Detrás de las selecciones
Al equipo de Format le encanta leer. Tres de nosotros hemos elaborado esta lista de los cinco libros más importantes de nuestras colecciones, los que se han quedado con nosotros. Cada uno de nosotros tiene una formación y unos medios diferentes como artistas. Desde la pintura, la escultura, la animación, el cine, la fotografía y la escritura; nuestras listas resuenan con nuestras prácticas, así como con nuestras personalidades.
Uno de nosotros pasó sus primeros años de vida, desde el vientre materno hasta que empezó a andar, en una biblioteca y tiene las pegatinas que lo demuestran. Otro, con toda naturalidad y sin ningún atisbo de sociopatía, prefiere los libros a las personas. Se identifica como una persona con gatos, una reservar persona. Somos unos empollones orgullosos.
Por conocimiento y evasión, el amor a la lectura nos ha conectado (podría haber escrito atarnos pero te respeto demasiado para hacerlo), y estamos seguros de que también te conecta a ti, porque estás aquí. Sean cuales sean tus gustos, estamos seguros de que en esta lista hay algo para ti; nuestros compañeros artistas, empollones y gente del libro.
Adrienne:
Sujeto a cambios por Liz Magor
Durante mucho tiempo he creído sinceramente que la declaración del artista es el peor género de escritura. [Nota del editor: Lo es.] Como texto, una declaración desempeña un complicado papel de apoyo a la hora de traducir los medios visuales al lenguaje, y si te permites hablar de arte, el vocabulario por sí solo tiene una forma de masticar el escenario y distraer la atención de la propia obra de arte. Dicho esto, el libro de escritos recopilados de Liz Magor, Sujeto a cambiosha sido un punto de referencia favorito durante el último año. La extensa y materialmente astuta práctica de Magor se documenta en este libro a través de escritos seleccionados, así como de entrevistas y ensayos escritos por Magor sobre otros artistas.
Esta colección también incluye algunas de las declaraciones de artista más impactantes, que encuentran la manera de hablar directamente de la obra de arte sin pinchar lo que la hizo atractiva en primer lugar. Además, es una publicación preciosa, y en su interior se reproducen parcialmente algunos de los primeros libros de arte de Magor. Lee este libro si quieres adentrarte en la prolífica práctica escultórica de Magor, y para obtener un rico ejemplo de cómo el texto y el pensamiento material pueden trabajar juntos.
Mi meteorito por Harry Dodge
Los lectores de Maggie Nelson quizá reconozcan a Harry Dodge como una figura que aparece en su libro Los Argonautas, publicado en 2015. Harry Dodge es conocido por su práctica escultórica y videográfica, y este libro aborda su pensamiento y su práctica de un modo más interior. Leí este libro por primera vez en 2021, y en cierto modo mi experiencia de él está ligada a la pandemia: este libro era una especie de compañía en su inteligencia desbordante y saltarina, que Dodge posee e investiga dentro del libro.
Escrito de memoria, Mi Meteorito aborda la investigación de Dodge sobre la inteligencia artificial, el declive de su padre a causa de la demencia y la vida cotidiana de Dodge con sus hijos y sus proyectos de estudio. El meteorito titular se refiere a un meteorito literal que Dodge compra en eBay, y este libro se deleita en la serendipia y la coincidencia. Recomendaría Mi Meteorito a cualquiera, aficionado al arte o no: entre las referencias queer regionales y las absurdas maravillas del cosmos, hay algo para todos en este libro.
Wendy, Maestra del Arte, de Walter Scott.
A pesar de compartir apellido con el autor, no tengo ningún parentesco que yo sepa con Walter Scott. Esto me resulta bastante trágico. ¿Qué puedo decir de Wendy que no haya confesado ya tácitamente a través de sus expresiones faciales caricaturescas, precisas pero de algún modo aún ambiguas? Wendy, Maestra del Arte es el tercer libro de la famosa serie de cómics de Walter Scott. No sé si un libro puede ser un himno, pero si puede serlo, este libro fue el himno de mi grupo de graduados, y sus argumentos resultaron proféticos.
Parodia apenas disimulada del programa MFA de Guelph, este libro y la serie Wendy en general son como un espejo de feria de los artistas de Canadá. Me veo reflejada; mi reflejo me divierte y me horroriza. ¿No puedo apartar la mirada? Walter Scott ha declarado que el libro más reciente de Wendy, El Premio Wendy, será probablemente el último durante algún tiempo, pero tengo la intención de seguir este circo ambulante allá donde vaya.
