Fotografia artistica: una guida per trovare la propria prospettiva

Il confine tra la creazione artistica e un lavoro retribuito può spesso sembrare sottile, se non addirittura inesistente. Un giorno stai realizzando uno scatto pubblicitario; quello dopo, stai cercando di capire come creare qualcosa che ti sembri davvero tuo. Se lavori come fotografo da un po’ e senti il desiderio di qualcosa di nuovo, forse stai cercando un modo per tornare al cuore di ciò che fai. Una volta ho lavorato per una pasticcera di grande talento in un bar, e lei mi ha confidato che, pur essendo in grado di preparare torte, crostate e muffin straordinari, ciò che le piaceva davvero preparare per sé era la torta salata. Non abbiamo mai venduto la torta salata. Era qualcosa che teneva per sé.

È proprio questo il bello della fotografia d’arte. È un ambito in cui è possibile stabilire le proprie regole e utilizzare il proprio mezzo espressivo per dare voce a un processo e a un bisogno interiori e psicologici. È un atto di espressione, non solo di documentazione.

Che tu sia alle prime armi con questo concetto o che stia cercando un modo per ritrovare la tua motivazione interiore, questa guida ti aiuterà a riformulare il tuo modo di pensare e a cambiare il tuo approccio alla fotografia artistica.

Che cos'è la fotografia d'autore?

È una domanda apparentemente semplice, posta qui per motivi di SEO: vi stimo troppo per fingere il contrario. Nonostante la difficoltà di dare una risposta definitiva – non esiste infatti una definizione universalmente accettata – credo che la particolarità della fotografia d’arte risieda meno nell’aspetto finale e più nell’intento iniziale.

La fotografia artistica nasce da una visione interiore

A differenza della fotografia commerciale o del fotogiornalismo, la fotografia d’arte nasce da una visione interiore. Non si tratta di documentare il mondo così com’è, ma di utilizzare questo mezzo come veicolo per esprimere un concetto, un’emozione o un’idea immateriale. L’immagine finale, anche se ritrae qualcosa del mondo reale, finisce per rappresentare la tua prospettiva personale, il tuo pensiero o persino uno spaccato del tuo mondo onirico.

Un'attenzione particolare al significato e alle emozioni

La fotografia artistica ti permette di infrangere le regole e di sperimentare, senza essere vincolato da limiti pratici – soprattutto se si considerano le potenzialità del collage e della manipolazione fotografica. Forse la tua immagine è completamente sfocata (Uta Barth (non sarei d’accordo), oppure la composizione è “completamente sbagliata”. Non si tratta di errori tecnici, bensì di scelte che contribuiscono all’impatto emotivo dell’opera. L’obiettivo principale non è dimostrare abilità tecnica, ma trasmettere un’idea, un’emozione o un messaggio. Tutti elementi intrinsecamente imperfetti, disordinati e particolari.

Le fotografie d’arte possono essere accuratamente messe in scena e composte con cura e intenzionalità, tenendo conto di ogni elemento – dal soggetto alla luce, fino alla tavolozza dei colori –, ma questo non è l’unico approccio possibile. Le immagini d’arte possono anche essere istantanee spontanee che catturano qualcosa della propria esperienza di vita. Pensate ad artisti come Nan Goldin e Wolfgang Tilmans, che documentano le loro vite: non sempre con un’esposizione o una composizione perfette, ma la forza delle loro immagini risiede nel contenuto e nel peso emotivo che trasmettono. Se concettualizzare e orchestrare le immagini non fa per voi, forse siete persone che lavorano in modo istintivo e inconscio, e questo è del tutto legittimo.

L'approccio migliore per i fotografi che si trovano più a proprio agio con questo modo di lavorare è quello di tenere sempre la fotocamera a portata di mano e immortalare tutto ciò che li colpisce. Considerate l'arte fotografica come un processo in due fasi: prima l'istinto, poi l'equilibrio artistico si raggiungerà in fase di post-produzione. 

Il modo migliore per comprendere la fotografia d'arte è osservarla nella pratica. Dai un'occhiata ai lavori di altri artisti per farti un'idea di come interpretano il mondo. Visita una mostra nelle gallerie o nei musei della tua zona, dai un'occhiata agli incredibili portfolio di altri fotografi

Famosi fotografi d’arte

Zanele Muholi: Ritrattistica concettuale, attivismo

Awoiska van der Molen: Paesaggi astratti

Nan Goldin: Istantanee molto personali tratte dalla vita quotidiana.

