Passei boa parte da minha vida adulta morando na Espanha. Tempo suficiente para que, ao entrar na ARCOmadrid, você se sinta menos como se estivesse visitando uma instituição estrangeira e mais como uma reunião com uma comunidade familiar de artistas. Madri foi a minha introdução a este país quando cheguei do Canadá e é uma cidade para a qual volto com muito carinho.
Há uma energia especial aqui durante a semana da feira: o mundo da arte vem para cá, os restaurantes ficam lotados e você pode ver o que acontece. IFEMA’Os espaços da feira se transformam no que a própria arquitetura da feira breve Você pode chamar a cidade de ‘uma metrópole efêmera’; uma cidade que existe por cinco dias, construída inteiramente a partir de arte e conversas.
ARCOmadrid 2026 em um relance
Agora em sua 45ª edição, a ARCOmadrid reuniu 211 galerias de 30 países e mais de 1.300 artistas. Obras que abrangem pintura, escultura, instalação, fotografia, vídeo, novas mídias e coisas que alegremente resistem à categorização.
Cheguei em nome da Format, com a tarefa de obter informações sobre uma das mais importantes feiras de arte contemporânea da Europa. O que encontrei lá foi uma feira que está realmente fazendo grandes perguntas sobre o futuro da arte, A história da pintura e o que significa fazer algo em 2026 que você espera que ainda seja importante em 2045.
Principais conclusões da ARCOmadrid 2026:
- Tema: ARCO2045: O futuro, por enquanto explorou como os artistas respondem à incerteza no presente.
- Linha de base: muitos estandes envolvidos diretamente com a história da arte (de forma divertida, não reverente).
- Destaques: uma mistura de favoritos que retornam e novas descobertas de pintura.
- Marcador de identidade: A forte Europa-América Latina A ponte permanece distinta.
- Nota de mercado: As aquisições foram fortes, mas IVA artístico 21% da Espanha continua sendo um ponto de pressão.
ARCO2045: “O futuro, por enquanto”
O tema central dessa 45ª edição foi ARCO2045: O futuro, por enquanto,A exposição de arte de hoje, uma seção com curadoria desenvolvida por José Luis Blondet e Malagí Arriola, convidou galerias e artistas a imaginarem como a arte poderia ser daqui a duas décadas. Não como um exercício de bola de cristal, mas como algo mais provisório e honesto: uma reflexão sobre as linguagens que a arte está desenvolvendo hoje, em resposta a um presente que parece genuinamente incerto.
O espaço da galeria dedicado à seção, projetado por Estúdio Angela Juarranz como uma estrutura que “não ilustra o tempo, mas o desdobra”, foi uma das salas mais atmosféricas da feira.
Trabalhos de destaque do ARCO2045
Trabalhos sobre déjà vu, memória e profecia. Paulina Olowska’considera a representação na fotografia de moda. Candice Lin ofereceu uma imagem vibrantemente sombria do que está por vir, se é que essa justaposição é possível. Como pintor, sempre me interesso pela questão do que um meio pode carregar e o que ele pode dizer que outro não pode; a ARCO2045 parecia uma seção cheia de artistas lutando seriamente com exatamente isso.
Na Format, pensamos muito sobre o futuro da forma como os artistas apresentam seu trabalho digitalmente. Há algo energizante em estar cercado de artistas que fazem a mesma pergunta subjacente de uma direção completamente diferente: como é, de fato, o trabalho de amanhã e como abrimos espaço para ele hoje?
Jantar em família“, de Candice Lin” mostrado com François Ghebaly, Lin é uma artista interdisciplinar de Los Angeles, cujo trabalho foi exibido na Bienal de Veneza e na Whitechapel Gallery. Lin é uma artista interdisciplinar baseada em Los Angeles, cujo trabalho foi exibido na Bienal de Veneza e na Whitechapel Gallery, e cuja prática sempre encontra maneiras de fazer com que ideias profundamente desconfortáveis se sintam habitadas. Family Dinner é uma visão sombria do futuro, e você sabe disso. O que eu apreciei foi o humor subjacente, que é muito característico de Lin: a obra não pede que você se desespere, apenas que olhe com clareza.