Antes de ser crítica era un ser humano por Amy Fung
Agudo y conmovedor, este libro está escrito por la crítica de arte Amy Fung. Escrito con voz personal, con una estructura en parte ficticia pero autobiográfica, Fung ofrece al lector una visión de su vida cuando crecía en Edmonton en las décadas de 1980 y 1990, su camino hacia la escritura y sus experiencias como inmigrante de primera generación en los círculos artísticos canadienses. Fung estructura su libro como una serie de ensayos enlazados que examinan las contradicciones de trabajar en el sector cultural en Canadá, con reflexiones sobre el racismo y la violencia colonial que estas contradicciones perpetúan.
Fung desafía al lector, al tiempo que se desafía a sí misma, y deconstruye el "doble lenguaje" del contexto nacional. Este libro me recuerda lo que significa ser crítico, y el tiempo y el compromiso sincero necesarios para evaluar un trabajo. En el caso de Fung, este tiempo y compromiso se emplean dentro de una escena cultural, y sus valoraciones se extienden a las condiciones que podrían no ser evidentes para el visitante medio de una galería. Lee este libro para ver un ejemplo de crítica equilibrada con enorme cuidado.
El cuaderno dorado de Doris Lessing
La primera vez que leí este libro tenía dieciséis años y viajaba mucho al trabajo, lo que me daba mucho tiempo para leer. También leí este libro antes de haber superado mi fase de "subrayar texto con bolígrafo", que como adolescente era el tipo de hábito que adopté porque pensaba que me hacía parecer inteligente y literaria. Dejando a un lado mi yo más joven, esta novela es una obra maestra, y no soy la única que lo piensa.
Doris Lessing recibió el Premio Nobel de Literatura en 2007, y El Cuaderno Dorado es uno de sus libros más reconocidos dentro de una extensa obra. También es uno de los libros más largos de Lessing, y está escrito de forma fragmentaria pero compleja. La narradora, Anna Wulf, es una escritora bloqueada que anota sus experiencias en cuatro diarios separados, codificados por colores. La vida y el pensamiento de Anna se fracturan de un modo que se hace eco de su fracturado contexto social: ambientado a mediados del siglo XX y publicado en la década de 1960, las revelaciones políticas del libro siguen los valores y la implicación de la propia Lessing. Han pasado algunos años desde que lo releí por completo, pero lo que he obtenido repetidamente de este libro es un sentido renovado del propósito de hacer arte y escribir, incluso (o especialmente) en momentos de agitación.
Ben:
Atrapar al pez gordo de David Lynch
Enmarcado en las experiencias de Lynch como uno de los cineastas más influyentes de todos los tiempos, Atrapar al Gran Pez es una profunda exploración de la creatividad, la intuición y la mente subconsciente. El libro es una colección de breves reflexiones sobre cómo abrazar el misterio, confiar en tu intuición y alimentar una práctica creativa diaria. Lynch compara las ideas con "peces" en el océano de la mente, e insta a los artistas a sumergirse profundamente para atrapar las más significativas y resonantes. Aunque a veces se adentra un poco en la meditación trascendental publicitaria, el libro está repleto de lecciones inestimables y consejos prácticos para artistas y creativos de todo tipo. El enfoque reflexivo y brillante de Lynch sobre la creación cinematográfica brilla en cada página, lo que lo convierte en una lectura obligada para cualquier creativo.
Sobre escribir bien, de William Zinsser
A un fantástico manual para escribir con claridad y autenticidad. Aunque el libro se centra en la escritura, sus principios -expresar las ideas con tu propia voz y eliminar el exceso para revelar el núcleo de tu mensaje- son universales en todos los medios artísticos. Zinsser hace hincapié en la importancia de la claridad y la resonancia, argumentando que una expresión clara permite que tu trabajo conecte más profundamente con los demás. La escritura es como cualquier otro medio artístico, un vehículo de ideas y emociones: si eres capaz de expresarte con claridad, la obra tendrá más impacto. Este libro también ofrece consejos prácticos sobre estructura y enfoque, lo que lo convierte en un recurso inestimable para los artistas que elaboran declaraciones, propuestas o solicitudes de subvención.
