Como um artista emergente, ou mesmo como um profissional em meio de carreira, planejar a aposentadoria provavelmente não está no topo da sua lista de afazeres - muito menos criar um testamento. É muito fácil adiar esse tipo de planejamento ou descartar seu patrimônio como algo com que os artistas não precisam se preocupar. Mas decidir o que acontecerá com sua obra de arte depois que você se for é importante.
Após sua morte em 1970, os amigos e a família do artista Mark Rothko se envolveram em um debate que durou anos sobre suas obras, demonstrando a necessidade de criar um patrimônio como artista. "Isso abriu os olhos dos artistas para o conceito de que se tratava de um negócio, não apenas de um mundo intelectual", disse sua filha Kate Rothko à New York Times da batalha jurídica muito pública. O caso de Vivian Maier destaca a importância do planejamento patrimonial mesmo para aqueles que não são necessariamente artistas de renome mundial. Fotógrafa amadora que morreu sem testamento ou patrimônio, Maier ficou famosa quando seu trabalho foi descoberto após sua morte em 2009, levando a uma série de batalhas legais sobre quem exatamente tem os direitos de distribuir seu trabalho.
Especialista em direitos autorais e diretor da O Instituto de Propriedades dos Artistas Loretta Würtenberger está tentando facilitar a vida de artistas em todos os estágios de suas carreiras para garantir que seu trabalho esteja sempre em boas mãos. Juntamente com o advogado Karl von Trott, Würtenberger publicou O patrimônio do artista: Um manual para artistas, executores e herdeirosO livro de referência do artista, o primeiro guia abrangente sobre o assunto. O livro está repleto de conselhos sobre como gerenciar e manter as obras, os arquivos e as coisas efêmeras de um artista falecido, bem como sobre como um artista pode colocar seus negócios em ordem enquanto estiver vivo.
Entramos em contato com Von Trott para pedir seu conselho sobre o que você, como artista vivo, pode fazer para preservar seu trabalho, legado e visão artística.
Formato: Antes de mais nada, você pode explicar o que constitui o espólio de um artista? Em seu livro, você diz que, no sentido jurídico, um patrimônio pode abranger literalmente tudo o que o artista deixa para trás quando morre.
Karl von Trott: Como disse Degas, "Arte não é o que você vê, mas o que você faz os outros verem". Na maioria dos casos, a obra de arte física é apenas um componente do legado de um artista. As fontes de compreensão e contextualização, por exemplo, correspondências, jornais, objetos e obras de arte de amigos e colegas, são outra parte integrante do legado de um artista. Mas não existe uma regra irrevogável que diga com o que exatamente você está trabalhando ao cuidar de um legado. Portanto, o significado da palavra é fluido.
O ponto de vista jurídico é diferente. É importante que você seja preciso aqui. O uso do termo "patrimônio do artista" pode ser mal interpretado, dependendo do contexto. Porque o termo "patrimônio" tem um significado jurídico específico nas jurisdições de direito comum.
Por um lado, pode se referir a uma estrutura jurídica de direito comum, para a qual todos os bens de uma pessoa física vão no momento da morte. Essa estrutura geralmente é temporária. Ela é responsável pelo pagamento de impostos sobre a herança e pela administração da herança por meio de um executor. Depois disso, os bens são transferidos para os herdeiros. Portanto, trata-se de um conceito puramente legal.
Por outro lado, o termo "patrimônio do artista" é amplo e geralmente usado para descrever uma pessoa ou uma entidade responsável pelo legado, de todas as formas possíveis, independentemente da natureza jurídica, da forma da organização, da duração planejada etc. Portanto, no final, o termo é usado para significar aquilo que constrói uma ponte para o artista falecido e garante que seu trabalho continue!
Gehard Richter's Catálogo Raisonné Vol 4, via Livros Ursus.
Você acha que os artistas devem se preocupar com cada pedaço de papel, cada bilhete que já foi rabiscado? Onde você define o limite do que deve ser incluído em um patrimônio?
