva generalizzazione delle competenze mi ha lasciato insoddisfatta. La possibilità di interagire con una varietà di discipline porta alla formazione di creativi a tutto tondo, ma attualmente il programma di studi non è abbastanza flessibile da consentire una specializzazione. Ad esempio, nei miei quattro anni come aspirante copywriter, ho potuto seguire solo due corsi pratici di copywriting e non sono mai riuscita a ottenere un posto nei corsi di scrittura creativa di cultura generale.
Oltre alla struttura del programma di studi, c’era anche una forte enfasi sulla teoria piuttosto che sulla pratica; abbiamo imparato a pensare, ma non a mettere in pratica. Tutte le nostre competenze su Adobe ci sono state insegnate tramite tutorial su YouTube, non in aula, quindi solo chi lo desiderava davvero è riuscito a perfezionare le proprie abilità. Il percorso che ho scelto prevedeva che, durante l’ultimo anno, creassimo le nostre agenzie pubblicitarie, assumendo ruoli quali art director, copywriter, strateghi e grafici.
Avere professori disposti a mettere in gioco le proprie conoscenze per noi e a essere disponibili giorno e notte per offrirci un sostegno morale incondizionato è stata sicuramente la parte migliore della mia esperienza all’OCAD. Da questi professionisti ho imparato a cogliere intuizioni autentiche e a realizzare lavori significativi, oltre che a promuovere me stessa.
Rebecca Ladds, artista figurativa
Uno degli aspetti più vantaggiosi della mia esperienza all’OCADU è stata la varietà di risorse accessibili in molteplici aree di studio. Muovermi liberamente tra gli studi di incisione, pur essendo ben accolta anche nei laboratori di falegnameria e in quelli di lavorazione dei metalli e di fabbricazione, è stato fondamentale per imparare a conoscere nuovi materiali e integrarli nella mia pratica artistica. In questo modo, ho potuto specializzarmi in incisione e fare riferimento ai fondamenti di questa tecnica senza però esserne limitato nella mia tesi (il che, tra l’altro, è stato molto divertente).
Questo approccio multidisciplinare è stato incoraggiato in alcuni progetti per promuovere modi alternativi di pensare ai materiali, il che porta poi a un’ulteriore riflessione su come tali esperimenti possano influenzare le basi concettuali di un’opera d’arte. Per me questo è stato un modo produttivo di imparare; era molto pratico e ha stimolato il mio interesse verso un numero sempre maggiore di argomenti di studio. Credo che questo approccio dovrebbe essere maggiormente integrato nella strutturazione dei corsi opzionali (sia per gli studi artistici che per le discipline umanistiche) e che ci dovrebbe essere una maggiore interazione tra i diversi indirizzi di studio, specialmente negli ultimi anni dedicati agli studi artistici e alla tesi. Ho l’impressione che l’organizzazione delle scuole d’arte sia diventata sempre più segmentata e specializzata, dove, come studente, si viene raggruppati con altri che lavorano con materiali simili, ma non necessariamente con idee simili. Ho scoperto che le critiche e le discussioni migliori provenivano da coloro che lavoravano con mezzi significativamente diversi da quelli che avevo scelto io.
Sebbene il supporto visivo e tecnico offerto dall’OCADU sia stato eccellente, ritengo che occorra porre maggiore enfasi e fornire una guida più approfondita sugli aspetti imprenditoriali e commerciali della professione creativa. Da neolaureato, la mia esperienza da allora è stata incentrata sull’apprendimento degli aspetti relativi al networking e alla gestione amministrativa della professione artistica, competenze che sono importanti tanto quanto la creazione delle opere ma che non trovano riscontro in nessun programma di studi che ho seguito. Inoltre, come dimostrato da molti artisti professionisti, un titolo di studio post-secondario non è assolutamente necessario per avere successo come artista.