Herzog sobre Herzog: Conversaciones con Paul Cronin
A entrevista en forma de libro con el legendario cineasta Werner Herzog. Conocido por su visión poética y singular, la obra de Herzog abarca una amplia gama de géneros, desde documentales poéticos como Grizzly Man y Lecciones en la oscuridad hasta aventuras filosóficas como Aguirre, la ira de Dios y Fitzcarraldo, pasando por reimaginaciones de géneros como Nosferatu el vampiro y Bad Lieutenant: Puerto de escala-Nueva Orleans. Lo que une su obra es su profunda curiosidad por la condición humana y su compromiso por contar historias profundamente humanas. La habilidad de Herzog como narrador se refleja bien en el libro, con una variedad de anécdotas divertidas y absurdas sobre su trabajo y sus experiencias vitales, ya sea el acto de arrastrar un barco de vapor por una montaña para Fitzcarraldo o hipnotizar a su reparto para Corazón de cristal.
Mi sección favorita del libro es cuando Herzog discute la idea de la "verdad extática". En muchos de los trabajos documentales de Herzog, inyecta en ellos historias ficticias que encajan en el tema general de la película. Su razonamiento para ello es intentar captar una mayor "verdad extática" que vaya más allá de la mera narración de los hechos para alcanzar una verdad universal más profunda. Este concepto de "verdad extática" ha influido profundamente en mi enfoque del cine narrativo, tanto en el documental como en la ficción. Citando a otro gran cineasta, Michael Haneke: "El cine son 24 mentiras por segundo al servicio de la verdad, o al servicio del intento de encontrar la verdad". Todo el arte, no sólo el cine, está en última instancia al servicio de la búsqueda de la verdad, y espero que este libro resuene contigo tan profundamente como lo hizo conmigo.
Para una lectura adicional sobre la verdad extática, véase la obra de Herzog Declaración de Minnesota.
Ogilvy sobre la publicidad por David Ogilvy
Un gran libro que desmitifica la alquimia de la comunicación visual. David Ogilvy es uno de los legendarios publicistas de los años 60 y 70, y aunque la mayor parte de este libro se centra en la publicidad y el trabajo en el sector publicitario, es difícil subestimar sus ideas sobre la narración de historias, la psicología del público y el poder de las imágenes. Dado que muchos artistas reciben encargos de empresas para crear obras, los principios que aquí se exponen sobre cómo crear con eficacia imágenes impactantes que transmitan simultáneamente un propósito son de un valor incalculable. Cuando creas un portafolio online, te estás anunciando a ti mismo y a tu trabajo. Comprender cómo dar forma a la historia que cuentas con tu trabajo es una habilidad fundamental.
Notas sobre el cinematógrafo de Robert Bresson
Un manifiesto poético sobre la pureza en la narración visual. Bresson, uno de los cineastas franceses más importantes del siglo XX, es conocido por su estilo sobrio y minimalista. Sus películas a menudo presentan interpretaciones estoicas y sin expresión, confiando en la composición, el ritmo y el silencio para evocar la emoción. Este énfasis en la contención y la sutileza es una lección vital para todos los creativos. Al igual que Zinsser y Ogilvy, Bresson defiende el poder de la concisión y la profundidad a través de la economía de expresión.
La escritura de Bresson está llena de aforismos, y su estilo poético da lugar a muchas citas memorables en esta lectura ligera de 136 páginas. En uno de mis pasajes favoritos, Bresson describe el ciclo vital de una película: "Mi película nace primero en mi cabeza, muere en el papel; es resucitada por las personas vivas y los objetos reales que utilizo, que mueren en la película pero que, colocados en un orden determinado y proyectados en una pantalla, vuelven a la vida como flores en el agua". Esta idea -que la visión que tienes en tu mente nunca coincidirá perfectamente con la obra final ni con la forma en que se reciba- se aplica a todas las formas de arte. Sin embargo, en cada etapa de la creación, se puede encontrar belleza y alegría.
Julia:
Me gusta tu trabajo: Arte y Etiqueta editado por Paper Monument
Una colección de voces diversas que comparten sabiduría y discretos cotilleos sobre el mundo del arte. La encuesta de Paper Monument se compone de respuestas de artistas, comisarios, críticos y marchantes que reflexionan sobre las reglas del mundo del arte, habladas y no habladas. Es una lectura un poco desaliñada.