Gillian Wearing: Fotografia concettuale, performance

Wolfgang Tilmans: Dagli scatti personali all'astrazione

Thomas Ruff: Concettuale, esplora la fotografia come mezzo espressivo

Sophie Calle: racconti personali, opere di finzione. Fotografia e testo.

Cindy Sherman: Ritrattistica concettuale, performance

Trovare l’ispirazione: un percorso per scoprire la propria voce

Trovare la propria voce (per così dire) può sembrare un compito arduo. Qual è la tua storia? Cosa vuoi dire? A volte, la cosa migliore da fare è proprio smettila di sforzarti così tanto. Molte opere d'arte straordinarie nascono proprio quando non le si cerca.

Fai una pausa e ricomincia da capo

Se ti senti bloccato, allontanati dalla fotocamera e dal computer. Esci dal tuo ambiente abituale. Fai una passeggiata senza una meta precisa: gran parte del mio lavoro è nato proprio dal percorrere migliaia di chilometri senza avere idea di cosa volessi fotografare, limitandomi a immortalare ciò che attirava la mia attenzione.
Leggi un libro che non ha assolutamente nulla a che vedere con il tuo lavoro o con la tua arte. Guarda un film che metta alla prova le tue percezioni o ti porti in uno stato d’animo che sai funzionare per te (lo stato di flusso!). L’ispirazione spesso arriva quando non la stai cercando attivamente. Uscire dalla tua mente – dove risiedono i dubbi e le insicurezze – ed entrare nel mondo reale può darti quella spinta creativa di cui hai bisogno.

Guardate il mondo, non solo l'arte

Sebbene per sviluppare l’alfabetizzazione visiva sia importante osservare il lavoro di altri artisti e trovare voci che ti tocchino nel profondo, non lasciare che i loro stili o le tendenze estetiche del momento determinino il tuo. Utilizza invece le loro opere per capire come vedono il mondo. Quindi, applica quella stessa intenzionalità alla tua vita e alle tue esperienze. Qual è una storia personale che potresti raccontare? Qual è un’esperienza che hai vissuto e che potresti tradurre in un linguaggio visivo?

Una visione personale davvero autentica sarà sempre più avvincente di una semplice imitazione di uno stile popolare.

Suggerimenti su cosa guardare e leggere

Per darti una mano, ecco alcune risorse che possono aiutarti a superare un blocco creativo:

• 5 libri che ogni artista dovrebbe leggere
• Watch Party: film imperdibili per i fotografi
• 20 fotografi di belle arti che stanno ridefinendo il mezzo fotografico

Il kit del fotografo: attrezzatura e approccio

C'è un malinteso secondo cui per creare arte occorra l'attrezzatura più recente e più apprezzata.

Non serve davvero molto

L’unica attrezzatura indispensabile è la tua macchina fotografica e il tuo occhio. In un mondo in cui la tecnologia è in continua evoluzione, molti fotografi d’arte scelgono di scattare su pellicola – 35 mm, medio formato o istantanea – o persino con vecchie fotocamere digitali o i propri telefoni. Non si tratta di un rifiuto del progresso, ma di una scelta consapevole di concentrarsi sul processo e sulla visione piuttosto che sulle specifiche tecniche.

Molte delle funzioni automatiche delle fotocamere moderne possono ostacolare il tuo processo creativo. Scattando in modalità manuale, ti costringi a prendere ogni decisione, dalla messa a fuoco all’esposizione, e ad assumere il pieno controllo creativo delle tue immagini; al contrario, per evitare di perdere tempo con le impostazioni, puoi passare alla modalità automatica o utilizzare fotocamere con impostazioni limitate (Polaroid/Instax, fotocamere giocattolo con pellicola 120).

Il tuo accessorio più prezioso

Se c’è un accessorio su cui vale la pena investire oltre alla fotocamera, è proprio il treppiede. Ti permette di sperimentare con le esposizioni lunghe, le composizioni precise e l’autoscatto, se sei una tipa alla Cindy Sherman e vuoi mettere in scena le tue idee. È perfetto anche per le tecniche che richiedono una mano ferma.*

Ti offre la libertà di rallentare e creare con uno scopo preciso.

