Films essentiels pour les animateurs

Quels films tout cinéaste devrait-il voir ?  

Découvrez notre première édition de Watch Party Films incontournables pour les cinéastes.

Restez à l'écoute pour découvrir prochainement nos guides des films incontournables pour les photographes et les écrivains.

Hérisson dans le brouillard (1975) 

Réalisateur : Yuri Norstein

Chargé de métaphores, Hérisson dans le brouillard est largement considéré comme l'un des meilleurs films d'animation de tous les temps. De manière assez appropriée, j'ai vu ce film pour la première fois après avoir confié à un ami que je me sentais ‘ dans le brouillard ’. Le lendemain, je me suis réveillé avec un SMS contenant un lien vers ce film. 

Réalisé par l'animateur soviétique/russe Yuri Norstein en 1975, ce film d'animation suit le hérisson qui se rend chez son ami l'ours, apportant un paquet soigneusement emballé contenant de la confiture de framboises. Au cours de son voyage, le hérisson doit traverser un brouillard où les créatures quotidiennes prennent une présence surnaturelle. Le hérisson est désorienté et doit accepter l'aide d'autres créatures pour retrouver le chemin qui le ramènera chez son ami. Les images du film frôlent le surnaturel, sans faire explicitement référence à une mythologie particulière. À l'époque de sa réalisation, le film de Norstein a dû passer par la censure d'État, et certains pensent que son approche discrète était un moyen d'évoquer le divin malgré les pressions antireligieuses de l'ère soviétique. Le résultat est un court métrage magnifique et envoûtant, aux thèmes résolument existentiels. Si, comme cela m'arrive parfois, vous vous retrouvez dans un labyrinthe de vidéos YouTube à la recherche d'une bonne traduction anglaise de ce film, sachez que votre recherche en vaut la peine. 

Coraline (2009)

Réalisé par Henry Selick

Basé sur le livre pour enfants du même nom, Coraline est sans doute pas un film pour enfants, car il m'a fait sursauter lorsque je l'ai vu pour la première fois au lycée. Le premier long métrage de Laika, Coraline suit les aventures de la jeune fille aux cheveux bleus éponyme qui déménage à contrecœur dans une nouvelle maison avec ses parents. Une poupée à son image apparaît sur le pas de sa porte, fabriquée par une ‘ autre mère ’ arachnéenne qui habite un univers parallèle accessible par un portail situé dans la maison. Coraline est attirée dans ce nouveau monde, puis tente de trouver un moyen de s'échapper pour échapper aux manipulations de l'autre mère. 

Tourné en stop-motion avec quelques retouches numériques en post-production, ce film met en scène des personnages incroyablement expressifs qui évoluent dans des décors qui sont de véritables œuvres d'art. On parle beaucoup du travail nécessaire à la réalisation d'un film d'animation, mais ce que j'apprécie particulièrement dans ce film, c'est la minutie avec laquelle il a été conçu. Parmi les détails mémorables, on peut citer le voisin excentrique de Coraline, qui arbore une médaille militaire soviétique pour son héroïsme à Tchernobyl. Le film regorge de rebondissements astucieux et d'illusions séduisantes. Parmi les autres merveilles, on peut citer une scène hypnotique mettant en scène un cirque de souris qui apparaît comme un spectacle nocturne dans le monde parallèle du film. Théâtral et effrayant, Coraline respire le savoir-faire artisanal, même si son méchant utilise la construction du monde comme un piège sinistre.

Layl (Nuit) (2021)

Réalisé par Ahmad Saleh

Je l'ai vu pour la première fois lors d'une projection au Festival international d'animation d'Ottawa 2024, dans le cadre d'une séance spéciale consacrée aux représentations de la guerre dans l'animation. Les programmateurs ont présenté la projection en précisant qu'ils avaient sélectionné leurs films en mettant l'accent sur l'expérience de la guerre, plutôt que de montrer des films de propagande connus (Disney, par exemple, avait été chargé de créer des courts métrages propagande films pendant la Seconde Guerre mondiale.) 

Layl s'ouvre sur une image d'une ville dévastée et montre une mère à la recherche de son enfant, incapable de dormir. Une voix off parle en arabe, murmurant que la nuit ne peut jamais être effacée. La nuit, représentée sous les traits d'une jeune fille, jette un sort à la mère afin qu'elle puisse dormir. Bien que le film ait été réalisé en 2021, il est difficile de le regarder aujourd'hui sans faire le lien avec Gaza. Layl, qui signifie ‘ nuit ’ en arabe, est une histoire émouvante sur la perte, et une description poignante des horreurs du conflit.

Invention pour la destruction (1958)

Réalisateur : Karel Zeman

Librement adapté des images fantastiques des romans de Jules Verne tels que Face au drapeau, de Karel Zeman Invention pour la destruction est un film connu pour son style visuel distinctif. De nombreuses images des films de Zeman combinent dessin, animation, effets spéciaux et prises de vues réelles, et la conception de Invention pour la destruction se distingue particulièrement par son emprunt aux effets visuels graphiques des gravures et des estampes sur bois utilisées comme illustrations dans les anciens romans victoriens.