Crie um portfólio que pareça preparado para o futuro.
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Quando a arte contemporânea fala com o passado
Se o tema oficial da feira era o futuro, uma das coisas que eu continuava notando na pista era algo mais próximo do oposto: quantos artistas estavam em uma conversa direta e divertida com a história da arte. Não de forma reverente, não com o tipo de ironia que às vezes pode parecer vazia, mas com o prazer genuíno de alguém que ama a tradição que está usando.
Christian Jankowski e “Neue Malerei-Picasso”
Christian Jankowski’A série Neue Malerei-Picasso de Jankowski foi um exemplo perfeito. Jankowski vem desenvolvendo esse conjunto de trabalhos desde 2015, encontrando fotografias digitais de pessoas reencenando pinturas de mestres como Picasso, Van Gogh e Magritte, enviando essas fotografias para replicadores de pintura na China e exibindo os resultados. As camadas conceituais são genuinamente interessantes: questões de autoria, originalidade e o que significa ‘pintar como’ alguém em uma era de reprodução infinita. O trabalho é engraçado e incômodo na mesma medida.
Série Arte-História-Placa de Thomas Hirschhorn
Thomas Hirschhorn‘da Art-History-Plaque XXV, mostrada com Galeria Chantal Crousel, Hirschhorn, da equipe de arte de Hirschhorn, pertence a essa mesma linha, mas chega a ela de uma direção completamente diferente. Hirschhorn é um artista suíço que construiu toda a sua prática em torno do uso deliberado de materiais humildes e descartáveis, como papelão, fita adesiva para embalagem e papel alumínio. Os materiais funcionam como uma espécie de declaração política sobre acesso, valor e a quem a arte se destina.
A série Art-History-Plaque traz essa sensibilidade diretamente para o diálogo com o cânone: imagens históricas da arte impressas e anotadas em papelão, em grande escala e enfaticamente feitas à mão. O efeito é irreverente sem ser desdenhoso. Na verdade, a crueza do material parece argumentar que a história da arte pertence a todos, não apenas às instituições com orçamento para tratá-la com reverência. É um trabalho generoso e discretamente radical.
Colisões de arquivos de Alberto Baraya
E então houve Alberto Baraya’(1969) na Galería Fernando Pradilla - um título tão maravilhosamente específico que quase funciona como uma obra em si. Baraya é um artista colombiano cuja prática questiona os legados coloniais e os sistemas pelos quais classificamos e consumimos cultura. A colisão iconográfica de crianças colhendo frutas, um caçador de touros e uma Ferrari muito específica de 1969 é deliberadamente desestabilizadora. É o tipo de trabalho que permanece com você não porque você o entenda completamente, mas porque ele não permite que você pare de tentar.
O Preludio da ARYZ e o caso de pintar agora
ARYZ (Octavi Arrizabalaga) em Galeria Senda foi talvez o trabalho dessa categoria que mais me emocionou. Seu Série Preludio apresenta pinturas a óleo em grandes formatos concebidas como diálogos visuais com os grandes mestres da pintura clássica. É um tributo, em suas próprias palavras, à arte do pintor como um meio legítimo de expressão e transmissão cultural. Ainda há, em alguns cantos do mundo da arte, uma leve desconfiança em relação à franqueza e à fisicalidade da pintura. O Preludio da ARYZ não defende a pintura. Ele simplesmente é, de forma magnífica.
Velhos favoritos e novas descobertas
Uma das coisas que eu mais gosto em uma feira desse porte é a combinação de encontrar trabalhos que você já adora e encontrar artistas que você não sabia que estava procurando.