*Dato che ho le mani tremolanti, adoro il mio treppiede Manfrotto.

Alla scoperta dei generi della fotografia artistica

Passiamo ora ad alcuni esempi di genere per darvi un’idea di dove potete applicare il vostro approccio. Ricordate, questi sono solo punti di partenza: sentitevi liberi di adattare, infrangere e fondere le regole.

Fotografia di ritratto d'autore

Le regole tradizionali della ritrattistica sono ormai superate. Il volto del soggetto non deve necessariamente essere visibile. L’identità non è l’elemento centrale; lo sono invece le sue emozioni o il suo ruolo nella narrazione. Tu sei il regista e il tuo modello è un collaboratore nel raccontare la tua storia.

Puoi provare a:

• Crea una moodboard: Gli ausili visivi possono aiutare il tuo modello a comprendere la tua idea. Non esitare a chiedergli di provare pose o espressioni insolite per incarnare l’emozione che stai cercando di trasmettere.
• Punta sulla semplicità: Scattare foto su uno sfondo semplice può costringerti a concentrarti sull’espressione del soggetto, sul suo linguaggio del corpo e sul modo in cui la luce interagisce con lui.
• Luogo dell'evento: Trova una location che arricchisca la narrazione della tua opera. Solo un avvertimento: fai attenzione ai cliché visivi come vicoli ricoperti di graffiti o spiagge isolate; con questo non voglio dire che non puoi usarli, ma assicurati che siano adatti alla tua idea.
• Scatta un autoritratto: Non hai un modello? Sei tu il soggetto perfetto e più a portata di mano. Un autoritratto può essere un modo avvincente per entrare in contatto con il tuo pubblico e con te stesso. Inoltre, il tuo lavoro è gratuito… beh, per te.

Fotografia artistica in bianco e nero

Il bianco e nero non è solo un filtro: è un modo diverso di vedere. Eliminando il colore, si pone tutta l’enfasi sugli elementi quali luce, ombra, texture e forma. Può conferire al tuo lavoro un’atmosfera senza tempo o drammatica.

Puoi provare a:

• Pensa in termini di tonalità: Quando sei fuori a scattare foto, non limitarti a cercare il colore. Cerca il contrasto. Osserva il mondo nelle sfumature di grigio.
• Scatta a colori, modifica in bianco e nero: Non utilizzare la modalità bianco e nero della tua fotocamera. Scatta invece a colori e converti l'immagine in fase di post-elaborazione. In questo modo avrai un maggiore controllo sulla manipolazione delle tonalità di colori specifici e potrai ottenere esattamente l'effetto che desideri.
• Dedica del tempo alle regolazioni: La fotografia è una questione di post-produzione (40-60%). Alcune delle scelte più artistiche vengono prese proprio in sala montaggio. Ovviamente puoi usare i preset, ma ti consiglio di sperimentare con alcuni strumenti più avanzati, come le regolazioni “Curve” e “Livelli” in Photoshop, per cambiare radicalmente l’atmosfera delle tue immagini.

Fotografia di paesaggio d'autore

Un paesaggio artistico non è solo una bella foto di un luogo. È un’interpretazione personale di quel luogo. Non ti limiti a osservare il mondo; lo interpreti e gli aggiungi una narrazione. Alcuni fattori contribuiscono già a questo: la tua distanza, la tua altezza, il punto in cui ti trovi può vai, dove tu non posso. Sperimenta con i fattori che puoi modificare.

Puoi provare a:

• Racconta una storia: Cerca elementi che possano aiutarti a creare una storia. Una volta ho trovato una tuta da neve abbandonata appesa a un albero e l’ho disposta come se fosse una persona. Là fuori ci sono cose strane e interessanti: vai a cercarle.
• Creare un look innaturale: Utilizza la post-produzione per creare atmosfere surreali o ultraterrene. Modifica i colori del cielo o degli alberi. Questo ti aiuta a trasformare l'immagine da una rappresentazione della realtà a un riflesso della tua immaginazione.

Sfrutta lo spazio negativo: Non aver paura dello spazio vuoto. Lo spazio negativo può attirare lo sguardo dell'osservatore su un unico soggetto e rendere più incisivo il significato della tua foto.

