La Feria del Libro de Arte de Nueva York es uno de los eventos más animados que se celebran en el MoMA PS1 de Long Island City. Organizada por la librería y editorial local Printed Matter, y patrocinada por un amplio elenco de organizaciones, esta feria anual reúne a artistas, fotógrafos y diseñadores para celebrar los libros de arte de todo tipo. Se exponen fanzines, monografías de artistas y portafolios de artistas. También puedes hacerte con algunos artículos de edición limitada creados por los propios artistas, como camisetas, joyas y cerámica.
Se celebra del 23 al 25 de septiembre de este año, el Feria del Libro de Arte de Nueva York Siempre es un laberinto alucinante de coloridas mesas plegables, cada una llena de montones de obras de artistas y diseñadores que puedes ir revisando. En mi búsqueda de mis libros de artista favoritos, puedo decir con toda seguridad que esta lista está lejos de ser definitiva.
La feria es famosa por ser acogedora, popular e intensa. Puede resultar abrumador abrirse paso entre ese mar de libros y de apasionados de los libros de arte, pero hay una razón por la que la mayoría de los creativos de Nueva York se aseguran de no perdérsela. Los puestos los gestionan todo tipo de expositores, desde editoriales de tiradas limitadas y de alta gama hasta galerías y artistas que se autoeditan.
Lo más emocionante es que la Feria del Libro de Arte de Nueva York atrae a gente del sector de todo el mundo. La feria es más que un espacio comercial para exponer y comprar libros de arte muy codiciados; es un espacio para diálogo interdisciplinar y regiones. A continuación te mostramos algunos de los libros favoritos de la revista Format que descubrimos mientras dábamos una vuelta por la feria el fin de semana pasado.
Lucas Blalock, La orgía de un tendero
Booth: Información básica, Nueva York
En su stand, Primary Information nos contó con todo detalle cómo se desarrolló La orgía de un tendero, una monografía del artista por Lucas Blalock. Blalock es un fotógrafo afincado en Brooklyn que desafía la evolución de la manipulación fotográfica en sus impactantes collages, alterando la lógica espacial de las imágenes de forma explícita. El enfoque técnico de Blalock está lleno de humor y de ingenio. Juega con el plano de la imagen usando Photoshop de formas poco convencionales. Las herramientas que estaban pensadas para ocultar las alteraciones en la obra de Blalock se convierten en el plato fuerte.
Sus imágenes mezclan formas planas con imágenes de objetos cotidianos, comida e interiores. Divide por la mitad y manipula partes de las imágenes, dejándolas desorganizadas y desalineadas. Esto provoca desviaciones en el efecto de trampantojo de la imagen. Como un collage en el que se ven las marcas de los cortes, su obra no te engaña. Al contrario, te enfrenta a su distorsión y a su irrealidad.
Para esta monografía de obras anteriores, Primary Information colaboró con el artista para difuminar la idea misma de lo que es una obra individual y lo que es una monografía de artista. En el diseño del libro, Blalock crea intervenciones visuales y distorsiones de sus propias obras. Superpone piezas unas encima de otras, crea nuevas obras a partir de la maquetación del libro y las organiza en un orden sin sentido y no cronológico.
Bill Burns, Canciones de pájaros con equipo de seguridad
Editorial: Plugin Editions ICP, Winnipeg, Canadá
Bill Burns Es un artista canadiense que nació en el seno de una familia dedicada a la venta de libros. Esta historia personal no es de extrañar, teniendo en cuenta su afición por las obras relacionadas con los libros y los múltiples. Este artista conceptual ha organizado happenings artísticos como «Goat Milking» en el Museo Real de Ontario de Toronto; además, dirige el coro «Dogs and Boats and Airplanes Choir», un coro infantil que solo imita los sonidos de perros, barcos y aviones.
El libro de Burns Pájaros cantores con equipo de seguridad Se despliega en una página llena de notas musicales en diagonal. El libro incluye también un plano plegado con instrucciones, en forma de sello de goma, para desplegarlo. Es un objeto interactivo, pensado para guiar al espectador hacia una actuación o un happening artístico, de forma similar a como se desarrollan otras obras de Burns. Pájaros cantores con equipo de seguridad Es un ejemplo genial de cómo un libro no es solo un objeto inanimado, sino que puede ser un motor para el aprendizaje y la acción.