Los relatos divertidos, extraños, secos y mordaces de las leyes de esta sociedad de nicho, y las transgresiones contra ellas -que van desde las involuntarias y menores hasta el comportamiento francamente malo-, pintan un cuadro vívido de una comunidad artística variada, unida por egos vulnerables. En su interior se encuentran algunas percepciones reales de las surrealidades de esta cultura, de la naturaleza humana y de lo absurdo de nuestros rituales. Si alguna vez te has sentido como un observador extraño en este mundo de cultura-empresa cargado de emociones, o si has actuado en oposición a alguna norma social desconocida propia de él, esto puede darte respuestas. También me hizo sentir mejor por no haber clavado nunca el beso de doble mejilla.
A muchos de nosotros nos resulta incómodo. ¡Yo ya no quiero hacerlo!
Casa de Hojas de Mark Z. Danielewski
Narrativa experimental y obra de metaficción, las historias entrelazadas que contiene Casa de las Hojas se ven desafiadas por redacciones, cortes, códigos, solapamientos e inserciones; lo que la convierte tanto en una obra de arte visual y conceptual como en una novela. Estas frustraciones narrativas no son meras indulgencias estilísticas, sino que alimentan la historia y crean un ambiente inquietante. Una proeza del diseño conceptual de libros, me encantan especialmente estos extraños fragmentos de texto que aparecen al derecho en el anverso, y al revés en el reverso.
En el fondo Casa de las Hojas trata de una casa que, aunque por fuera no ha cambiado, cada vez es más grande por dentro. Contada en tres narraciones entrelazadas: el diario de Johnny, un tatuador que tropieza con documentos de investigación sobre un documental nunca visto acerca de esta casa. Zapano, el investigador fallecido, cuyas descripciones a pie de página de ese documental y lo que sabe de su creador llenan los huecos que deja el último hilo narrativo. Y El expediente Navidson, el relato en primera persona del documentalista que vive en la casa mientras descubre un misterioso pasillo. Las interjecciones de Johnny son un producto mugriento de su época, y estas secciones no son lo más convincente de la obra al principio, pero sirven a un propósito real como representación exacerbada del lector, que se siente inmovilizado e incoherente por los acontecimientos que se desarrollan en El disco Navidson.
Con fragmentos publicados por primera vez en una joven Internet, esta obra ha adquirido una especie de estatus de culto a medida que los lectores averiguaban si se trataba de ficción o de un documento real de algo inexplicable. Ahora es un punto de contacto cultural, uno de esos fenómenos de "si lo sabes, lo sabes" similares a Twin Peaks. Una taquigrafía para saber que la persona con la que hablas aprecia lo extraño.
Como escritora y artista, esta obra me pareció la encarnación de todo lo que se puede hacer cuando se siguen las reglas al pie de la letra (tantas notas académicas a pie de página y apéndices) y se rompen al mismo tiempo: ¡una página con una sola palabra!
Mi ejemplar encharcado ocupa un lugar eternamente hinchado en mi estantería.
La sociedad del espectáculo de Guy Debord
He puesto esto a mitad de la lista, a propósito para adormecerte con una falsa sensación de seguridad, pero te prometo que después vienen cosas más divertidas.
Las cosas no van bien (por desgracia, una afirmación perenne), y nunca ha habido un momento más apropiado para leer esta obra... pero va a ser molesto. Una crítica del capitalismo avanzado, y considerado un documento fundacional del movimiento situacionista, La sociedad del espectáculo se compone de 221 aforismos numerados. Tanto desde el punto de vista teórico como formal, parece como si Debord supiera dónde caería la capacidad de atención media, y por qué. Los medios de comunicación, la vida, progresivamente más representación que realidad, los deseos y las pulsiones sobrescritos por las fuerzas económicas, sustituidos por ilusiones y mercancías -nuestras propias relaciones mercantilizadas, rostros y cuerpos distorsionados mientras fabricamos productos de nosotros mismos.
Debord también tuvo una interesante relación con la televisión, que desempeñó un papel importante en el Espectáculo como método de distracción y apaciguamiento, y un medio que Barbara Kruger también escribió, se dice que gran parte de sus escritos los hacía jugando a la televisión. Esto resonó en mí como escritora, ya que a menudo encuentro necesario distraer parte de mi mente de mí misma y de mis propias historias pesadas. Ya es bastante perturbador entrar ahí como experiencia vivida, y ver la televisión me evita parte de la incomodidad de mis propias narraciones cuando salen a la luz.