Les téléspectateurs de Invention pour la destruction verront des images semblables à des collages qui font référence à une planification et à une conception minutieuses – de nombreux personnages portent même des costumes qui rappellent le motif rayé noir et blanc caractéristique du hachurage des gravures en creux. Les séquences du film tournées sous l'eau combinent également des images réelles d'animaux d'aquarium et des animations, créant un effet fascinant. Alors que Invention pour la destruction est le film le plus réussi de Zeman, ses autres œuvres telles que Le fabuleux baron de Münchhausen méritent également d'être vus pour leur extension de ses visuels inventifs à la couleur. 

La sorcière bien d'envie (1971)

Réalisé par Robert Stevenson

Pour le meilleur ou pour le pire, je suis totalement attaché au trope ‘ dessin animé + prise de vues réelles ’ qui a fait son apparition dans de nombreuses comédies musicales des années 1960 et 1970, et Bedknobs and Broomsticks offre une généreuse portion de ces scènes. Angela Lansbury, icône gay reconnue, incarne une apprentie sorcière qui étudie son art en commandant par correspondance du matériel pédagogique dans son petit village côtier anglais. Elle devient à contrecœur la gardienne de trois enfants, déplacés de Londres pour échapper au Blitz, qui découvrent rapidement ses ambitions. Ensemble, ils se lancent dans la recherche des pages manquantes d'un manuscrit ésotérique, dont les pages sont essentielles à la formation complète de Lansbury et pourraient bien aider la Grande-Bretagne à gagner la guerre. 

Ce que j'apprécie dans ce film, c'est son approche du fantastique, qui combine des symboles archétypaux de la sorcellerie (sortilèges, chats, balais) avec des éléments plus terre-à-terre. Le ‘ bedknob ’ (bouton de lit) du titre est le moyen de transport enchanté des personnages, qui doivent le tourner et le tapoter sur le cadre en laiton de leur lit d'origine pour envoyer ses occupants dans leurs voyages interdimensionnels. À une époque où les effets spéciaux étaient encore loin d'être numériques, les couleurs peintes à la main sur la pellicule et les effets pratiques donnaient vie au surnaturel. Même si le film repose largement sur le jeu des acteurs, le numéro musical ‘ Substitutiary Locomotion ’ (dans lequel Lansbury et ses acolytes chantent une incantation mélodique pour que une paire de chaussures se comporte selon leur volonté) est une ode agréablement fortuite à la pratique de l'animation. 

Wendy Whelan : Restless Creature (2016)

Réalisé par Linda Saffire et Adam Schlesinger

Ce choix s'éloigne quelque peu de l'animation, mais afin de souligner les liens historiques entre la danse, la chorégraphie et l'animation, je recommande de regarder ce documentaire captivant qui suit la dernière saison de Wendy Whelan au New York City Ballet. 

Whelan était une danseuse étoile légendaire qui a mené une carrière de 30 ans au New York City Ballet. Après la sortie de ce documentaire en 2016, Whelan a été nommée directrice artistique associée de la compagnie, mais au moment du tournage, son parcours au-delà de sa carrière de danseuse était encore incertain. Le documentaire mêle des images d'archives à des reportages sur la dernière saison transformatrice de Whelan, la suivant alors qu'elle subit et se remet d'une opération de la hanche qui lui permet finalement de reprendre la danse. 

La description par Whelan des défis physiques spécifiques du ballet ajoute une dimension supplémentaire à ses performances dans ce film, où ses mouvements témoignent d'une maturité et d'une virtuosité remarquables. Créature agitée est un film qui vaut le détour pour la vulnérabilité dont fait preuve Whelan pendant une période de transition. Il offre également une étude fascinante de l'identité artistique lors d'un changement majeur dans la vie. 

La revanche du caméraman (1912)

Réalisateur Ladislav Starevich 

Imaginons que vous soyez un scarabée menant une vie domestique agréable et que vous découvriez que votre partenaire vous est infidèle. Que feriez-vous ? La revanche du caméraman propose une vision parodique et non humaine des instincts animaux de la société. Ce film absurde suit les aventures amoureuses d'un couple de scarabées et leurs conséquences : la ‘ vengeance ’ du titre est exercée par une sauterelle jalouse, qui diffuse au cinéma des images illicites de la liaison de M. Scarabée. 

Si James et la pêche géante vous a effrayé quand vous étiez enfant, ce film n'est peut-être pas pour vous. Le cinéaste Ladislas Starevich a utilisé de vrais insectes comme marionnettes, et leur vivacité dans l'animation est quelque peu éclipsée par la conscience qu'a le spectateur de leur fragilité. Cela mis à part, l'expertise technique du film mérite d'être admirée : comme il a été réalisé en 1912, les mouvements et l'animation des insectes ont dû être planifiés sans bénéficier des outils numériques dont nous disposons aujourd'hui. 