No final das contas, é uma questão pessoal. Não cabe a mim decidir o que um artista deve fazer, o que incluir ou não em um conjunto de obras. Mas o ideal é que o artista tenha uma visão clara e dê orientação àqueles que estão "dando continuidade" ao seu trabalho.
A maneira mais óbvia de fazer isso é definir o conjunto da obra destruindo as criações que o artista não considera parte de sua expressão artística. Com relação às obras de arte que não estão mais em posse do artista, ele pode determinar que essas peças não devem ser incluídas no futuro catálogo raisonné. Gerhard Richter fez isso para obras concluídas, que datam de antes de seu primeiro catálogo raisonné de obras de arte Tisch, de 1962.
Se o artista não for capaz de filtrar sua obra pela destruição, ele deve pelo menos definir e categorizar suas obras de arte em relação ao futuro trabalho legado, bem como fornecer um manual para pós-produção e instalação. Eles devem abranger questões como:
O que é uma obra de arte finalizada? O que é uma obra de arte inacabada? O que você pode deixar na esfera interna do patrimônio para empréstimos e exposições? O que não pode? O que está à venda, o que não está e, se estiver à venda, para quem? No caso de instalações: como a obra deve ser instalada para manter a integridade? Por quem? No caso de esculturas e gravuras: você deseja uma edição póstuma? Em que grau?
Pode ser útil ver essa tarefa como uma grande obra de arte final em si, a última Obra de arte geral.
A maioria das pessoas deve estar se perguntando: qual é o objetivo? Para ser franco: por que um artista de nível médio, de 20 a 40 anos, deveria se importar?
Todo artista deve se preocupar. Ninguém pode prever o curso da vida, especialmente por quanto tempo ela pode durar. Para aqueles que mais tarde serão encarregados de cuidar de um patrimônio, será muito mais fácil se o artista pensar no legado desde o início, ou pelo menos de vez em quando, e colocar algo no papel. Não necessariamente um testamento completo, mas algumas declarações aproximadas sobre o tratamento póstumo desejado para sua obra. Isso dará uma direção para os futuros cuidadores no caso de uma morte prematura.
Sei que é difícil lidar com a questão do falecimento em qualquer momento, mas qualquer forma de orientação, um inventário e uma boa organização do estúdio serão muito apreciados pelos responsáveis mais tarde. Isso economiza tempo e dinheiro e significa que o trabalho e o legado têm maior probabilidade de sucesso.
Então, digamos que um artista vivo queira criar um patrimônio, quais são as coisas que ele deve ter em mente ou as primeiras coisas que deve fazer?
O legado de um artista tem dois lados. Há o formal, referente à estrutura legal e tributária, e há o conteúdo e o lado relacionado à arte. Ambos os lados, é claro, estão interligados. Como em toda herança deixada para trás, o divisor deve, a princípio, decidir-se e encontrar respostas para perguntas elementares:
Meus entes queridos se beneficiarão de meus resíduos? Se sim, quem e de que forma? Como posso combinar isso com o trabalho póstumo de minha obra? Quero uma ferramenta de legado institucionalizada? Posso pagar por ela? Qual será sua finalidade e em que momento? Quem fará o trabalho e por quanto tempo? Quais serão os ativos que criarão fluxos de receita para o trabalho de legado? E, posteriormente, qual é a melhor estrutura jurídica e fiscal para atingir esses objetivos?
Novamente, como mencionado acima, o ideal é que muitas dessas perguntas sejam respondidas durante a vida do artista. Isso será um grande alívio para aqueles que ficaram para trás.
Skulpturenhalle de Thomas Schütte, imagem via Fundação Thomas Schütte.
Tony Cragg's Parque de esculturas em Wuppertal, Alemanha.