En este momento concreto no se me ocurre nada más incómodo que la tesis de Debord sobre los medios de comunicación de masas que embotan nuestra capacidad de vernos a nosotros mismos dentro de las estructuras del capitalismo mientras trabajamos y nos consumimos hacia nuestra propia e inevitable obliteración...
Voy a comprobar lo que hay en Prime...
Maldita sea.
¡Adiós, mundo! Mirar el arte en la era digital por Omar Kholeif
En esta serie de ensayos teóricos, Kholeif se muestra conversador, ingenioso y anecdótico al exponer lo que significa hacer arte en una época de hiperconectividad saturada de imágenes. Como adoptador precoz de todas las cosas tecnológicas y sociales, me encanta una buena crítica de la tecnología y las redes sociales, ya que ahora me encuentro cada vez más recluido en el rechazo de estos objetos intrusivos y todos sus efectos. dopaminérgico diseños. Cada vez que impartía una clase de medios de comunicación o de marketing, ponía esto en la lista de lectura para una saludable dosis de concienciación.
Kholeif escribe sobre el impacto de Internet en el arte, y sobre cómo vemos el arte incluso en espacios públicos, no contentos con mirar, sino necesitados de que nos vean mirar. Este libro tiende un puente entre los 58 años transcurridos entre La sociedad del espectáculo de Debord y la actualidad, cuando el propio mundo del arte, aunque se resista, está envuelto por el espectáculo. Kholeif equilibra su profundo pensamiento con ligereza, de modo que puedes utilizarlo para salir del agujero en el que te metió Debord, sin dejar de ser agudo y crítico.
Me gustaron especialmente sus reflexiones sobre cómo los algoritmos pueden dar lugar, y han dado lugar, a una generación de autodidactas, ya que la búsqueda de información revela más lagunas en el conocimiento e impulsa un mayor interés. Por supuesto, ésta era la visión ligeramente más optimista de 2018, y ahora comprendemos mejor cómo se ha explotado este impulso para difundir desinformación, pero... esos polos de intención siempre han existido. El conocimiento y la ignorancia. El bien y el mal, como siempre.
¡Pobres artistas!
¡Pobres artistas! es una sátira eléctrica, una colección de relatos breves; reales y autobiográficos, algunos ficticios o ligeramente adornados, y otros completamente demenciales, que funcionan como alegorías. Esta antología realmente lo tiene todo. Zarina Muhammad y Gabrielle de la Puente empezaron a trabajar juntas en 2015 cuando, en la escuela de arte, se unieron por su irreverencia y crearon el blog El Pubis Blanco. Una plataforma para reseñas, ensayos y cortos extraños que desafiaban a la clase dirigente y se negaban a arrodillarse ante las estructuras capitalistas que sustentan el negocio del arte.
Por regla general, compraré cualquier obra que adopte el absurdo. Una filosofía que, en mi opinión, es la única forma de enfrentarse a... bueno, ya lo he tratado más arriba. Todo. Todo. También ocurre que el absurdo está más expuesto cuando eres un artista que vive en el mundo del arte, colinda con él o lo rechaza. Además; yo, un payaso del arte, no puedo tomarme en serio a mí mismo. Me da sarpullido.* Leer obras de otros payasos del arte es un bálsamo tranquilizador; siento una gran sensación de alivio y comunidad. La colaboración de Muhammad y de la Puente con los colaboradores deja claro que han creado un circo acogedor.**
Todos los artistas, desde los emergentes a los consagrados, deberían hacerse con este libro. Para los estudiantes de arte que siguen una formación reglada, puede que te mantenga cuerdo. Tal vez encuentres a alguno de tus compañeros leyéndolo y decida en ese momento abrir un blog...
*Para ser justos, muchas cosas me producen sarpullido.
**Al editar este artículo, he observado que tanto Adrienne como yo comparamos la comunidad artística y el mundo académico de las artes con un circo, por lo que me siento doblemente segura de esta analogía.
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Contenido adicional: Nuestras librerías favoritas
Te habrás dado cuenta de que nuestros enlaces iban a librerías independientes y centros gestionados por artistas. Aquí tienes algunas más de las que podemos dar fe y, si tu ciudad no está en esta lista, es porque somos pobres artistas y no hemos estado allí. Te animamos a que las explores.