Quand j'ai vu ce film pour la première fois, je ne pouvais pas imaginer le temps et la planification nécessaires pour réussir à rythmer l'action du film (étant donné que je dépends beaucoup de la lecture instantanée du logiciel Dragonframe). La revanche du caméraman met en avant l'ingéniosité et l'humour des débuts de l'animation et du cinéma, avec des commentaires métatextuels sur le cinéma et le voyeurisme.  

Le Voyage de Chihiro (2001)

Réalisateur : Hayao Miyazaki 

Le Voyage de Chihiro est l'un des films d'animation les plus célèbres produits par le Studio Ghibli, et le récit fantastique du film reste d'actualité. Le Voyage de Chihiro suit Chihiro, une fillette de 10 ans, alors qu'elle déménage avec sa famille dans une nouvelle ville. Sur le chemin de leur nouvelle maison, les parents de Chihiro sont distraits par une station balnéaire abandonnée, où ils tombent sur de la nourriture enchantée et sont transformés en cochons après l'avoir mangée. Lorsqu'il devient évident qu'ils sont tombés dans le piège d'une ville spirituelle dirigée par une sorcière autoritaire nommée Yubaba, Chihiro doit s'adapter et survivre dans ce nouveau monde jusqu'à ce qu'elle puisse sauver ses parents. 

L'approche intuitive de Miyazaki en matière de narration est magnifiquement mise en valeur dans ce film, et la multitude d'esprits qui peuplent l'univers du film renvoie à l'animisme de la religion shintoïste japonaise. Les films de Miyazaki ont souvent pour thème l'environnement, et bien que Le Voyage de Chihiro évite tout ton moralisateur, le film met en garde contre la cupidité humaine et la pollution du monde naturel. Le Studio Ghibli est également un bastion de l'animation dessinée à la main, et Le Voyage de Chihiro est un incontournable pour tout animateur attaché aux procédés traditionnels. 

Le royaume des rêves et de la folie (2013)

Réalisatrice : Mami Sunada

Pour faire suite à ce qui précède, Le royaume des rêves et de la folie est un aperçu du processus créatif du studio Ghibli. Ce documentaire offre un regard fascinant sur l'histoire de Ghibli, avec des images d'archives mêlées à des reportages sur Le vent se lève (2013), qui était en production pendant les trois années de tournage du documentaire. Son titre fait allusion à la structure du documentaire : Hayao Miyazaki apparaît dans ce film comme un génie excentrique confirmé dont les remarques exaspérées (telles que “ le cinéma n'apporte que de la souffrance ” et “ pourquoi dois-je encore dessiner à 70 ans ”) servent d'affirmation humoristique aux artistes qui observent son processus de travail. Dans l'esprit de Miyazaki, frustration et fantaisie vont de pair. 

En soi propice à l'évasion, le cadre du documentaire invite les spectateurs à explorer les studios et les terrains de Ghibli, ainsi que le studio personnel de Miyazaki (où, à un moment donné, il collectionne une série de figurines de chevreaux grandeur nature laissées sur le rebord de sa fenêtre, sauvées de la fin d'une exposition sur ‘ Heidi ’ parce que Miyazaki ne supportait pas de les voir rester dans un entrepôt). Miyazaki menace de prendre sa retraite à la fin du film, comme à son habitude, mais les fans de Ghibli noteront que le long métrage d'animation oscarisé Les Le garçon et le héron a été réalisé et sorti après l'annonce de la retraite qui clôt ce documentaire. Ce film, qui plaira autant aux animateurs qu'aux artistes, vaut le détour ne serait-ce que pour ses mèmes. 

Les voisins (1952)

Réalisateur Norman McLaren

Lauréat de l'Oscar du ‘ Meilleur court métrage documentaire ’ en 1952, Voisins présente plusieurs innovations de McLaren dans le domaine de l'animation et du cinéma. Le film met en scène deux personnages qui, parallèlement, commencent à devenir territoriaux et méfiants l'un envers l'autre, poussés par une fleur qui pousse sur la ligne séparant leurs propriétés respectives.

Le film utilise une technique appelée ‘ pixilation ’, qui consiste à utiliser des acteurs réels comme sujets dans une animation image par image. Cette technique donne un rythme aux mouvements des acteurs qui rappelle les débuts du cinéma, où les images à l'écran semblaient accélérées. Dans leur dispute, les deux voisins du film sombrent dans une violence comique. Voisins’ La sortie pendant la guerre froide fait référence au conflit entre les puissances soviétiques et l'Occident, mais la position de McLaren en tant que NFB Le cinéaste canadien évoque également la relation complexe entre le Canada et les États-Unis. Présenté comme une allégorie des tensions entre les nations, Voisins est un exemple classique des dimensions politiques de l'animation. 

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