Daniel Gordon, Intermedios
Stand: Three Star Books, París, Francia
Fotógrafo afincado en Brooklyn Daniel Gordon se expuso de forma dinámica en la feria de este año. Su obra se presentó a través de la Three Star Books una cabina en una sala de la segunda planta del PS1. Cerca de la cabina, había una estantería de unos veinte pies cubierta de esculturas de papel que representaban frutas, jarrones y plantas. Cada una de estas esculturas se creó fotografiando un objeto. A continuación, Gordon imprime imágenes con colores intensos de cada objeto para, finalmente, reconstruirlos como esculturas de papel tridimensionales con sus propias formas. Las esculturas dan la sensación de ser provisionales y tienen un aspecto deliciosamente rudimentario, dejando a la vista los bordes del papel con los que están hechas.
Junto con esta preciosa instalación, el stand de Three Star Books presentó una caja con una selección de obras de Gordon, titulada Intermedios. Cada fotografía de la serie era una imagen refotografiada de una de estas esculturas in situ. Las fotografías solían presentar composiciones muy ajustadas y colores llamativos. Gordon ha ideado una especie de metaproceso: al fotografiar un objeto, crear un objeto y volver a hacer una foto, pone de relieve la tenue relación entre el original, la copia y su simulación. Al emparejar las esculturas con la caja del portfolio, el artista subraya la extraña relación entre un objeto y su réplica.
Christopher Branson, Cosas que puedes dibujar
Autoeditado, Chicago
He encontrado Christopher Branson en la zona de fanzines de la feria. Su trabajo me llamó la atención al instante por ese libro titulado ‘Things for you to Draw’. El libro, con un diseño precioso, recoge una serie de sugerencias en las que basar los dibujos. Al principio, el libro me llamó la atención por su atractiva maquetación, sus colores y la elección tipográfica. Además, suelo organizar maratones de dibujo, eventos en los que se guía a los artistas a través de una serie de temas para que hagan dibujos al instante a un ritmo rápido. Así que, cuando vi el libro, pensé: “Lo necesito”.”
La razón por la que los maratones de dibujo funcionan tan bien es que obligan al artista a ser creativo bajo presión, lo que da lugar a una inspiración inesperada. Hablando con Branson descubrí que él sigue una metodología parecida; toda su serie de 12 libros, que se exhibía en la feria, fue un proyecto en el que se obligó a sí mismo a escribir un libro al mes durante un año. Lo hizo para ver qué cosas inesperadas o creativas surgían al intentar cumplir sus objetivos de productividad. La conclusión: cuando nos proponemos superar nuestras expectativas, a menudo conseguimos cumplirlas y obtenemos resultados más interesantes.
Branson hace estos libros en su tiempo libre, mientras trabaja como director artístico e ilustrador en Nueva York. Me compré el libro para usarlo en mi próxima maratón.
Alicia Nauta y Eunice Luk, Flores desde lejos
Autoeditado, Toronto/Japón
Siempre he sido un gran fan de los dos De Alicia Nauta y De Eunice Luk desde hace mucho tiempo. Estos dos artistas colaboran a menudo en proyectos y trabajan codo con codo. Ambos tienen trayectorias artísticas distintas que merecen ser analizadas por separado, pero aquí quería destacar su capacidad de trabajar juntos, que viene de lejos. Se dedican a la serigrafía, las artes del libro, la moda, los casetes artísticos y la cerámica. Es poco habitual encontrar artistas con una química colaborativa tan duradera como la de Luk y Nauta.
Los dos artistas solían trabajar en Toronto, pero desde hace tres años Luk vive en Tokio. Pensé que estaría bien rendir homenaje a lo excepcional de su amistad artística presentando un libro que han creado juntos titulado Flores desde lejos. Quizá le esté sacando demasiado sentido al título, pero este libro me parece como una correspondencia entre amigos que viven lejos. En el libro, Nauta y Luk responden a las imágenes del otro mediante fotografías, collages y dibujos para crear una narrativa libre. Me encantan estas yuxtaposiciones poéticas, y la decisión de imprimirlo todo en cian le da un toque relajante.
Alexis Beauclair, Acerca de #5
Editorial: Gloria Glitzer, Berlín
Gloria Glitzer Es una editorial dedicada exclusivamente a libros de artista y fanzines. En su página web comparten esta cita tan impactante de Sol Lewitt: “Son obras en sí mismas, no reproducciones de obras. Los libros son el mejor medio para las obras. Los libros son el mejor medio para muchos artistas que trabajan hoy en día”. Por lo que vi en este stand, la editorial usa esta cita como guía para su forma de enfocar las publicaciones de artistas.
