Qué es la cinematografía y cuáles son los conceptos erróneos más comunes

Puede que crea que sabe lo que es la cinematografía, pero lo que tienen que decir estos profesionales puede sorprenderle.

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La cinematografía es una parte esencial del cine. Se trata de imágenes creativas que refuerzan la narración y ofrecen al público una experiencia emocional. No tiene tanto que ver con el equipo que se utiliza como con la forma de utilizarlo, pero los cineastas contemporáneos suelen pasar por alto este hecho.

La directora de fotografía Alicia Robbins (Invitación de boda, El amanecer del planeta de los simios) explicaEn la era digital, cualquiera puede comprar y poseer su propia cámara. A los productores y directores se les hace creer que si no ruedan con la Arri Alexa, su película no es una película. ¿Cuándo dejaron los productores y directores de centrarse en encontrar un director de fotografía que entienda bien la historia, la iluminación y la composición?".

Los directores de fotografía son narradores de historias como directores-la diferencia es que ellos dirigen visuales en lugar de actores. "Contamos historias emocionales con las imágenes; no se trata sólo de hacer imágenes bonitas. Creo que es un gran error. La gente piensa que la fotografía es buena porque es bonita", dijo Rodrigo Prieto durante la temporada de premios de este año. The Hollywood Reporter mesa redonda de directores de fotografía. Prieto fue nominado al Oscar por su trabajo en la película de Martin Scorsese Silencioy también fue director de fotografía de El lobo de Wall Street, 8 Millasy Brokeback Mountain.

Su opinión fue compartida por los demás directores de fotografía que asistieron a la conferencia. THR mesa redonda, incluido el nominado al Oscar Caleb Deschanel (La Pasión de Cristo). "Más que salir y filmar un hermoso amanecer o una imagen increíble, algunas cosas que filmo y que no son muy interesantes encarnan una cierta emoción que es realmente poderosa en el contexto de la película", dijo.

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Mesa redonda de THR con Rodrigo Prieto ('Silencio', 'Passengers'), Linus Sandgren ('La La Land'), John Toll ('Billy Lynn's Long Halftime Walk'), Charlotte Bruus Christensen ('Fences', 'La chica del tren'), Bradford Young ('Arrival') y Caleb Deschanel ('Rules Don't Apply').

Para crear efectos visuales que realcen y subrayen una narración, los directores de fotografía deben comprender y modular el movimiento de la cámara, la colocación de la cámara, la composición, el enfoque y, lo que es más importante, iluminación. La luz es la principal herramienta cinematográfica que distingue el vídeo doméstico en bruto del cine profesional. Por un lado, las personas y los lugares no tienen el aspecto que perciben nuestros ojos una vez que han sido captados por una cámara, por lo que el trabajo del director de fotografía consiste en utilizar una iluminación precisa para crear realismo. Pero, lo que es mucho más importante, los directores de fotografía utilizan la iluminación como indicador del estado de ánimo y las emociones no verbales de una película. Un buen director de fotografía capta el ethos de una escena en el contexto de un arco narrativo y utiliza la luz para subrayar las sutilezas y los subtextos emocionales de la trama.

En realidad, ese aspecto "profesional" que buscan los cineastas emergentes está constituido en gran medida por elementos básicos de adquisición de imágenes que están presentes en cualquier película profesional y tienen poco que ver con las decisiones artísticas de los directores de fotografía. Estas especificaciones técnicas son supervisadas por un técnico de imagen digital que se asegura de que el equipo esté personalizado para captar la visión creativa del director de fotografía.

Estas especificaciones de la cámara incluyen la resolución, que viene determinada por el número de fotositos del sensor de la cámara, el muestreo de color, que es la dinámica de brillo a color dentro del metraje, y el obturador, que determina cómo capturará la cámara el movimiento. Ninguno de estos factores influye significativamente en la calidad de la imagen por sí solo, sino que deben emplearse al unísono para lograr la mejor representación de la luz, la posición y el movimiento que el director de fotografía ha seleccionado para una toma determinada. El verdadero trabajo de un director de fotografía es poner los efectos visuales al servicio de la historia, no hacer que los efectos visuales parezcan profesionales.