Fotografia concettuale d'arte

Si tratta sicuramente di un genere in cui è possibile fondere diversi approcci e persino allontanarsi dalla fotografia in senso stretto per avventurarsi nel mondo del collage, della manipolazione e delle tecniche miste.

• Inizia con un’idea chiara.
• Utilizza la location, i modelli, gli oggetti di scena, l’illuminazione e gli elementi del tuo quadro concettuale per creare la tua scena. 

Potrebbe essere necessario integrare alcuni elementi nella scena in fase di post-produzione – il che non significa necessariamente ricorrere all’IA generativa, vorrei chiarirlo. C’è ancora spazio per prendere tutti i tuoi componenti e unirli in post-produzione. Ricorda che, a meno di non disporre di una sovvenzione o di un ingente budget privato, alcune idee richiedono un po’ di intervento digitale per essere realizzate. 

Il percorso dell’artista: il business e oltre

Sappiamo bene che dedicarsi alla fotografia d’arte non sempre (o forse mai) permette di pagare le bollette, soprattutto all’inizio. È una passione e un modo per esprimersi che spesso richiede una fonte di reddito parallela per sostenersi.* Questo non sminuisce il valore della tua arte; la rende semplicemente un’attività sostenibile. 

Sostegno alla tua attività: sovvenzioni e finanziamenti

Non esitare a richiedere delle sovvenzioni. Sono state pensate proprio per aiutare gli artisti a fare ciò che sanno fare meglio: creare. Le organizzazioni riconoscono il valore che l’arte apporta alla società e vogliono aiutarti a realizzarla. La chiave per una candidatura di successo? Un portfolio solido che comunichi chiaramente la tua visione.

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Stabilire il prezzo delle proprie opere

Stabilire il prezzo delle opere d’arte è spesso più complesso che stabilire quello delle opere commerciali. Non sottovalutare il valore delle tue opere. È un disservizio sia nei confronti tuoi che della comunità artistica in generale. Tieni conto del tempo impiegato, dei materiali e dei costi di stampa, ma considera anche la tua esperienza e il valore della tua prospettiva e del tuo stile unici. Parlare con altri artisti e gallerie può aiutarti a comprendere il mercato in cui si inseriscono le tue opere.

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Come mettere in mostra la tua arte: portfolio e gallerie

Senti, lo so che lavoro qui e che dire questo fa letteralmente parte del mio lavoro, ma è anche vero: Il tuo portfolio online è la tua risorsa più importante.

Sono un fotografo d’arte e uno scrittore che opera principalmente online; il mio sito web, che funge da portfolio, è il luogo in cui trovo la massima libertà artistica e, poiché ho un lavoro creativo che amo e che mi permette di guadagnarmi da vivere, posso permettermi di dedicarmi a progetti non commerciali. Il mio sito web è tutto per me. È praticamente il mio studio digitale.

Per qualsiasi fotografo che desideri condividere o vendere i propri lavori, rimane fondamentale: è la tua galleria personale, di cui hai il controllo totale. A differenza dei social media, non devi lottare contro un algoritmo per farti notare. Puoi creare un sito web ottimizzato per i motori di ricerca che attiri verso di te potenziali clienti e curatori.

Che tu voglia vendere stampe direttamente o attirare l’attenzione di una galleria, un portafoglio professionale è fondamentale. Dimostra che prendi sul serio il tuo mestiere e offre al tuo lavoro una vetrina professionale. Un sito web ben progettato può fare la differenza, quindi assicurati di scegliere una piattaforma che ti permetta di personalizza il tuo sito senza sapere programmare. Riuscire a presentare il proprio lavoro in modo accattivante e senza sforzo ti consentirà di dedicare più tempo alla creazione.

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Avanti, mettetevi all’opera!

Fare arte è una delle attività più appaganti dal punto di vista emotivo e mentale che un professionista creativo possa intraprendere. Ti offre uno spazio in cui esplorare la tua voce personale, libero dai vincoli esterni imposti dai clienti o dai progetti commerciali.

Ora hai gli strumenti concettuali per iniziare. Il passo più importante è semplicemente quello di cominciare. Prendi la tua macchina fotografica, esci e inizia a creare qualcosa che rispecchi la tua personalità.

Se sei pronto a creare uno spazio professionale dedicato al tuo lavoro, puoi iniziare con un Prova gratuita di 14 giorni su Format.