A metà degli anni ’80, quando lo skateboard non era ancora il fenomeno di massa che sarebbe presto diventato, Tobin Yelland prese una macchina fotografica che sua madre aveva in giro per casa e iniziò a fotografare i suoi amici. All’epoca non c’era molta concorrenza tra i fotografi di skateboard e Yelland riuscì a far pubblicare un paio di foto all’età di 15 anni. Questo gli fruttò un incredibile $100 e la prospettiva di un futuro dedicato a ciò che amava.
“È stato tipo: ‘Wow, Dio mio, un attimo, $100. Questo potrebbe diventare un lavoro’”, racconta Yelland al telefono dalla cucina dello studio d’arte di un suo amico a Los Angeles. “Da quel momento in poi, ho voluto diventare un fotografo. Ho pensato che sarebbe stato un modo fantastico di guadagnarmi da vivere”.”
Come molti fotografi, Yelland era affascinato dalle potenzialità della macchina fotografica: l’idea che, almeno finché non si acquisiscono le conoscenze necessarie, immortalare fisicamente un ricordo sembrasse quasi una magia. Insieme al suo entusiasmo per la sfida scientifica di capire esattamente come ottenere un’esposizione o una stampa perfetta, è una sensazione che lo accompagna ancora oggi, a distanza di decenni.
“Credo che all’inizio la mia spinta iniziale fosse semplicemente quella di guardare una macchina fotografica e cercare di capirne il funzionamento. Mi chiedevo: ‘A cosa serve questo?’. Era magico stare nella camera oscura a sviluppare una foto, vedendo un foglio di carta bianco trasformarsi in un’immagine, aspettando che quell’immagine apparisse. È una storia un po” banale, ma mi sembra ancora una magia».”
Mi sembra ancora una magia.
Da lì, diventare un fotografo professionista non era un’idea poi così folle: una stanza in un appartamento, all’epoca, a San Francisco costava circa $300, e Yelland pensò che, se fosse riuscito a far pubblicare i suoi lavori altre cinque volte circa, avrebbe coperto le sue spese mensili. Decise di non andare all’università e di dedicare tutte le sue energie allo skateboard e alla fotografia di skateboard. Prima che questa attività gli garantisse un sostentamento completo, faceva la stessa cosa la maggior parte degli artisti cioè trovare lavori che gli permettessero di pagare le bollette. Ha fatto l’assistente elettricista, ha svolto lavori edili, ha consegnato verdura ai ristoranti: qualsiasi cosa che gli consentisse di tirare avanti, lavori che poteva intraprendere e lasciare a piacimento, a seconda delle necessità.
“Fotografavo ogni giorno”, ha detto Yelland. “Era quello che facevo. Era una questione di ‘tutto o niente’, perché non volevo tornare a lavorare nell’edilizia. Era un po‘ come dire: ’Mi dedicherò a questo 24 ore su 24, 7 giorni su 7, e diventerò un fotografo”. Mia madre era un’artista, quindi a volte la fotografavo mentre lavorava alle sue opere, oppure venivo ingaggiato per diversi lavori nel campo dell’arte. Alcune band mi chiedevano di fotografarle e mi pagavano un po’, oppure le mie foto venivano pubblicate su diverse testate a San Francisco. Poi ho avuto l’opportunità di realizzare foto di scena per film e locandine cinematografiche, qualche lavoro di moda e pubblicità. Una cosa tira l’altra. Incontri un gruppo di persone su un progetto e poi rimani in contatto con loro, e puoi scambiarti idee e collaborare con altre persone. Diventa sempre più grande.”
Fotografavo ogni giorno. Era una situazione da ‘tutto o niente’, perché non volevo tornare a lavorare nell’edilizia.
Da quando ha iniziato con nient’altro che una macchina fotografica presa in prestito e qualche amico con cui andare in skateboard per la città, Yelland ha immortalato celebrità come Justin Bieber, Henry Rollins e Jason Lee. Ha lavorato per testate di ogni tipo, dal *New York Times* a Hypebeast, oltre a campagne pubblicitarie per marchi come Fender, Calvin Klein e Vans. Oltre a realizzare foto e locandine cinematografiche, da oltre due decenni espone le sue opere fotografiche e cinematografiche in luoghi come il Centro per le arti “Yerba Buena”, di Filadelfia Istituto per l'arte contemporanea, e Storditi e confusi’s Gallery di Londra. Una cosa è coltivare una passione e costruirsi un portfolio, ma ben altra è riuscire a trasformarlo in un mezzo di sostentamento. E Yelland ritiene che si tratti di un processo articolato in due fasi.
“Devi costruirti un portfolio di lavori e poi anche creare una rete di persone, amici e persone che la pensano come te”, afferma Yelland. “Ci vuole un po‘ di impegno, tipo: ’Ok, oggi è il 15 giugno e ho delle bollette da pagare il 1° luglio”. Quindi inizi semplicemente a fare telefonate, a mandare e-mail, a farti vedere in giro, ad andare alle feste, a conoscere gente nuova. Penso che questa sia una parte fondamentale: conoscere nuove persone, essere semplicemente socievole. Più ho fiducia in quello che faccio, più mi piace quello che faccio, più persone riesco a coinvolgere in quello che faccio, più opportunità mi si presentano.»
