La cinematografia è una parte essenziale del cinema. Si tratta di immagini creative che rafforzano la narrazione e offrono al pubblico un'esperienza emotiva. Non è tanto importante l'attrezzatura che si usa quanto il modo in cui la si usa, ma questo aspetto viene spesso trascurato dai registi contemporanei.
La direttrice della fotografia di Los Angeles Alicia Robbins (L'invito a nozze, L'alba del pianeta delle scimmie) spiega, Nell'era digitale, chiunque può acquistare e possedere la propria telecamera. Ai produttori e ai registi viene fatto credere che se non girano con l'Arri Alexa, il loro film non è un film. Quand'è che l'attenzione di produttori e registi si è spostata dalla ricerca di un direttore della fotografia che capisca bene la storia, l'illuminazione e la composizione?“.’
I registi sono altrettanto narratori di storie come direttori-La differenza è che loro dirigono le immagini invece degli attori. “Raccontiamo storie emotive con le immagini; non si tratta solo di fare belle foto. Credo che questo sia un grosso equivoco. La gente pensa: ‘È una buona fotografia perché è bella’”, ha detto Rodrigo Prieto durante la stagione dei premi di quest'anno. The Hollywood Reporter tavola rotonda dei direttori della fotografia. Prieto ha ricevuto una nomination all'Oscar per il suo lavoro nel film di Martin Scorsese Il silenzio, ed è stato anche il direttore della fotografia di Il lupo di Wall Street, 8 Miglia, e Brokeback Mountain.
A questo sentimento hanno fatto eco gli altri direttori della fotografia che hanno partecipato all'evento. THR tra cui il candidato all'Oscar Caleb Deschanel (La passione di Cristo). “Più che uscire e riprendere una bella alba o un'immagine incredibile, alcune cose che riprendo e che non sono molto interessanti incarnano una certa emozione che è davvero potente nel contesto del film”, ha detto.
La serie di tavole rotonde sugli Oscar di THR con Rodrigo Prieto (‘Silence’, ‘Passengers’), Linus Sandgren (‘La La Land’), John Toll (‘Billy Lynn's Long Halftime Walk’), Charlotte Bruus Christensen (‘Fences’, ‘La ragazza del treno’), Bradford Young (‘Arrival’) e Caleb Deschanel (‘Rules Don't Apply’).
Per creare immagini che esaltino e sottolineino una narrazione, i direttori della fotografia devono comprendere e modulare il movimento della macchina da presa, il posizionamento della stessa, la composizione, la messa a fuoco e, soprattutto, l'aspetto più importante, illuminazione. La luce è il principale strumento di ripresa che distingue l'home video dal cinema professionale. In primo luogo, le persone e i luoghi non appaiono come li percepiscono i nostri occhi una volta catturati da una telecamera, e quindi è compito del direttore della fotografia usare un'illuminazione precisa per creare realismo. Ma soprattutto, i direttori della fotografia usano l'illuminazione come indicatore dell'umore e delle emozioni non verbali di un film. Un buon direttore della fotografia si occupa dell'ethos di una scena nel contesto di un arco narrativo e usa la luce per sottolineare le sottigliezze e i sottotesti emotivi della trama.
In realtà, l'aspetto “professionale” ricercato dai registi emergenti è in gran parte costituito da elementi di base dell'acquisizione dell'immagine che sono presenti in qualsiasi film professionale e hanno poco a che fare con le scelte artistiche dei direttori della fotografia. Queste specifiche tecniche sono supervisionate da un tecnico dell'immagine digitale che si assicura che l'attrezzatura sia personalizzata per catturare la visione creativa del cineasta.
Queste specifiche interne alla telecamera includono la risoluzione, determinata dal numero di fotositi presenti nel sensore della telecamera, il campionamento del colore, ovvero la dinamica tra luminosità e colore all'interno delle riprese, e l'otturatore, che determina il modo in cui la telecamera cattura il movimento. Nessuno di questi elementi è in grado di influenzare in modo significativo la qualità dell'immagine da solo, ma deve essere impiegato all'unisono per ottenere la migliore resa della luce, della posizione e del movimento che il direttore della fotografia ha scelto per una determinata ripresa. Il vero lavoro di un direttore della fotografia è quello di rendere le immagini al servizio della storia, non di farle apparire professionali.
