Conhecida por seu trabalho como ativista e artista, Zoe Leonard nasceu em Nova York em 1961 e se tornou uma figura fundamental na comunidade artística da cidade. Ela trabalha com fotografia, objetos encontrados e escultura. Leonard foi membro da ACT UP, WAC, Gang e Fierce Pussy. Ela trabalhou para defender os pacientes com AIDS, os direitos das mulheres, a proteção das identidades negras e gays e uma infinidade de outras causas. Seu novo show Pesquisa, uma exposição de meio de carreira no Whitney Museum of Art, em cartaz até 10 de junho, conduz o espectador por sua gama diferenciada de estratégias que priorizam as qualidades humanas de um mundo urbanizado.
Trabalhando frequentemente com repetição, Leonard tem um olhar aguçado para reconhecer os materiais importantes que passam despercebidos. Ela costuma usar objetos esquecidos para discutir questões esquecidas. Um componente importante da prática de Leonard, que se baseia em fotografia, escultura e objetos encontrados, é o levantamento do mundo ao seu redor para localizar objetos e imagens para seu trabalho. Dessa forma, ela é principalmente uma colecionadora, uma poderosa reformuladora de imagens e artefatos. Leonard não está interessada em objetos apenas por sua estética formal, mas por seu resíduo cultural e capacidade metafórica.
Essa exposição no Whitney pede aos visitantes que considerem suas próprias vidas e experiências diárias por meio de um olhar alterado. A instalação Você vê que estou aqui, afinal de contas (2008), uma coleção de cartões postais das Cataratas do Niágara, representa uma série de linhas do tempo e experiências que se cruzam. Os cartões são artefatos de momentos pessoais, porém onipresentes. Reunindo os vestígios de um design nostálgico, Você vê que estou aqui, afinal de contas aponta para a mercantilização da memória e a semelhança de perspectivas. Por meio da repetição, o que antes era banal se torna um objeto poderoso que viaja no tempo. Nesse trabalho e em todo o PesquisaComo os objetos que Leonard apresenta ou fotografa têm uma qualidade mágica; como talismãs, eles funcionam para nos transportar para novas narrativas e várias linhas do tempo.
Em uma discussão de 2018 na Galeria Nacional de Arte de Série de palestras Diamonstein-SpielvogelEm seu livro, Leonard comparou seu trabalho ao de um escritor. Ela absorve o mundo, coleta partes dele e acumula elementos para editar, aprimorar e apresentar em datas posteriores relevantes. Esse é o ponto crucial do que torna seu trabalho tão poderoso e, ao mesmo tempo, marcado por uma sutileza considerada. Leonard está buscando diversificar as suposições sobre o que a arte pode e deve ser.
Árvore + cerca, 6th St. (close-up). 1998, impresso em 1999. Impressão em gelatina de prata sobre papel, 262 x 178 mm. Cortesia do artista e da Galerie Gisela Capitain, Colônia.
Ao ver uma cópia original do conhecido poema de Leonard Eu quero um presidente... é ao mesmo tempo emocionante e comovente, um destaque da exposição. Ela não estava na frente e no centro, mas foi emoldurada sob plexi, despretensiosa como todas as suas obras, acenando para que o espectador se aproximasse. As palavras que se desvanecem produzem um momento nitidamente privado e humano no espaço institucional do Whitney.
Eu quero um presidente... foi originalmente escrito para Eileen Myles, amiga de Leonard. Assim como Leonard, o trabalho de Myles como poeta e romancista também usa uma perspectiva realista e pedestre como base para entrelaçar grandes questões de gênero, raça e classe; Myles concorreu à presidência em 1992, um esforço que foi mais uma performance ativista do que um empreendimento sério. Eu quero um presidente... é particularmente ressonante agora, com o apelo de Leonard por um presidente que possa se relacionar com a experiência comum parecendo mais crucial do que nunca, considerando o estado atual do governo americano. Na esteira das eleições de 2016, Mykki Blanco ofereceu um interpretação contemporânea do poema que ajudou a apresentar Leonard a uma nova geração.
Caminhando pela exposição, fiquei impressionado com a tranquilidade inesperada da série de fotografias em preto e branco mais comumente intituladas como Árvore e cerca. Ao contrário de alguns dos trabalhos políticos mais ousados, essas fotografias são de combustão lenta e falam das atitudes mais poéticas de Leonard. Esse trabalho retrata árvores que cresceram através, entre ou se tornaram uma só com as cercas. Projetando-se através do metal que as restringe, essas árvores parecem assumir uma forma corporal, um senso de intenção quase humano. Com relação a esse trabalho, Leonard disse à Tate:
"O que eu sempre gostei na fotografia é que ela é uma maneira tão direta de mostrar o que está em minha mente. Eu vejo algo. Mostro isso a você. Quando voltei para Nova York, a árvore do lado de fora da minha janela atraiu minha atenção de uma maneira totalmente nova. Depois de fotografá-la, comecei a notar árvores semelhantes por toda a cidade... Fiquei impressionado com a maneira como essas árvores cresciam apesar de suas cercas, saindo delas ou absorvendo-as. As fotos da série de árvores sintetizam meus pensamentos sobre a luta. As pessoas não conseguem evitar a antropomorfização. Eu me identifico imediatamente com a árvore. Em um primeiro momento, essas fotos podem parecer imagens melancólicas de confinamento. Mas talvez elas também sejam imagens de resistência. E simbiose".