Sandy Kedey
Sandy Kedey, docente e responsabile del dipartimento di Pubblicità
Al giorno d’oggi quasi tutti cercano un lavoro. Vogliono risultati, e lo stesso vale per i datori di lavoro. Risultati immediati: non c’è tempo per la formazione o per i tirocini. Infatti, un dodicenne oggi sa come “promuovere il proprio marchio” e differenziare il proprio profilo e la propria presenza digitale tanto quanto un ventunenne medio.
Il modo in cui raggiungiamo, entriamo in contatto e comunichiamo in tutto il mondo è ormai determinato dal linguaggio visivo — sia esso simbolico, espressivo, metaforico, narrativo o di altro tipo. La pervasività del contesto visivo sta crescendo a passi da gigante. Nel 2014, tutte le principali agenzie pubblicitarie hanno registrato una crescita compresa tra l’1 e il 6,51 TP7T, come riportato da Omnicom, e le previsioni per il 2015 sono ancora più rosee; si tratta di un dato che riflette la realtà dei fatti.
Hai bisogno di una “scuola d’arte”? Noi pensiamo di sì. La mente curiosa, artistica e creativa tende a esplorare, ma a volte questo processo diventa stantio, stereotipato e prevedibile. Una scuola d’arte dovrebbe stimolarti, permetterti di scoprire e ispirarti. E le scuole di arte e design ti spingono ancora di più, favorendo il pensiero critico nel design, l’innovazione e l’esplorazione. La sfida spesso consiste nel stare al passo con le tecnologie e nel definire con precisione quali soluzioni e narrazioni saranno appropriate e quali no, ma l’esposizione a queste realtà, e ancor più la capacità di affinare la propria arte, conferiscono valore al processo. Noi accettiamo sia il fallimento che il successo — le aziende e le gallerie non sempre lo fanno. Devi imparare prima di poter infrangere le regole.
Ann Urban
Ann Urban, insegnante e direttrice creativa
Ricordo quando insegnavo direzione artistica pubblicitaria all’OCAD — prima che aggiungessero la “D” e la “U”. All’epoca, tutto quello che dovevi fare nel corso di pubblicità era ideare qualche buon concetto per la carta stampata e la TV, realizzare qualche layout e avresti trovato lavoro. Oggi, nello stesso corso di pubblicità, bisogna ancora ideare concetti e bozzetti, ma ora a dozzine. Oltre a padroneggiare gli approcci tradizionali di marketing, è necessario anche creare sofisticate campagne di cultura convergente e transmediali su ogni mezzo immaginabile.
Ci si aspetta che tu ti occupi della strategia della campagna, della selezione e pianificazione dei media, della definizione del budget, del posizionamento e della redazione dei testi, oltre a saper utilizzare con competenza i più recenti programmi di grafica per i media temporali, la carta stampata e il digitale. La comprensione del panorama digitale in termini di marketing, creatività e aspetti tecnici è un requisito imprescindibile. Come se non bastasse, oggi i direttori creativi cercano collaboratori, narratori e ottimi presentatori dotati di numerose competenze trasversali.
Si sente ripetere continuamente che i tagli alle agenzie significano la fine delle “ruotine di sicurezza”: gli studenti devono laurearsi pronti a passare dall’aula alla sala riunioni, con un corredo completo di competenze specialistiche in diverse discipline. Una formazione artistica formale non è mai stata così importante come oggi: non basta “improvvisare”. Oggi, molti giovani laureati con credenziali impressionanti competono ferocemente con numerosi candidati per un tirocinio non retribuito. I “fortunati” ottengono un tirocinio gratuito dopo l’altro. Qualcuno sta creando tutti quei loghi $5 su fiverr.com.
C’è un lato positivo? Certamente. Le persone creative non hanno mai avuto tanta libertà di azione per realizzare opere divertenti e di grande impatto. Le vecchie regole hanno lasciato il posto alle opportunità artistiche offerte dai nuovi media, limitate solo dalla propria immaginazione e dalle proprie capacità. Le esigenze multidisciplinari offrono una gamma più ampia di ambiti stimolanti in cui una mente creativa e fertile possa esprimersi.