Le riprese di Tangerine dietro le quinte via
Il film del 2015 Mandarino, girato con un iPhone 5S, è un ottimo esempio di film che utilizza una fotografia ricca di sfumature per rappresentare visceralmente l'esperienza dei suoi personaggi. Il regista Sean Baker e il suo collaboratore Radium Cheung, che hanno condiviso il merito della fotografia del film, hanno scelto di girare con uno specifico adattatore per lenti anamorfiche che ha permesso all'iPhone di catturare un'immagine più ampia del 30% rispetto al solito (2.4:1 invece di 16:9).
Mandarino Il film segue due lavoratrici transgender del sesso nella loro missione di un giorno per trovare una donna per le strade di Los Angeles, e la maggior parte del film le ritrae mentre camminano lungo i marciapiedi, aspettano gli autobus e arrivano in diversi luoghi. Le riprese effettuate con un adattatore grandangolare accentuano il cemento piatto e tentacolare caratteristico di Los Angeles, permettendo a lunghe strisce di marciapiedi e vetrine di formare linee parallele che fanno sentire lo spettatore al livello della strada.
Inoltre, molte scene in Mandarino sono state girate al crepuscolo con un'alta saturazione dei colori, dando al film un'estetica da “tramonto”. Questo tono visivo di transizione da un'ora del giorno all'altra ci fa sentire lo slancio della ricerca dei personaggi. È questo tipo di decisioni cinematografiche che capitalizzano davvero ciò che il cinema ha da offrire.
Un fattore che può essere in parte responsabile delle idee sbagliate su ciò che comporta una fotografia efficace è la frequente mancanza di attenzione al reparto da parte dei premi. I film che vengono premiati dagli Oscar e dai Golden Globe non mostrano spesso risultati audaci e ricchi di sfumature nell'illuminazione e nella narrazione estetica.
Prendiamo il vincitore del premio Oscar 2016 come miglior film, Riflettore, incentrato su una storia interessante e importante ma caratterizzato da uno stile visivo scialbo e poco ispirato. Riflettore impiega in larga misura un'illuminazione fluorescente da ufficio e inquadrature generiche che fanno ricadere tutto il peso del coinvolgimento profondo sulle parole pronunciate dagli attori. A ciò si aggiunge il suo grigiore piatto sfumatura del colore e Riflettore è un esempio di film pluripremiato con una trama forte, una regia forte e una recitazione forte che ha ottenuto riconoscimenti nonostante la mancanza di sostanza in uno dei settori più cruciali del cinema.
Solo un numero molto limitato di film premiati dall'Academy sono riconosciuti anche dall'American Society of Cinematographers - una corporazione considerata l'autorità in materia di risultati nelle arti cinematografiche - o vincono l'Oscar per la migliore fotografia. Negli ultimi 19 anni, solo tre film premiati con l'Oscar al miglior film hanno ricevuto anche il premio ASC per la fotografia o l'Oscar alla fotografia: Birdman, Millionaire, e American Beauty. Il fatto che La La Land si è aggiudicato il premio Oscar 2017 per la fotografia rispetto a Chiaro di luna, Il silenzio, e Manchester vicino al mare è un ulteriore indicatore del fatto che, in linea di massima, l'Academy premia i film che presentano stili visivi più superficiali piuttosto che una cinematografia complessa e ricca di sfumature. Data la popolarità degli Oscar e di altre manifestazioni di premiazione, questo fenomeno potrebbe contribuire a spiegare una generale sottovalutazione del potenziale della cinematografia come forma d'arte.
Le esperienze cinematografiche valide, penetranti e coinvolgenti si basano su molte sfumature che coincidono per creare un film che è più della somma delle sue parti. Sebbene la fotografia possa sembrare insignificante a prima vista, è importante per creare film che siano esperienze emotive e informative.
Come ha detto Deschanel: “Puoi guardare i tuoi giornalieri e pensare che non sia molto interessante. Ma sai che quando viene inserito nel contesto dell'intero film avrà una certa forza emotiva che è importante per raccontare la storia”.”
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Servizio aggiuntivo di Benjamin Tersigni