Podemos falar um pouco sobre Museu de Thomas Schütte que ele construiu para exibir suas esculturas? Essa é uma ideia brilhante, mas não são muitos os artistas que têm essa capacidade financeira. O que mais você poderia fazer para preservar ou exibir seu trabalho da maneira que deseja?
De fato, uma ideia brilhante de Thomas Schütte. O número de artistas que se sensibilizam com a questão está crescendo. Tony Cragg, Damien Hirste Hiroshi Sugimoto são outros bons exemplos. Eles também criaram uma estrutura semelhante a um showroom/museu não apenas para exibir seu próprio trabalho, mas para apoiar outros artistas. Sem seu sucesso comercial pessoal, é claro que isso não teria sido possível. Mas mesmo esses titãs do mundo da arte precisam ter uma estratégia em relação à sustentabilidade econômica de longo prazo e um objetivo geral de seus veículos de legado.
Todos os artistas podem começar fazendo a si mesmos estas perguntas: responder às perguntas acima relacionadas ao conjunto da obra, anotar as respostas, preparar todos os arquivos profissionalmente e certificar-se de que a obra de arte e o material de arquivo estejam fisicamente preservados. Encontre alguém que cuidará do legado, pelo menos em um nível básico.
A partir daí, tudo pode se encaixar! Depende também do comprometimento do zelador, da avaliação da importância histórica da obra e, é claro, da sempre necessária dose de sorte. Quanto mais apoiadores o zelador encontrar, maiores serão as chances de preservação e visibilidade da obra. Esses cuidadores podem ser curadores, galeristas ou jornalistas.
Infelizmente, não há soluções padrão. Os museus estão cada vez mais relutantes em assumir as propriedades dos artistas e, quando o fazem, assumem propriedades parciais e bem estruturadas. Na Alemanha, observamos um aumento no número de organizações sem fins lucrativos, especialmente regionais, que lidam com essa questão, mas também aqui, como em um museu, suas capacidades são limitadas.
Estúdio de Marisol Escobar em Nova York, imagem via Galeria de arte Albright-Knox.
Qual é a sua opinião sobre Marisol Escobar? presentear sua coleção inteira (sem falar na casa e no estúdio) para a Albright-Knox Art Gallery em Nova York? Você acha que os museus estão equipados para ter toda a obra de um artista? Você acha que uma instituição tão grande pode fazer justiça ao trabalho quando ela tem tantos outros programas e focos?
Depende do caso individual, do museu, das pessoas envolvidas, etc. Tenho certeza de que o museu Albright-Knox fará um ótimo trabalho nesse sentido. Ele apoiou o trabalho dela desde o início e presumo que ambas as partes conseguiram preparar e estruturar o legado de forma profissional. Do ponto de vista do artista, é fundamental envolver a respectiva instituição desde o início, para ter uma noção do que ela pode fazer, do que quer fazer e, principalmente, do que não quer. Em seguida, você deve definir as condições.
O perigo de museus inteiros assumirem propriedades é que o legado do artista e a arte se tornem estáticos, pelos motivos que você mencionou, e porque a arte está centralizada em um único lugar. Mas acho que, no caso de Marisol Escobar, ter seu estúdio em Nova York é uma ótima oportunidade para o museu evitar esse tipo de situação.
Fico pensando em como isso é relevante para artistas digitais... Você imagina o legado de um artista de vídeo sendo arquivado ou cuidado de uma maneira diferente da de um escultor, por exemplo? Você imagina um legado de um artista de vídeo sendo arquivado ou cuidado de maneira diferente do legado de um escultor, por exemplo?
Não, acho que não. É claro que a tecnologia de arquivamento pode ser diferente e a questão da preservação de dados é mais vital para os artistas digitais. Mas, no final das contas, a mídia não define as tarefas do gerente de patrimônio de um artista, que são: manter vivas as ideias do artista, divulgar a arte, permitir que ela faça as pessoas pensarem, verem, entenderem e reagirem, e melhorar a vida do indivíduo e o mundo como um todo.
Imagem da capa por Alex Stoddard.
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