Elga Heinzen e Laura Garcia Karras (um estande que vale a pena ser visitado)
Elga Heinzen foi um verdadeiro prazer reencontrá-la, mostrada aqui em diálogo direto com o trabalho de Laura Garcia Karras no Galeria Anne-Sarah Bénichou uma combinação que acabou sendo uma das mais comentadas da feira. A combinação foi genuinamente inspirada: As formas abstratas silenciosas e poderosas de Heinzen da década de 1970 ao lado das pinturas florais grandes e hipnóticas de Garcia Karras. O trabalho de Garcia Karras o seduz com intensidade cromática antes que você perceba a estranheza subjacente; o de Heinzen conquista sua atenção por meio de um tipo diferente de paciência. Juntos, eles formaram um estande que valeu a pena ficar.
Novos pintores para você observar: Travis Macdonald e Antonio Montalvo
Entre minhas novas descobertas, Travis Macdonald me fez parar completamente. Há algo na maneira como ele lida com a tinta que parece imediatamente distinto. Ele é um daqueles artistas em que você olha para uma obra e pensa: posso aprender muito com essa pessoa. Antonio Montalvo foi outra descoberta: uma prática que equilibra o rigor formal com a presença emocional real. Esses dois pintores criam um tipo de luminosidade sobre a qual pensarei em minha própria prática.
Galerias latino-americanas na ARCOmadrid
A diversidade dos trabalhos expostos foi inspiradora. Mais de 30% das galerias internacionais vieram da América Latina, uma dimensão da ARCO que a torna diferente de qualquer outra feira europeia, e uma das coisas que mais gosto nela. A seção Profiles | Latin American Art, com curadoria de José Esparza Chong Cuy, O evento, que foi realizado no dia 15 de junho, apresentou propostas de um único artista de 11 criadores.
Gabriel Branco
Gabriel Branco’A estreia do artista na Galatea foi um destaque: o jovem artista paulistano reuniu fotografias e pinturas a óleo e cera de abelha enraizadas na vida cotidiana da periferia da cidade, no baile funk, no comércio de rua, na arquitetura popular, em esmaltes cromáticos luminosos que suspendem o olhar.
Harold Mendez
Harold Mendez, mostrado com Galeria do Patrono e Comunidade e Conselho, O artista, que é um dos mais importantes do mundo, trouxe um tipo diferente de peso: sua prática está na interseção da memória, da materialidade e do que a história deixa para trás nos objetos. É uma estrutura curatorial de um artista, uma proposta que exige que você diminua o ritmo e realmente olhe, em vez de passar os olhos por um estande com vinte obras.
Destaques do El Apartamento Booth
El Apartamento foi outro estande do qual eu não queria sair. A galeria fundada em Havana, que agora também tem uma casa em Madri, construiu sua identidade em torno das propostas mais incisivas da arte cubana e espanhola e, na ARCO, esse foco duplo estava em plena exibição.
Ariel Cabrera Montejo‘As pinturas do artista são genuinamente originais: trabalhando com arquivos históricos cubanos, ele pega os heróis oficiais da independência cubana e os coloca de volta em seus corpos, criando algo sensual, irônico, humano e nada parecido com seus retratos “oficiais”. A técnica está impregnada da tradição acadêmica espanhola e italiana, o que cria uma tensão maravilhosa com o grau de subversão do conteúdo real.
Los Bravú-A dupla Dea Gómez e Diego Omil opera em território adjacente: seu trabalho figurativo mescla virtuosismo neo-maneirista com fantasia surrealista, quadrinhos, colagem e texturas da cultura urbana e vernacular. Sua pintura Em sua grieta brilha o desejo (2025) ganhou o prêmio ARCO 2026 da Comunidade de Madri e participará do concurso Museu Centro de Arte Dos de Mayo coleção.
Nacho Martín Silva-O pintor de Madri cuja prática trata o estúdio como uma espécie de arquivo, com imagens e tentativas que se acumulam ao longo do tempo até encontrarem seu momento, seu significado chegando tarde. Há algo de muito relacionável nessa filosofia, e seu trabalho no estande tinha exatamente essa qualidade: ponderado, em camadas, sem pressa. Um estande que parecia ser um dos mais vivos da feira.