Quando riesco a scattare una bella fotografia, mi sembra quasi di aver rubato qualcosa, o di essermi appena messo dei soldi in tasca.
Aiuta avere un’estetica naturale come quella di Yelland. Nei suoi ritratti e nei servizi di lifestyle, i suoi soggetti appaiono sempre incredibilmente a proprio agio, e le sue fotografie di skateboard sembrano senza tempo, come se fossero state scattate da qualcuno che si trovava semplicemente nel posto giusto al momento giusto, senza alcuna messa in scena superflua o effetti speciali. Quest’ultimo aspetto è in parte dovuto al fatto che il ragazzo è un vero e proprio prodotto di quelle scene, ma anche alle fonti da cui traeva ispirazione. Fotografi come Craig Stecyk, che ha immortalato i ragazzi di Dogtown e degli Z-Boys, e Mörizen Föche, alias Mofo, sono entrambi grandi influenze. Entrambi hanno uno stile aggressivo e hanno cercato personaggi interessanti e pieni di energia, senza fronzoli. Yelland cerca di creare un’intensità simile nei suoi ritratti, il che conferisce ai suoi soggetti una dimensione multidimensionale.
“Mi sembra davvero di cercare di rubare un momento, come se volessi cavarmela con qualcosa nella mia fotografia. Non voglio sminuire nessuno con la foto che gli scatto, ma quando riesco a fare una bella foto mi sembra proprio di aver rubato qualcosa, o come se mi fossi appena messo dei soldi in tasca. Mi dico: ‘Wow! Ce l’ho fatta!’ E ce l’ho fatta per me stesso. C’è quella ricerca di quella bella sensazione che si prova quando si ottiene una foto fantastica. È sicuramente quello che sto cercando.”
Ai giovani fotografi che desiderano trovare il proprio stile naturale, Yelland offre alcuni consigli incredibilmente semplici ma molto efficaci. La prima parte non si discosta molto dai consigli impartiti dal collega fotografo Ryan McGinley durante il suo Discorso di laurea alla Parsons del 2014, in cui esortava gli studenti a “non competere”.”
“Cerca di dedicare la maggior parte del tuo tempo a fotografare ciò che vuoi fotografare proprio perché desideri farlo”, afferma Yelland. “Non perché sembra la cosa giusta da fare. Cerca anche di imparare dagli altri. Cerca dei mentori. Penso che le persone di maggior successo, o quelle che traggono più ispirazione, siano quelle che non hanno paura di bussare alla porta di qualcuno, fare una telefonata o mandare un’e-mail dicendo: ‘Ehi, mi piace molto il tuo lavoro, ti dispiace se ti offro il pranzo o un caffè e ti faccio qualche domanda?’ Impara dagli altri, scopri come gli altri fotografano e come gestiscono il mestiere di fotografo, e trova un modo per guadagnarti da vivere con questo lavoro, ma anche per sentirti creativamente appagato. È una specie di enigma.”
Molti creativi persone e scene sono nate dal mondo dello skateboard, che sembra attrarre persone che pensano fuori dagli schemi, come Ed Templeton o Mark Gonzales. Potrebbe essere il connubio tra fisicità e arte che caratterizza questo sport — quando guardi “The Gonz” pattina al ritmo di “Traneing In” di John Coltrane”, è qualcosa di così lontano dalla percezione comune di cosa sia lo skateboard. È fluido, naturale e divertente, e sembra meno un’impresa e più semplicemente un ragazzo che ha trovato un modo facile per spostarsi. Inoltre, come in ogni attività creativa, l’unico modo per perseverare è abituarsi a fallire più e più volte, senza mai sapere con certezza se dai propri tentativi di realizzare una manovra o un’idea nascerà effettivamente un risultato. Gli skater sono abituati a cadere e a rialzarsi. Questo è un vantaggio intrinseco per un artista. Ed è qualcosa a cui Tobin Yelland è abituato.
“Il più delle volte si finisce per cadere”, dice Yelland. “Alcuni riescono a portare a termine ogni trick, o quasi. Ma la maggior parte delle persone che vedo andare sullo skateboard ci provano, cadono e si fanno male sul serio più e più volte, per poi riuscirci una volta sola. E poi magari i loro amici hanno scattato una foto o girato un video, o forse no. Ma quando ci riesci una volta pensi: ‘Wow! Ce l’ho fatta’. È questa la ricompensa. Va bene fallire, e il fallimento fa parte del gioco. Se non fallisci, significa che non ci stai provando davvero.”
Scopri di più su La fotografia di Tobin Yelland al suo portafoglio, costruito utilizzando Format.