As árvores e cercas metamorfoseadas de Árvore e cerca dobrar, crescer, transformar, inchar, cruzar, cortar, mastigar e misturar. A maneira como Leonard personifica os objetos é fundamental para entender como ela registra um assunto. Gravado em um período de anos, nas décadas de 1990 e 2000, a natureza duradoura de Árvore e cerca aponta para o olhar em constante movimento de Leonard, sua coleção visual do mundo e a busca por subjetividades pouco vistas.
Carrinho de mão para TV, 2001, Impressão de transferência de tinta, 50,8 × 40,6 cm. Coleção da Biblioteca Pública de Nova York.
Além do Árvore e cerca série, Pesquisa incluem um grande número de fotografias de rua em formato pequeno que demonstram como Leonard captura as complexidades pouco exploradas da vida urbana. Ela examina e reapresenta situações físicas que são composicionalmente e coloridamente bonitas, mas também significativas em relação ao local em que ela dispara suas lentes. Não há nenhuma proeza técnica enfatizada nesses trabalhos. Mas seu trabalho fala constantemente sobre o processo da fotografia; isso é resumido por um trabalho que não foi incluído na Survey, a série Camera Obscura, na qual ela replica a estratégia histórica da câmera para tirar imagens do sol. No entanto, mesmo nas esculturas de Leonard, ela está falando sobre a tarefa da fotografia de manter a memória, apresentar provas e fazer referências. Não há distinção em seu trabalho que torne necessário separar a história da fotografia e sua natureza poética.
Há uma espécie de qualidade sem esforço nesses trabalhos fotográficos, mas eles fazem parte de uma coleção que levou anos para ser capturada. Como todo o trabalho de Leonard, essas imagens são o resultado de um levantamento constante do mundo, de suas perspectivas e de seus objetos. Podemos supor que isso inclua centenas de outras coleções que talvez ainda não tenham se concretizado ou talvez nunca se formem completamente. Conversando com Molly Prentiss para Revista InterviewLeonard descreve sua fotografia como "ligada a uma relação muito específica com o mundo material". Para Leonard, fotografar é "um ato de observação, mas não é um ato de registro objetivo".
Dessa forma, ela busca a atividade de seu trabalho com o meio da fotografia, mas com a perspectiva de uma escritora. Ela coleta experiências para depois empregá-las em um corpo de trabalho, uma narrativa que ela escreve através do mundo em imagens.
Uma das peças mais emocionalmente poderosas da exposição é Strange Fruit (1992-1997), intitulada em homenagem à assombrosa canção de Billie Holiday. Essa obra consiste em pedaços acumulados de cascas de frutas secas e de couro costuradas em diferentes configurações. Instaladas no chão, essas esculturas baseadas em resíduos lembram uma rua coberta de lixo orgânico ou até mesmo de corpos; Strange Fruit foi feita em reação à crise da AIDS dos anos 1980. Muitos dos trabalhos em Pesquisa são igualmente carregados de emoção. Por exemplo, duas imagens de janelas cobertas com gesso, ambas sem título. Essas obras fazem referência a monocromos fotográficos ou a esculturas de relevo raso em sua forma. Entretanto, em termos de conteúdo poético, elas ecoam o mesmo espírito de Strange Fruitevocando a perda residencial e o apagamento pessoal.
Pesquisa deixa claro que Leonard encontrou uma maneira de deixar o mundo falar por ela. É como se ela tivesse pegado giz e desenhado essas metáforas antropomorfizadas em situações encontradas. Uma parede rebocada representa a perda. Frutas secas mostram a decomposição do corpo. Uma árvore se torna um ser preso e contorcido. Não é a autoria dela que tem necessariamente valor, mas sim os detalhes e o significado de algo que já estava ao nosso lado - um nivelamento conceitual de tempo, classe e espaço. É a posição de Leonard que cria a obra, é realmente o que está em exibição. Sua repetição e seu ponto de vista giratório projetam, cortam e dissecam. O mais importante é que ela apresenta um enquadramento de material que, de outra forma, seria ignorado em um mundo de pedestres.
Parede vermelha, 2001/2003. Impressão de transferência de tinta, 75,4 x 52 cm. Coleção do artista. Cortesia da Galerie Gisela Capitain, Colônia, e Hauser & Wirth, Nova York.
Imagem da capa: Strange Fruit, 1992-97 (vista da instalação, Whitney Museum of American Art, Nova York). Cascas de laranja, banana, grapefruit, limão e abacate com linha, zíperes, botões, tendões, agulhas, plástico, arame, adesivos, tecido e cera de acabamento, dimensões variáveis. Coleção Philadelphia Museum of Art; adquirida com fundos contribuídos pela Dietrich Foundation e com a doação parcial do artista e da Paula Cooper Gallery. Fotografia de Ron Amstutz.
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