Lo que más me gustó del impresionante stand de Gloria Glitzer fue su Acerca de serie de libros. Para cada uno de estos libros, le piden al artista participante que trate las cuatro páginas como si fueran las cuatro paredes de una galería. Cada artista tiene su propio enfoque a la hora de abordar esta propuesta.
Como libro destacado, elijo De Alexis Beauclair Acerca de #5. En su edición, decidió aprovechar la libertad que ofrece el espacio bidimensional del libro para proponer instalaciones arquitectónicas imposibles para el espacio imaginario de una galería. El espacio de un libro es flexible e imaginativo, y no tiene por qué ajustarse a las leyes de la física. Me encanta cómo esta obra le da un toque divertido a la forma de pensar sobre el espacio virtual de un libro.
Jutta Koether, Ahí está
Editorial: Printed Matter, Nueva York
El libro Ahí está por Jutta Koether Lo imprimió Printed Matter en 2009, casualmente para la Feria del Libro de Arte. Puede que no sea nuevo, pero este libro siguió destacando como una de las obras más destacadas.
Las imágenes y los textos hacen referencia a las performances y pinturas de Koether. Es una figura clave del feminismo que suele recurrir a la historia del arte en busca de inspiración para sus pinturas e instalaciones a gran escala. Ahí está Incluye una serie de mimeografías en hojas sueltas entre tapas rojas, impresas en un escarlata vibrante y un tono carmesí más intenso para reflejar la característica paleta limitada de rojos que la artista utiliza en sus cuadros. Impreso en una pequeña edición exclusiva de 150 ejemplares, este libro es una pieza de colección ideal para los fans de Koether que buscan una adquisición más asequible que comprar una obra de arte original.
La primera página del libro se abre con una imagen dinámica de dos figuras que sostienen la pancarta “Mujeres soberanas en la pintura”. Al igual que la obra de Delacroix… La libertad guiando al pueblo, Es una imagen que parece una llamada a la acción. Me encantó hojear con delicadeza estas imágenes tan ilustrativas e impactantes. Es un libro precioso que me encantaría tener, pero la pintora que hay en mí también quiere coger todas las imágenes y pegarlas en las puertas principales del MoMA.
Luke Painter, Bauble Bauble te cuento
Editorial: Colour Code Printing, Toronto
Impresión con código de colores Hace poco se ha publicado un nuevo libro de un artista afincado en Toronto Luke Painter. La editorial se especializa en risografías y otros métodos de impresión de publicaciones artísticas. Este libro, Bauble Bauble te cuento, es una risografía a cuatro colores. Painter, que trabaja con tinta sobre papel, es un dibujante hábil y prolífico. Este libro recoge su maestría como dibujante y destaca al mismo tiempo su gusto por el color y su manejo calculado del mismo. El croma parece tener especial importancia en estas nuevas obras. Destacan por sus transparencias luminosas, sus negros profundos y melancólicos, y sus zonas contrastadas de espacios monocromáticos saturados.
Las obras de Bauble Bauble te cuento Explora la tensión entre el interior y el exterior. Las superficies del espacio interior están cubiertas de un sinfín de motivos descoordinados, extraídos de líneas temporales desalineadas. En algunas imágenes, los límites entre el interior y el exterior parecen difuminarse. En otras, la vegetación parece adoptar actitudes y formas personificadas. La ausencia de presencia humana resulta evidente en estas representaciones de espacios interiores deshabitados. En estas ilustraciones da la sensación de que lo más parecido que tenemos a los seres vivos son las plantas que quedaron de una época en la que teníamos jardineros. La sensación de melancolía es palpable, inquietante y, al mismo tiempo, atractiva. Es una aventura extraña y divertida pasear por estos espacios.
Hsien Jung Chen, Pose con comida
Stand: Sonnosbooks, Taiwán
En la planta superior de la feria, justo antes de irme, me fijé en un precioso libro desplegable de Hsien Jung Chen. Por un lado del libro había una serie de fotos de pequeñas piezas de cerámica esmaltadas en tonos pastel sobre un fondo negro. Por el otro, para mi sorpresa, había esculturas de distintos alimentos sobre la encimera de una cocina; las piezas de cerámica se habían inspirado en esas esculturas provisionales de cocina.
Me encanta que el tamaño del libro sea más o menos igual al de las esculturas de comida y, supongo, al de las propias esculturas también. El libro se llama Pose con comida, lo cual es muy acertado porque da la sensación de que los alimentos están haciendo pequeñas acrobacias para ti, como si dijeran “¡Mira lo que puedo hacer!” con cada forma extraña y cada pila, igual que un gimnasta contorsionando su cuerpo. Este libro tan divertido fue una bonita sorpresa final.
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