Pontos vermelhos, compra institucional e o IVA de arte 21% da Espanha
Havia muitos pontos vermelhos durante a feira. Foram anunciadas aquisições institucionais do Museo Reina Sofía, do IVAM, da Comunidade de Madri, do Governo Regional da Andaluzia e de várias fundações privadas.
O que foi vendido e por que é importante
Somente o Reina Sofía investiu mais de 400.000 euros em 17 obras de 14 artistas - nove deles mulheres. Para quem presta atenção à saúde do ecossistema da arte contemporânea, isso é significativo: grandes instituições comprando de artistas vivos, em uma feira, em público, é uma afirmação de toda a cadeia, do estúdio à coleção.
A tensão do IVA (contexto e o que as galerias estavam pedindo)
Vale a pena observar que essa edição da ARCOmadrid ocorreu em meio a uma tensão real no setor de arte da Espanha. Como você viveu e expôs aqui, isso não é abstrato para mim. As galerias espanholas têm se manifestado sobre a situação do país. 21% IVA em compras de arte. É o mais alto da Europa, comparado a 5-8% na França, Itália, Alemanha e Portugal. Proprietários de galerias e artistas encenaram protestos e bloqueios temporários de museus por causa da disparidade no período que antecedeu a feira.
Os pontos vermelhos foram genuinamente encorajadores; a conversa sobre o IVA é um lembrete de que o entusiasmo pela arte não se traduz automaticamente em condições equitativas para as pessoas que a produzem e vendem. As duas coisas foram verdadeiras ao mesmo tempo nesta edição, e acho que seria desonesto escrever sobre a ARCO sem reconhecer ambas.
Como você se sente ao estar lá (e por que a vida real ainda é importante)
Na Format, estamos no espaço digital, no pulso do que os artistas e criadores estão apresentando on-line, e pensamos seriamente sobre como uma plataforma pode servir às pessoas criativas no mais alto nível. Estar na ARCOmadrid é, para mim, um corretivo útil e alegre para passar muito tempo na frente de uma tela.
Não há nada que substitua o fato de você estar diante de uma pintura. Nenhum rolo de papel reproduz a sensação de entrar em uma cabine e prender a respiração, ou de passar vinte minutos diante de uma obra que você não consegue explicar completamente.
A temporalidade de uma feira oferece a urgência de ver e aprender o máximo que você puder antes que ela acabe. Essa “cidade” existe por cinco dias. Depois disso, o trabalho volta para o mundo. De volta aos estúdios, coleções, instituições e depósitos, espalhados por trinta países. Até a próxima edição, quando outra versão da mesma cidade será construída e a conversa continuará.
Conclusão: Por que o ARCOmadrid ainda é essencial
Vale a pena mencionar essa continuidade; a ARCO vem fazendo isso há 45 anos. A feira superou tendências, crises econômicas e movimentos inteiros na arte contemporânea.
O que a mantém essencial não é apenas a qualidade das galerias ou as aquisições institucionais, mas o fato de ser genuinamente insubstituível como ponto de encontro entre a Europa e a América Latina, entre o histórico e o emergente, entre o trabalho e as pessoas que se importam com ele.
- 211 galerias
- 30 países
- 1.300 artistas
- Uma abundância de pontos vermelhos
- Um tema sobre o futuro que, de alguma forma, fez o presente parecer mais vívido.
O ARCOmadrid 2026 não decepcionou.
Apresente seu trabalho da mesma forma que uma galeria faz.
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Colaborador
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Erica Beyea estudou Belas Artes na Ontario College of Art & Design e se formou com louvor na NSCAD University.
Em 2014, ela fundou a Girls’ Art League em Toronto. Ela vive entre o leste do Canadá e a Espanha desde 2017. Atualmente, mora em Zaragoza, na Espanha.