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Rodaje de Tangerine entre bastidores vía

La película de 2015 Mandarinarodada con un iPhone 5S, es un buen ejemplo de película que emplea una cinematografía llena de matices para retratar visceralmente la experiencia de sus personajes. El director Sean Baker y su colaborador Radium Cheung, que compartieron los créditos de fotografía en la película, optaron por rodar con un adaptador de lente anamórfico específico que permitía al iPhone capturar una imagen un 30 % más ancha de lo habitual (2,4:1 en lugar de 16:9).

Mandarina sigue a dos trabajadoras del sexo transgénero en su misión de un día para encontrar a una mujer en las calles de Los Ángeles, y la mayor parte de la película las retrata caminando por las aceras, esperando autobuses y llegando a diferentes lugares. La filmación con un adaptador gran angular acentúa el hormigón plano y desparramado característico de Los Ángeles, permitiendo que largas franjas de aceras y escaparates formen líneas paralelas que hacen que el público se sienta como si estuviera en el arenoso nivel de la calle.

Además, muchas escenas de Mandarina se rodaron al atardecer con una alta saturación de color, lo que confiere a la película una estética de "puesta de sol". Este tono visual de transición de una hora del día a otra nos hace sentir el impulso de la búsqueda de los personajes. Son este tipo de decisiones cinematográficas las que realmente capitalizan lo que el cine puede ofrecer.

Un factor que puede ser parcialmente responsable de las ideas erróneas sobre lo que implica una cinematografía eficaz es la frecuente falta de atención que los premios prestan a este departamento. Las películas destacadas en los Oscar y los Globos de Oro no suelen exhibir logros audaces y matizados en materia de iluminación y estética narrativa.

Por ejemplo, la ganadora del Oscar a la mejor película de 2016, Focoque se centra en una historia interesante e importante, pero presenta un estilo visual aburrido y poco inspirado. Foco emplea en gran medida una iluminación fluorescente de oficina y planos genéricos que hacen recaer todo el peso del compromiso profundo en las palabras que dicen los actores. A esto hay que añadir su gradación del color y Foco es un ejemplo de película galardonada con un argumento sólido, una dirección y una interpretación sólidas que ha cosechado elogios a pesar de carecer de sustancia en uno de los departamentos más cruciales del cine.

Sólo un número muy reducido de mejores películas premiadas por la Academia reciben también el reconocimiento de la Sociedad Estadounidense de Cinematógrafos (ASC) -un gremio considerado la autoridad en materia de logros en las artes cinematográficas- o ganan el Oscar a la mejor fotografía. En los últimos 19 años, sólo tres películas galardonadas con el Oscar a la mejor película han recibido también el premio de la ASC a la mejor fotografía o el Oscar a la mejor fotografía: Birdman, Slumdog Millionairey Belleza americana. El hecho de que La La Land se llevó a casa el premio Oscar de cinematografía 2017 por delante de Luz de luna, Silencioy Manchester frente al mar es un indicador más de que, en general, la Academia elogia las películas con estilos visuales más superficiales en lugar de una cinematografía compleja y llena de matices. Dada la popularidad de los Oscar y de otras galas de premios, este fenómeno podría ayudar a explicar una infravaloración general de todo el potencial de la cinematografía como forma de arte.

Las experiencias cinematográficas que merecen la pena, penetrantes y envolventes, consisten en muchos matices que coinciden para crear una película que es más que la suma de sus partes. Aunque la cinematografía pueda parecer insignificante a primera vista, es importante para crear películas que sean experiencias emocionales además de informativas.

En palabras de Deschanel: "Puedes mirar tus copias diarias y pensar que no es muy interesante. Pero sabes que cuando se pone en el contexto de toda la película va a tener un cierto poder emocional que es importante para contar la historia."

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Información adicional de Benjamin Tersigni

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